“EL MISTERIO DE LA TRISTEZA. WUERO RAMOS”

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El Instituto Queretano de la Cultura y las Artes,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
en colaboración con Aldama Fine Art
tienen el honor de invitar a usted
a la inauguración de la exposición

“EL MISTERIO DE LA TRISTEZA. WUERO RAMOS”

Wuero Ramos email

WUERO RAMOS: EL PAISAJE COMO DECLARACIÓN DE PRINCIPIOS

El paisaje es un lugar imaginario, el paisaje no tiene una localización física, está en la mente del artista. Vivimos en un sitio, lo habitamos sin apenas conocerlo, acostumbrados a estar, dejamos de mirar el entorno, de estudiarlo, de comprender qué sucede con sus cambios y con su evolución, su constante transformación. El pintor observa, roba elementos, se los lleva en la mente, un terreno, unos árboles, el espacio urbano depredado y martirizado por la sociedad y con eso construye, crea un sitio que únicamente podemos ver en su obra. Wuero Ramos no vive el espacio ni camina por la calla, ni recuerda, como lo hacemos la gran mayoría, él está reteniendo en su mente, en su obra, los sitios que sean capaces de estar en su lienzo. Es un testigo invisible que está presente en los días después de la lluvia, en el lugar urbano que sin conocer la belleza comienza su degradación, en la hierba que crece entre las placas de concreto, en el brillo del agua estancada de un parque abandonado. La belleza del lugar no es la que determina la belleza de la obra. Las grandes perspectivas, las panorámicas de vista portentosas de la naturaleza no crean arte en un paisaje, no crean belleza con un concepto trascendental; las fotografías publicitarias de lugares paradisiacos son testimonios seductores; la pintura de paisaje va más lejos, persigue hacer de un espacio la representación de una idea de la realidad, de la forma de vivir y habitar un lugar y del significado que ese sitio ocupa en la existencia. Eso lo estudia con devoción creadora Wuero Ramos; al ver las pinturas sabemos cómo vive el espacio y cómo es capaz de abstraerlo de sí mismo para insertarlo de nuevo. La realidad de Ramos no existe ni para el espectador ni para nadie, y si la vemos es porque él la ha creado.

Avelina Lésper
(fragmento)

 

UNA CATEDRAL DE LIBROS SIN NOMBRES

El Wuero es, entre otros aspectos, un pintor de atmósferas. Lo atestiguan Catedral de libros y Librería de Viejo. Si en la primera predominan los tonos sepias en la segunda todo es rojo, como si se tratara de un fuego levemente apagado. Y se debe decir con estas palabras sin temerle al elogio ni al modo coloquial: son dos cuadros de gran formato, impresionantes, magistrales. Y son también excesivos, sí, propositiva, ritualmente excesivos, en el mejor sentido del término […] El Wuero llama a las librerías de viejo “mausoleos” y sí, son un poco eso, lugares donde los libros se ubican en el desvío perdiendo su sentido originario y penetrando en la línea gris del anonimato, de aquello que se diluye en los límites entre la vida y la muerte mientras una fina arenilla desliza del cuerpo del libro hacia la nada.


(Antes de conocer sus cuadros más recientes) yo tendía a afirmar que Miguel Ramos era un paisajista a ultranza, a excepción de los juegos de frontón y del increíble Volkswagen arrumbado contra una pared con un mendigo durmiendo en su interior… pero antes están los lienzos cuyo tema es el frontón. Éste es un conjunto que Ramos ha realizado alternando con los paisajes. Ubicada en la periferia, entre los límites sociales y geográficos de la ciudad, ahí donde la urbe come, calcina sus márgenes, la serie acciona dos elementos vertebradores: la figura humana y la presencia quieta del grafiti […] esas obras instituyen un múltiple escenario. El primero, mediante un giro metapictórico, fusiona o empalma dos categorías artísticas… el grafiti y la pintura que lo contiene. Es esta, la pintura, una primera instancia de lo real y es, al mismo tiempo, una disciplina institucionalizada. El grafiti, por el contrario, nace en la periferia y, aunque en la actualidad posee una relativa legitimación, sigue conservando su sello de origen.

 

Lelia Driben
(fragmentos)


LOS MISTERIOS DE LA TRISTEZA

Las pinturas del Wuero Ramos… son, fundamentalmente, una lograda búsqueda estética que se atreve a encontrar la belleza donde no la hay o se reconoce.

