“LAS PUERTAS DE LA PERCEPCIÓN” DE JACQUELINE SÁNCHEZ

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a través del Museo de Arte de Querétaro,
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“LAS PUERTAS DE LA PERCEPCIÓN”
de Jacqueline Sánchez

 

“LAS PUERTAS DE LA PERCEPCION” es un ensayo escrito en 1954 por Aldous Huxley, basado en sus experiencias psicodélicas y sus investigaciones alrededor de la expansión de la conciencia, el autoconocimiento y las relaciones que existen entre la razón, la locura, la imaginación y lo que nosotros concebimos como realidad.

Jacqueline Sánchez retoma y se apropia de este título para esta exposición . Sus obras son puertas abiertas que nos permiten deambular libremente por espacios misteriosos, desconocidos pero al mismo tiempo atrayentes y familiares; cómo puede ser esto? Si son familiares no pueden ser desconocidos… el cerebro tiende a olvidar o a bloquear ciertas situaciones dolorosas, desagradables o intrascendentes como mecanismo de protección, la inteligencia sólo guarda lo que nos sirve y deshecha lo innecesario, así nos protege para que nuestra bodega mental no se llene de basura…. (A veces)… por lo tanto hay ciertos eventos que nuestro cerebro ha guardado por ahí, más no los elimina de la memoria, existen sucesos escondidos y reprimidos, por eso cuando de repente observamos una obra de Jacqueline Sánchez nos estremecemos sin saber exactamente porqué, presentimos algo, siempre el misterio es atrayente e hipnotizante, lo desconocido tiene un aroma de Deja- Vú. El Ya conocido. Los Sueños…..

La exposición está dividida en 2 universos que pueden ser paralelos o equidistantes pero por medio de un túnel de gusano podemos ir y venir a la velocidad de la luz entre ellos; en el primero el cual podemos localizar en un pasado inmediato, encontramos al ser humano como protagonista de los hechos, el ser humano y sus relaciones sicológicas y existenciales dentro de estructuras materiales que lo acosan y lo limitan, sin embargo todo lo material es simplemente una coraza aparente, lo esencial está adentro y provoca deformidad porque quiere liberarse de esa piel que sólo es una máscara teatral, los hombres y mujeres desnudos se estiran flácidamente , nos parece que pueden flotar y liberarse de una realidad que no nos deja soñar, ni enloquecer, ni pasar la línea, ni hablar fuerte… están en un espacio-tiempo fuera de la percepción tradicional; y es aquí en donde las teorías y experiencias de Aldous Huxley embonan con las percepciones plásticas de Jacqueline. Podemos relacionarlo con estados primigenios de la humanidad, la locura, ceremonias religiosas , estados numinosos de los iniciados y las fantasías más inverosímiles de nuestra infancia perdida.

En la segunda sala encontramos que el universo se ha vuelto blanco y negro… gris. Como fotografías mentales, recuerdos infantiles, sentimientos profundos de momentos rescatados y vislumbrados ahora como sucesos imaginarios en escenarios surrealistas. Los personajes, niños, viejos, animales, muñecos, son intemporales y están observando, parece que están totalmente imbuidos y compenetrados en sus pensamientos, son sueños que Jacqueline Sánchez ha rescatado. Son sus sueños que nos muestra en todo su detalle y eso se vuelve tan real, que nos llega a perturbar, sueños en donde Jacqueline ha estado y visitado lúcidamente y los ha capturado en su memoria inteligente y creadora; con lujo de detalle y maestría técnica, nos dice que muchas veces menos es más, en color, en elementos compositivos, en concepto…. Su pintura se ha vuelto más directa y sintética nos dice tal vez que en las cosas más sencillas del universo, está contenido todo el infinito y su grandeza.

Las Puertas de la Percepción son en donde los sueños de Jacqueline van y vienen, no sin antes advertirnos que también existe el riesgo de encontrarnos con algún recuerdo o sueño escondido de nosotros mismos.