Un mundo hecho de sus imágenes o visiones existenciales… donde, como espectadores, sentimos la tentación de perdernos: explorar a solas esos parajes urbanos, escuchar los gritos ofensivos de los jugadores de frontón, andar entre las tumbas o tratar de hallar la fortuna, la felicidad y la salvación entre la basura… cobrar, en fin, plena conciencia de que día a día construimos laboriosas ruinas para habitarlas, morir (o permanecer inmóviles por un tiempo), renacer y seguir edificando la desdicha, la honda tristeza de nuestro devastado mundo interior que se materializa en ellas.

Rafael Muñoz Saldaña
(fragmento)

Previa a la inauguración de la muestra, tendrá lugar la presentación del libro “El Misterio de la Tristeza. Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos”.

Jueves 18 de agosto de 2016

Permanencia: 18 de octubre de 2016

Recepción: 19:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“ENTRE ÍNCUBOS Y PIEL” DE FEDERICO CORREA

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“ENTRE ÍNCUBOS Y PIEL”
de Federico Correa

 

Invitación Federico Correa

Desde el punto de visita plástico ¿Dónde anclar el trabajo de Federico Correa?

A simple vista se antojan muchas raíces y sueños que lo sustentan y lo motivan; aunque realmente son las semillas que entran y germinan de inmediato en las referencias y los recuerdos de una memoria dormida que a todos estremece porque toca y llega.

En su Catálogo de tantos años , sin morbo, sin reproducción literal de la emoción de vivir , en el dibujo de tanta calidad, las imágenes poco frecuentes de cuerpos que, mientras se desnudan , al unísono se proyectan encima de quien ejerce el derecho a mirar para deslizarse , entrar a perturbar y generar la reflexión , el asombro, la incerteza…

Muy cercano a los colores del Expresionismo Alemán, a la estridencia de aquéllas Vanguardias Europeas, a las sutilezas de Lautrec, nos recuerda , sin atrevimiento, la soltura del lápiz y el pincel de María Izquierdo , local, con sus juguetes, sombreros, circos y diversiones infantiles que sin embargo , en la paleta de Correa , mientras se evocan y expresan en un nuevo lenguaje que sueña y se atormenta en tanto acaricia su propia piel.

 

Margarita Magdaleno R.
Junio de 2016

 

FEDERICO CORREA

Nacido en Salinas, California, de una familia mexicana.

Gran parte de su trabajo es autobiográfico. Firmemente arraigado en el subconsciente, se sumerge en la hipocresía en el catolicismo y la tradición familiar.

Estudió arte Babe Shapiro, fundador de la Escuela Mount Royal de Graduados de pintura en el Maryland Institute College of Art, en Baltimore, Maryland, USA.

Sus premios incluyen el Ford Fellowship Foundation y el Museo Henry Walters Fellowship.

 

Jueves 30 de junio de 2016

Permanencia: 14 de agosto de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“UNA MIRADA AL ARTE CONTEMPORÁNEO. COLECCIÓN FEMSA”

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en colaboración con FEMSA
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“UNA MIRADA AL ARTE CONTEMPORÁNEO. COLECCIÓN FEMSA” 

Invitación FEMSA email

 

El compromiso de FEMSA con el desarrollo integral de los trabajadores, de sus familias y de las comunidades donde está presente, se ha visto reflejado en la creación de iniciativas que han destacado por su trascendencia.
Una de ellas es la Colección FEMSA, reconocida como una de las colecciones de arte moderno y contemporáneo latinoamericano más importantes a nivel nacional e internacional. Fundada en 1977, actualmente reúne más de 1200 obras de distintas disciplinas que ofrecen un recorrido por el devenir artístico de América Latina desde el siglo XX hasta la fecha.
Mediante su programa de exposiciones itinerantes, FEMSA comparte su Colección con diversas comunidades en México y el extranjero, cumpliendo su objetivo de impulsar la educación en sus diferentes facetas a través de la difusión de la cultura y de la apreciación artística.
La exposición Una mirada al arte contemporáneo. Colección FEMSA muestra la obra de creadores radicados en Argentina, Brasil, Cuba, Guatemala, México y Venezuela. Al recorrer las salas de este recinto, el espectador conocerá las propuestas artísticas que involucran nuevos medios y lenguajes. La exhibición está compuesta por los núcleos temáticos Incursión a la abstracción, Historias en común y Concepto y materia.
Agradecemos al Gobierno del Estado de Querétaro y al Instituto Queretano de la Cultura y las Artes por el apoyo que nos han brindado para hacer posible la realización de esta exhibición; a Cadena Comercial OXXO, patrocinador de este proyecto, y al Museo de Arte de Querétaro, por la invaluable colaboración de su equipo de profesionales y por recibir esta muestra en sus instalaciones. Esperamos que disfruten esta exposición.