Fernando Garrido
Junio de 2017
Querétaro, Qro.


 

JACQUELINE SANCHEZ

Nace en la ciudad de México en el antiguo y famoso barrio de Coyoacán, ahí en donde el aire huele a nostalgia y bohemia, en donde el tiempo se detiene y las horas transcurren sin envejecer. Desde muy temprana edad Jacqueline muestra gran facilidad por el dibujo y las Artes. En 1987 se gradúa en la Universidad Autónoma Metropolitana como Licenciada en Diseño de la Comunicación Gráfica. Fue Directora del Departamento de Diseño de la Delegación Coyoacán en donde realiza la Imagen Corporativa de la misma. Fue Directora de Diseño de Desarrollo Urbano en la Dirección de Vialidad y Transporte de Toluca Edo, de México. Realización de Audiovisuales para la FAO en la Zona Chinampera de Xochimilco. Directora de Arte de De la Torre Publicidad. Directora de Cossaín Publicidad. Directora de Diseño de la agencia de Publicidad el Globo Rojo. Ilustradora Free Lance Editorial Trillas. Socia y Coordinadora de Arte en el despacho de Diseño Artgraf.

Dentro del campo de la Pintura y las Artes Visuales, colabora y estudia con el maestro Guati Rojo en el Museo de la Acuarela en Coyoacán; realiza estudios de perfeccionamiento y experimentación con la maestra Teresa Miranda; colabora en la realización de murales para la Universidad Autónoma Metropolitana con el afamado muralista y pintor Maestro Arnold Belkin. También colabora con el maestro Fortino Juárez, escultor de las réplicas del Museo de Antropología e Historia de la ciudad de México. Posgrado en la Academía de Pintura y Escultura de San Carlos, México.

En el terreno de las Artes Visuales destacan entre sus múltiples exposiciones y trabajos: Instituto Universitario de México, Galería Contraste Can Cún, Instituto de Arte Coyoacanense, Universidad Autónoma Metropolitana, Sistema Colectivo de transporte Metro, Galería Bertha Shwarscstein México, Centro Cultural Asturiano, Palacio de Cultura Tlaxcala, Artistas del Mundo AIAP-UNESCO, Museo de la Ciudad de Querétaro, Galería Vértice Festival de Mayo Guadalajara Jal., Museo De La Ciudad “El Grito de la Mujer”, Galería Municipal de Querétaro, Galería J. A.Manrique, Celaya Gto., Festival Barroco Teatro Rosario Sánchez Lozada Quéretaro. “Enigmas “ Galería Municipal Rosario Sánchez Lozada, Qro., Subastas (3) Galería Impulso Querétaro Qro., Subasta Santa Rosa de Viterbo Galería 10/10 Querétaro,.Fundadora del Patronato Cultural Santa Rosa Jáuregui, Qro. Exposición Colectiva en Edsvick Kunsthall, Estocolmo Suecia. Galería Espacio, República de el Salvador. Para el año de 2018 está invitada a exponer de nuevo en Edsvick Kunsthall, Estocolmo Suecia. Exposición itinerante Queso Pan Vino y Arte en el Edo. De Querétaro. 2ª Exposición y Subasta Artística para el Centro Estatal de Trasplantes de Querétaro 2015.

Su obra ha sido seleccionada para la inauguración de la revista Lado X lado, su obra ha sido publicada en el libro “Talentos Contemporáneos de la Plástica Queretana” de DRT. “Instantes … una Mujer” Valverde ediciones, “Enigmas” Revista Separata, Querétaro ,Qro.

Jacqueline Sánchez actualmente vive y trabaja en la ciudad de Querétaro.

 

Inauguración: 15 de julio de 2017, 20:00 hrs

Permanencia: 20 de agosto de 2017

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“EL RETORNO DE LOS BRUJOS” DE FERNANDO GARRIDO

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“EL RETORNO DE LOS BRUJOS”
de Fernando Garrido

FERNANDO GARRIDO

Imaginar y crear, plasmar lo que en la mente se ha conjurado, es una recompensa de la maestría y la dedicación obsesiva al oficio del dibujo y la pintura. Sin casualidades, con experimentación y accidentes, la trayectoria de un artista se enriquece de lo que a veces aparenta ser una perdida: dejar lo fácil y de moda, por la lenta construcción de una obra de arte. Fernando Garrido ha conseguido la libertad de pintar todo lo que su imaginación le pida, su obra hace del autorretrato el vínculo con una irrealidad intemporal que reúne mitos de historias sin referencia, que se fraguan en la memoria y la investigación del artista. Los personajes, escenarios, situaciones, manifiestan la rebeldía en contra de la simpleza inmediata, Garrido convoca una ficción casi medieval para darnos una puerta que nos adentre en nuestros propios mitos y seamos capaces, como él, de construir un espacio de simbolismo, que descifre nuestro misterio.

Avelina Lésper

EL RETORNO DE LOS BRUJOS & ALQUIMIA MILENARIA

Los personajes que aparecen en la obra de Fernando Garrido son una suerte de magos, alquimistas, desahuciados, locos, son metamorfosis humana, que nos recuerda que la imaginación ha sido una dotadora de sentido para el hombre de todos los tiempos.

Su obra evoca las zonas interiores y oscuras de la humanidad, esas que se contraponen a la lógica y a la razón moderna. Son seres que sobreviven en horizontes desolados, en paisajes arqueológicos y lejanos.

Aparecen entes con artefactos que producen música, notas que emergen como frágiles burbujas que permanecen en un tiempo. Otros tiene la boca abierta en señal del canto que entonan; algunos señalan el cielo, planetas, todos atentos a las señales del apocalipsis. Todos portan tocados como señal de la locura, algunos usan máscaras para no ser reconocidos por el fuego divino.

Hombres sabios, genios, hombres simples que encontraron en los pequeños detalles la verdad del mundo, entendieron que la vida es como una melodía, como una pompa de jabón, como una llama de fuego que se extingue en el aire o en la tierra. L

as señales que la obra de Fernando Garrido nos ofrece, son de aquellos seres que heredaron los mitos y que la razón condenó a la oscuridad del mundo, a las tinieblas, lugar en donde los hombres sabios construyen artificios para vivir lejos de la muchedumbre vulgar, el desierto es un templo en donde se lleva a cabo el ritual de la imaginación que los hace libres.

Roberto González

 

FERNANDO GARRIDO
SEMBLANZA

Nace en la ciudad de México y desde su infancia muestra grandes dotes para el dibujo. Es en la preparatoria cuando comienza a estudiar el óleo y tiene sus primeras exposiciones. Alterna la pintura con la música y estudia piano por siete años, ofrece conciertos de música clásica y forma varios grupos de Rock Progresivo y Jazz logrando varios premios y reconocimientos. Estudia Publicidad durante 3 años y posteriormente ingresa en Universidad Autónoma Metropolitana para cursar la licenciatura en Comunicación Gráfica la cual se gradúa en 1984. Trabaja como Director de Arte para la revista Expansión, Director de Arte de Diseñadores Industriales Asociados ,en Imagen Optima Comunicación es Director de Diseño, Editorial Trillas como director de Portadas . Funda su despacho de Diseño e Ilustración Artgraf, co-director y fundador de MegaDiseño.