Colección FEMSA

 

Miércoles 8 de junio de 2016

Permanencia: 31 de julio de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“LA IDA” DE TERESA OLABUENAGA

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en colaboración con el INBA
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“LA IDA” DE TERESA OLABUENAGA

Cartel Teresa Olabuenaga email (1)

Ir hacia arriba no es nada más

                  que un poco más corto o un poco

                  más largo que ir hacia abajo

He equivocado todo o casi todo,

menos el centro.

 Roberto Juarroz

La ida. ¿A dónde? No lo sabemos. De lo único que podemos estar ciertos es que, durante el camino, contaremos inevitablemente con la compañía de nuestro cuerpo. En palabras de Olabuenaga, “el propio cuerpo es el origen y fin de esa experiencia breve, pero intensa, a la que llamamos vida”.

A partir de su propia vivencia de la enfermedad y la hospitalización, la artista inició un proceso reflexivo que desembocó en una propuesta creativa: “Si bien pareciera que todo problema de salud y la consecuente hospitalización pueden ser tomados como experiencias traumáticas o negativas, en mi caso fueron muy positivas y liberadoras en el sentido físico, evidentemente, pero sobre todo, en el sentido espiritual”.

No es un accidente que las piezas de esta exposición sean símbolos de verticalidad, ya que un axis mundi es ese eje, constante en diversas tradiciones mitológicas y religiosas, que desde el ámbito terrenal conecta el submundo –el origen– con el cielo –la trascendencia–.

A través del axis mundi, para cada uno de nosotros nuestro propio cuerpo vertical, vivo, efectuamos ese viaje, esa ida en la que en ocasiones ascendemos y, en otras, descendemos. El cuerpo deviene centro cósmico, espacio de tránsito que permite la vinculación con lo alto y lo bajo. Es nuestro lugar de tránsito hacia la muerte, último destino, tal vez último origen.

Cuerpo-casa-cosmos, diríamos parafraseando a Mircea Eliade, quien afirma: “la experiencia mística fundamental, es decir, la superación de la condición humana, se expresa por una doble imagen: la ruptura del techo y el vuelo por los aires”. Para el autor, la experiencia del vuelo es la del “paso de un modo de ser al otro o, más exactamente, el tránsito de la existencia condicionada a un modo de ser no-condicionado, es decir, de perfecta libertad”.

¿No es esta experiencia mística, acaso, lo que la creación artística intenta emular, la forma en que el artista evade la apatía del hombre moderno, a-cósmico? Ante la desazón de la enfermedad, Olabuenaga produce, entre otras cosas, para no perder su centro. El cuerpo es capaz de corromperse, pero también puede reconstituirse. Las 27 columnas que conforman este proyecto son, así, los pilares que sostienen el cuerpo-templo y simbolizan el paso a un modo de ser paradójico.

José Raúl Pérez, curador

 

Teresa Olabuenaga nace en la ciudad de México en 1958. Es licenciada en Comunicación por la Universidad Iberoamericana y maestra en Dirección de Centros Educativos por la Universidad Anáhuac. Desde 1982 maneja el taller ETER / El Relicario, especializado en grabado.

Viajó a Japón para aprender la técnica shifu de hechura de textil con hilo de papel hecho a mano, y el washi para la hechura de papel hecho a mano, mismas que transformaron su tratamiento del papel amate en México.

A lo largo de sus 32 años de carrera artística ha recibido diversos premios y reconocimientos. Cuenta con más de 120 exposiciones en museos y galerías en México y otros 17 países en América, Europa y Asia. Su trabajo gira en torno a tres temas base que, interrelacionados, hablan de su punto de vista en torno al mundo: la infancia, la soledad y la muerte, vectores que definen sus materiales, composiciones y estética.

 

Viernes 3 de junio de 2016

Permanencia: 31 de julio de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
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Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
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PROYECTO CERO. MUJERES FOTOPERIODISTAS

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“PROYECTO CERO. MUJERES FOTOPERIODISTAS”

Invitación Mujeres fotoperiodistas email

Proyecto Cero tiene como objetivo acercar el trabajo fotoperiodístico a la ciudadanía, así como resaltar la inclusión de las mujeres en los medios de comunicación, en especifico en el ámbito fotográfico. Cada día más mujeres entran al mercado laboral, desempeñando una variedad de trabajos; los paradigmas, el acceso a la educación, los roles, están en constante cambio y el reflejo de ello es el número, cada vez mayor, de mujeres en todos los campos profesionales.
La fotografía de prensa es el lado visual de los medios de comunicación, los cuales configuran la visión que tiene la sociedad del mundo, de ahí que el acto de fotografiar sea nuestro punto de partida: la fotografía por sí misma produce sentido y da significación a las cosas.
Es importante reflejar estos cambios que se están dando en nuestra sociedad, y con ello generar conciencia en la ciudadanía de que las mujeres buscan su autonomía, libertad e igualdad ante las leyes. En el caso de Querétaro las mujeres profesionistas perciben diferentes ingresos que los hombres, datos del INEGI señalan que hasta un 50% menos. Dicha exposición ofrece al espectador un reflejo de cómo las mujeres contemporáneas dan lectura a la realidad, y cómo el uso de la herramienta fotográfica permite captar hechos y momentos que contienen un amplio valor comunicativo.
Proyecto Cero esta conformado por trece fotoperiodistas de diferentes medios de comunicación en el Estado de Querétaro:
Alejandra López Beltran Ana Lilia Rosales Ana Lucía Alvelais Loyo
Eréndira Lumbreras González
Fernanda Ortiz Gabriela Zúñiga
Giovanna Tron
Karina Camacho
Martha Flores
Martha Zamora
Miriam Martinez
Yolanda Longuino
Yunuen Calixto

 

Jueves 19 de mayo de 2016

Permanencia: 26 de junio de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
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“GEOMETRÍA”, OBRA DE YAZMÍN SALDAÑA

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“GEOMETRÍA”
Obra de Yazmín Saldaña

Yazmin Saldaña -  Geometría

Grabar es la acción de incidir, rayar, marcar, horadar por diferentes medios, una superficie con el objeto de producir profundidades gráficas que se rellenan con tinta que luego se transfiere por presión a un papel. Esta es una técnica cuyo principal objetivo es la reproducción de la imagen cierto número de veces.

Un grabado se refiere a la placa trabajada con la cual se hace la impresión, grabado es también, el papel con la imagen transferida en su superficie. Dos momentos de creatividad importantes en esta técnica gráfica son: el grabar la placa mediante diferentes técnicas y la impresión sobre todo cuando es con colores y diferentes placas.

Gráfica expandida es un término que puede ser utilizado en obras gráficas que se salen de de la convención en la manera de hacer la placa, pero sobre todo en la forma de impresión. Algunas piezas de Yazmín se colocan en éste apartado al integrar papeles impresos, escritura, soportes extras, diferentes placas y costuras en el papel.

Yazmín Saldaña presenta en esta ocasión unas piezas producto de un trabajo minucioso y limpio durante todo el proceso. La geometría, tema central de su lenguaje, va desde la finura aterciopelada de las líneas en la punta seca del cono y esfera, hasta la inquietante negrura de un rectángulo en que la impresión de la placa es el tema. La artista ha abordado el grabado de una manera inquisitiva encontrando diferentes opciones a cada placa y su impresión.

Aura Moreno Lagunes

 

Geometrías de Yazmín Saldaña

Hacer arte abstracto en pleno siglo veintiuno es algo más que adoptar una estética. Casi un siglo después de su encumbramiento, el abstraccionismo sigue siendo una postura arriesgada y expuesta a la reprobación.

¿Por qué cuesta tanto entender la pintura abstracta? ¿por qué para algunos resulta tan difícil aceptar el lenguaje puro del color, la materia y las formas esenciales?. ¿Por qué se repiten los mismos comentarios de siempre —anacrónicos y puritanos— sobre esta tendencia? No es sólo por ignorancia, también por la mala fe de algunos apologistas del dogma formalista de la representación, y, últimamente, por la malicia de varios precursores de la moda contemporánea que sólo confunden a la gente y cierran opciones de reconocimiento a la pintura, a la que no quieren darle continuidad histórica, y a la que rara vez conceden un valor suficiente.

Honestamente, no creo que siempre sea necesario tener que explicar la pintura, y menos el arte abstracto. Para muchos, sería de gran alivio desentenderse de rollos e interpretaciones literarias, y empezar a vivir sin prejuicios la extraordinaria experiencia del asombro y el desconcierto que produce el “no-saber” frente a la obra. En pocas palabras: creo que para apreciar el arte sólo hay que dejarse llevar.

Y sigo haciéndome preguntas mientras contemplo la serie Geometrías de Yazmín Saldaña, a quien hay que agradecer su férrea decisión de practicar el abstraccionismo con un compromiso apasionado y sincero, y por entregarnos una nueva propuesta, que sin quererlo, es ambiciosa.

A través de un simple simbolismo establecido por ella misma —donde el círculo, el triángulo y el cuadrado devienen, respectivamente, en universo, equilibrio y cuatro elementos (aire, tierra, agua y fuego)—, Yazmín nos reafirma en la convicción y vigencia de la pintura abstracta. Su obra no sólo entabla un atractivo diálogo con las preocupaciones propias del expresionismo abstracto, sino que, además, nos brinda una emotiva experiencia visual que da cuenta de su capacidad creativa. La gracia de su pintura deriva de los ricos incidentes visuales que genera; gestos y texturas entrelazadas que sugieren misteriosas disposiciones espaciales y estructurales que parecen estar en constante transformación. Su obra es sobria por la reducción de su paleta que mantiene un sutil equilibrio tonal, iluminado sólo por pequeños destellos de color, y por el buen tratamiento de la superficie pictórica a través de goteos, manchas, lavados, velos, restregados, estarcidos y accidentes que se combinan para crear una sensación espacial profunda.  

Con esta serie, Yazmin Saldaña confirma el alto grado de compromiso que ha alcanzado. Su trabajo sigue empujando hacia nuevas direcciones y no se conforma con los logros obtenidos. Geometrías es una visión atrevida y abierta que demuestra las posibilidades de la práctica contínua y la osadía de buscar nuevos caminos.

Jordi Boldó

 

Jueves 14 de abril de 2016

Permanencia: 22 de mayo de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
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CURSO INTENSIVO DE PLASTILINA PARA JÓVENES ILUSTRADORES-ILUSTRADOS

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Instituto Queretano de la Cultura y las Artes,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
invita a participar en el:

Curso intensivo de Plastilina
para jóvenes ilustradores-ilustrados.

Curso Intensivo de Plastilina

Imparte:
LDI Leonardo Mendoza Reyes

Del 4 al 8 de abril de 2016
Horario: 10:00 a 18:00 hrs
(con receso de 14:00 a 16:00 hrs)

Edades: 18 a 30 años

Para jóvenes interesados o con conocimiento en las técnicas de ilustración, diseño gráfico, diseño industrial, o artes visuales.

Curso gratuito
(No incluye material)

Realizado con el apoyo del Programa de Estímulos a la Creación y el Desarrollo Artístico (PECDA)

Cupo limitado

 

Informes e inscripciones:

MAQRO
Allende 14 sur, Centro Histórico
Querétaro, Qro.
Tels.: 212 2357 y 212 3523 ext. 3

maqeducativos@gmail.com

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“PINTANDO EN PRIMAVERA”. CURSO PARA NIÑOS

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El Instituto Queretano de la Cultura y las Artes,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
en colaboración el Voluntariado Docente del MAQRO
invitan al curso para niños:

PINTANDO EN PRIMAVERA

 

Pintando en Primavera

 

Imparte: Laura Cortés Flores
Marzo 22, 23, 29, 30, 31
Abril 1º

Edades: 4 a 13 años
Horario: 10:00 a 13:00 hrs

Donativo: $800.00 MXN

Descuento a hermanos

Informes e inscripciones:

MAQRO
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Querétaro, Qro.
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Una mañana en el MAQRO. Visitas guiadas especiales con el Voluntariado Docente

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El Instituto Queretano de la Cultura y las Artes,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
en colaboración el Voluntariado Docente del MAQRO
invitan a:

Una mañana en el MAQRO
Visitas guiadas especiales con el Voluntariado Docente

 

Una mañana en el MAQRO email

 

Te invitamos a conocer el claustro del Exconvento de San Agustín y a disfrutar de un recorrido por exposición temporal “El Reino de las Formas. Grandes Maestros”.

Elige un martes del mes de marzo para compartir con nosotros una mañana en el museo.

8, 15, 22 y 29 de marzo 

De 10:30 a 13:00 hrs

Jóvenes y adultos.

Entrada libre

MAQRO
Allende 14 sur, Centro Histórico
Querétaro, Qro.
Tels.: 212 2357 y 212 3523 ext. 3

maqeducativos@gmail.com

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EVOCACIONES 2016. Cinco pintoras mexicanas contemporáneas

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a la inauguración de la exposición

EVOCACIONES
2016
Cinco pintoras mexicanas contemporáneas

CARMEN CHAMI · SANDRA DEL PILAR · TALÍA YAÑEZ · PAULINA JAIMES ·LILIANA ANG

 

 

Evocaciones2

Aproximaciones al continente del cuerpo. Cinco pintoras mexicanas

Por Sofía Neri Fajardo

En el ámbito del arte, una característica como la similitud es en ocasiones vituperada, por atribuírsele la sospecha y el descrédito de inducir a la utilización de la copia como recurso metodológico sostenido, y no como gestación para el aprendizaje y desarrollo de la creatividad. No obstante, la trascendencia que cualquier obra pueda poseer provendrá de la factura profesional, misma que radica en los pertrechos técnicos, conceptuales e imaginativos con los que cuente el artista, y no de si se reprodujo como mera transcripción o como referencia. En la presente selección denominada Evocaciones, Aldama Fine Art reúne el trabajo de cinco artistas nacidas en México, con particularidades que las unen a través del hilo conductor de sus semejanzas: es justo en la confrontación de las mismas que se ejemplifica la interpretación que cada una de ellas otorga al uso del cuerpo humano como fundamento significante para sus propuestas.

Cada una de las autoras, cuyas edades fluctúan entre los 30 y los 40 años, posee formación profesional de artista visual. Entre las técnicas que utilizan se pueden mencionar el encausto, el acrílico y el óleo, aplicados a bastidores de lienzo de gran formato, aunque hay algunos cuadros de dimensiones menores. Acerca de los contenidos, es notoria la evidente fascinación por la expresividad del cuerpo humano y las facciones del rostro; todas ellas se apoyan en la tradición artística de cualidades realistas, rozando en distintos grados elementos barrocos, neoclásicos, hiperrealistas y de índole cinemático y fotográfico, tanto en el terreno compositivo como en el temático. En las veinticinco obras presentadas, existe un atisbo desde y para la mujer como territorio generador e inspirador de sus inquietudes, a partir de su condición de género y sus correlaciones con el entorno, aunque también hay presencia masculina, en este caso referencial o periférica. Son éstos varios de los puntos de coincidencia dentro de la presente selección.
Una gama de aspectos sobre la condición femenina son interpretados desde la observación del cuerpo y su consecuente adaptación a los propósitos de cada artista, que interpelan al espectador mediante el autorretrato como alegoría (Carmen Chami, 1974), o la convivencia presencial que retrata el costumbrismo contemporáneo de espontaneidad realista (Talía Yáñez, 1980), desde el testimonio metafórico de sufrimientos y emociones internos o externos (Paulina Jaimes, 1986, y Sandra del Pilar, 1973) y del estudio anatómico per se (Liliana Ang, 1983).
Carmen Chami. El autorretrato como alegoría
Las cualidades de la pintura de Chami revelan el detallado estudio de las técnicas que la artista posee; desde la riqueza cromática y de texturas que imprime en sus formatos, además del logrado perfil anatómico de los sujetos retratados, se denota la escrupulosa formación teórica y práctica que es capaz de alcanzar y que define, tanto en forma como en contenido, la “cocina” —el procedimiento cuidadoso que se regodea en su propia creación—, elemento que le garantiza la perdurabilidad matérica y anecdótica: Chami es restauradora además de artista. Pintura de narrativas, parte de sus propios intereses teóricos y vivenciales; las seis imágenes aquí mostradas son autorretratos; ¿qué mejor modelo para la introspección que el propio yo transferido al lienzo? Dispuesta como símbolo, la artista se sirve de sí misma para hacer patente su postura, física e ideológica, ante la realidad, sin concesión en la representación de las carnaciones multitonales o en la expresividad de las fisonomías y cuerpos, que no buscan idealización alguna.

En Gertrudis Bocanegra como pretexto y Leona Vicario como pretexto, ambas de 2010, rescata el carácter de personajes históricos conocidos por su valentía, conciencia social y capacidad de regeneración emocional. Las escenas alegóricas en estas piezas muestran a la pintora transfigurada en las heroínas, haciendo espejo de sus propias tribulaciones, desde la catarsis: en la primera, la mujer sentada detrás de su trinchera-máquina de coser sostiene unas tijeras a punto de cortar los retazos de caras de personas que aparecen y desaparecen, en alternancia con vacíos púrpuras; es la cobija de presencias que a lo largo de la vida nos deja en el desamparo o nos protege. Obras introspectivas que no obstante desafían al espectador con la fija mirada de la autora. La composición triangular de resabios renacentistas se mezcla con el tenebrismo de una iluminación que les concede el dramatismo histórico y existencial requerido.
Reflection I (2012) es un contrapicado en el que ella se reconoce en su condición de pintora y de la misma manera se da a conocer, parafraseando una obra del artista inglés Lucian Freud (1922-2011), según relata ella misma. Otra de sus obras, Reflection II (2012), incorpora el encuadre picado que permite ver a la pintora sentada en flor de loto, rostro hacia arriba, con las manos entrelazadas recargadas en su boca y sosteniendo un pincel. La postura parecería sugerir el primer impulso de movimiento para un harakiri, para suicidar el yo sin propósitos y dar paso a la génesis de la idea creativa. Podemos observar la meticulosidad puesta en la piel del semblante y cuerpo, en el cabello, en el pincel, y la pincelada más expresionista del vestido rojo y del fondo ocre. En otra de sus piezas, El baño (2011), aparece ella, pero esta vez acompañada de la escultora Alejandra Zermeño (1978), en una puesta en escena que hace referencia a una famosa obra del siglo XVI.

Sandra del Pilar. Escenarios de melancolía
Los intereses teóricos de la artista Sandra del Pilar la acercan a la exploración del arte conceptual, ya que si bien el grueso de su obra se vale del recurso pictórico bidimensional, sus obras se retroalimentan de nociones complementarias, de investigaciones referenciales de carácter tanto intelectual como performático, que la ayudan a gestar sus iconografías, relacionadas con su postura ante las tensiones del ámbito sociopolítico e histórico, y sobre sus cavilaciones sobre la violencia en general, con énfasis en aquella sufrida por la mujer.

No obstante, la mayoría de las piezas de esta selección, las cuales pertenecen a su producción más reciente, abordan un punto de vista más íntimo, al apuntar sus observaciones desde personajes femeninos ensimismados y melancólicos, que parecen reflexionar sobre la indiferencia, insertos en un espacio como ámbito de soledad, denotado por medio de la paleta neutra, luminosa y fría que envuelve a las mujeres; el soporte también ayuda a intensificar estados mentales previos al compás de espera de la melancolía: la manta y la tela sintética; lienzos cuyas texturas enfatizan sensaciones de sordo desasosiego, como en la obra de formato pequeño El saco chino (2015) o en Algo me hace falta I (2014), en la que una cara, formada por una bolsa oval de manta cuyo volumen es dado por el relleno —una especie de cojín— muestra un semblante sin cuerpo que resalta tal vez un gesto de fría zozobra existencial, emergido de una superficie blanca.

En las obras Desdoblamiento del sueño y Máscara, ambas de 2015, las protagonistas, de espaldas y al centro de la composición, son duplicadas a través de la superposición de siluetas, en un movimiento aparente de simultaneidad; la primera logra el ambiente onírico de irrealidad; la segunda, es un memento mori, donde una mujer de cola de caballo y facciones subrayadas por tres manchas que evocan una calavera, hace un giro virtual a la izquierda. Al fondo se vislumbra un crucifijo. Sus obras son meditaciones visuales de estados melancólicos.

Talía Yáñez. Costumbrismo contemporáneo
Testimonios gozosos de las maneras de convivencia de hoy, los óleos de Yáñez manifiestan, con una depurada técnica de evidentes cualidades pictóricas, escenas cotidianas de esparcimiento, protagonizadas por personajes jóvenes que se regocijan en el ocio. Anatomías realistas, perfiladas con rasgos que electrizan los dinámicos cuerpos, siempre en movimiento, insertados y a veces integrados al claroscuro de fondo determinados por trazos que recuerdan el contorno de un plumaje, son mero pretexto denotativo; habitan dentro de espacios arquitectónicos íntimos que funcionan como referencia, construidos con base en contundentes pinceladas verticales y horizontales, que de vez en vez añaden un detalle significativo y preciosista que funciona aisladamente para subrayar códigos del uso y la costumbre del hoy de los intérpretes: un interruptor de luz, un picaporte, el monitor de una computadora, una bolsa de plástico. La camaradería y el coqueteo al servicio de una práctica artística virtuosa se muestran en esta serie de Yáñez; en la pieza Chato (2014), un hombre de vestimenta informal da la bienvenida a lo que en apariencia es una solitaria celebración, mostrando con orgullo su atributo lúdico, una cerveza; en Jonás y Chava (2014), dos amigos escenifican el reto implicado en el rito de probar un chile chipotle. Por otro lado, la obra Gris (2014) sitúa al espectador en un punto de vista de ángulo bajo, mostrando la escena de dos camaradas en una estancia, en actitud relajada, con vaso en mano; el del primer plano parece bailar. En la esquina inferior izquierda asoma un fragmento de pantalla de computadora abierta en la página de YouTube, detalle que sugiere una de las maneras contemporáneas de escuchar música en una fiesta. Por último, hay un par de obras que, pese a su semejanza recíproca, no son parte de una serie: 8 (2014) y 8 cm (2015); la primera alude a una pareja de jóvenes —hombre y mujer— que bailan en una habitación. El rostro sonriente del muchacho sufre una transformación óptico-pictórica, que le deforma la expresión en un trazo en forma de ocho que, si bien fue una intervención puramente formal por parte de la artista, podría interpretarse como el blindaje que la sensación de felicidad y enamoramiento tienen ante otros estados emocionales: incluso torcida, la cara denota el goce. En casi todas, la luz cenital ilumina teatralmente las escenas, dotándolas de un ambiente de intimidad.

Paulina Jaimes. Enfatizar desde la transparencia
Las exploraciones anatómicas de Paulina Jaimes no buscan la hiperrealidad; las obras aquí seleccionadas mantienen cualidades táctiles y visuales que subrayan su materialidad de pintura con los trazos densos del óleo. Todas las figuras retratadas son mujeres, cubiertas con una capa plástica interpuesta entre ellas y el espectador, a excepción de una de las obras, Cuerpo y espacio II (2013), único encausto exhibido de la artista, que ilustra en formato pequeño a una muchacha desnuda, constreñida por cintas rojas y escurrimientos de pintura azul, tal vez metáfora de venas y arterias externas. En el resto de sus obras, las texturas translúcidas que utiliza son protecciones aparentes, capas que encapsulan al resguardar los cuerpos y los rostros en un ambiente casi amniótico que transparenta gestualidades manifiestas de estados oníricos, como en Sin título (2012), donde una joven desnuda y con las piernas flexionadas yace con los ojos cerrados; o la mujer que madura en el letargo existencial de Diseminación familiar I (2014), o en Esther (2012), que muestra a una señora vestida sólo con un sostén blanco, desperezándose en la iluminación que la baña desde la derecha de la escena. El desasosiego de la conciencia, como se observa en El velo (2012), toma forma a través de una mirada de sutil petición acompañada de la mueca de una boca entreabierta. La mano parece abocinar un llamado de auxilio.

La paradoja de la transparencia aparece en ese elemento convertido en un personaje más de los óleos de Jaimes: el plástico, que tapa y descubre de manera simultánea, a la manera de un sudario de la era post industrial. Sus pliegues cuasi geométricos configuran a estas mujeres, recalcando estados psíquicos y sensaciones, con la textura visual lograda que atrae la mirada a través de sus poliméricas angulaciones.

Liliana Ang. Instantes de autoconciencia
Las reflexiones en torno a lo femenino desde lo corporal han sido las búsquedas de la artista visual Liliana Ang a lo largo de su carrera. La observación de los rasgos elementales en la serie de cinco torsos numerados —5, 6, 9, 10 y 17— presentes en esta muestra, todos de 2008, marcan el comienzo de su interés por la mirada externa sobre el cuerpo de la mujer, inquietud que desembocaría un año más tarde en su proyecto de investigación visual con la serie denominada La persistencia de la imagen femenina. Sus piezas son estudios anatómicos de mujeres cuyas características pictóricas las ilustran sobre fondos monocromos en los que jóvenes en poses de pie o recargadas dejan ver torsos que adoptan posturas de tres cuartos o bien de espaldas; por el tratamiento esfumado de sus bordes tienen el aspecto de esbozos difuminados, cuyo efecto remite a atmósferas de ensoñación, con mujeres que no parecen sentirse observadas, sino más bien inmersas en el regocijo de la autoconciencia, característica que se sugiere con unos cuantos trazos que modelan las caras; la calidad evanescente en lo corpóreo de sus formas también deja sentir la naturaleza efímera de la condición humana y el valor de captura que emula el acto fotográfico de congelar un segundo, un pensamiento desde lo visual sobre la construcción de lo femenino. Al ser la obra de la presente serie de Ang parte de sus inicios como artista visual, su valor referencial nos ayuda a entender el desarrollo posterior de la actividad que la mantiene en la escena joven de la pintura contemporánea.

 

Jueves 10 de marzo de 2016

Permanencia: 10 de mayo de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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