Sigue exponiendo y trabaja con Galerías de México y el interior de la República. Deja el Diseño y se dedica completamente a la pintura después que una importante galería le ofrece una exclusiva por 4 años. Al término de este contrato, sigue trabajando y exponiendo individualmente para varias galerías y Museos de México, Centroamérica y Estados Unidos y Europa, en donde sus obras pertenecen a importantes colecciones. Entre sus exposiciones más importantes destacan:

Polyforum Cultural Siqueiros, Banco Nacional de México, Galería José Ma Velasco, Universidad Autónoma Metropolitana, Galería Vértice, Museo del Pueblo Gto., Museo Diego Rivera, Galería Espacio San Salvador, Galería Praxis, Goteburg Kunstmuseum Museo de Gotenburgo Suecia, Museo Raúl Anguiano, Festival de Mayo Gdl. Jal, Edsvik Kunsthall , Estocomo Suecia, Witervicken Museum, Estocolmo Suecia, Galería Florencia Riestra, Museo de Arte de Querétaro, Palacio de Gobierno de Querétaro, Museo de la Ciudad de Querétaro, Galería Municipal Querétaro, Galería DRT, Querétaro, Patio Barroco Querétaro, Museo del Exarzobispado

Su obra se ha publicado infinidad de revistas, prensa y en los libros como “México y sus artistas s. XX”. En el año 2007 se publica su libro ”Fernando Garrido obras” con una muestra retrospectiva de su trabajo.

Actualmente vive y trabaja en las proximidades de la ciudad de Querétaro en compañía de su esposa e hijo y es considerado uno de los artistas contemporáneos más originales e importantes de México.

 


Permanencia: 23 de julio de 2017

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
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“BREVIARIOS” DE MAR MARCOS

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“Breviarios”
de Mar Marcos

 

BREVIARIOS

Con la llegada del siglo XIX los romanticistas nos anunciaban la estética de la nostalgia, la melancolía, y el vacío. Es con la siguiente muestra a manera de viaje retrospectivo de piezas poéticamente descriptivas que se busca evocar los estados transitorios de la vida, cual arcano mayor donde la ruleta rusa en su estado de oscilación puede estar situada arriba o situada abajo, o en estado de iluminación o sumida en la completa oscuridad. El largo camino de 16 piezas es vigilado con estos ojos que observan, sigilosos e implacables al espectador, el ojo mórbido nos mira con pecado, y su contraparte el ojo místico nos niega la mirada, y prefiere otorgársela a la divinidad. Todas son capturas escultóricas que hablan de la introspección, una colección de esmaltes que guardan no solo en su materialidad una técnica milenaria, que apasiona a la artista, piezas forjadas a plomo y fuego, el material es solo un vehículo para expresar, ésta pasión, donde el vidrio pulverizado se funde, y los colores esmaltan la placa del cobre, cada pieza guarda un simbolismo, que dignifica y busca exorcizar, éstos incubus que se aferran como ladillas y quedan cristalizados. La muestra se corona con el rostro femenino repetido a lo largo de varias piezas, como si buscara la transmutación, con el fin de alcanzar la paz y la iluminación.

KORE

 

 

MAR MARCOS
Semblanza

Artista, esmaltadora y profesora-investigadora de Tiempo Completo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Querétaro.

Ha trabajado temáticas en torno al arte y silencio, así como el cuerpo, retrato y visualidad.

Se ha destacado por impartir la materia del Taller de Esmaltes en la Facultad de Bellas Artes desde hace 27 años. Se ha posicionado como uno de los principales exponentes del esmalte en el Bajío.

Llevando su arte y su experiencia a través del tiempo, la doctora Mar también se ha desempeñado como maestra de Historia del Arte.

Para la doctora Mar, el origen de la técnica y el arte del esmalte se pierde en la oscuridad de los tiempos, es decir que aunque no se sabe con exactitud cuando nace la técnica del esmalte al fuego sobre metales, se inicia en el seno de la orfebrería como un elemento decorativo, en el que se requieren necesariamente de tres materiales importantes para su creación: Vidrio, Metal y Fuego. Es así como por primera vez un material “no noble” es admitido, gracias a sus características de dureza, variedad de colores y perpetuidad.

Para lograr esta técnica sin duda era necesario existiera cierto grado de civilización, ya que se tiene que llevar a cabo un proceso en el que el individuo aprenda a observar con detenimiento el cambio a los detalles afectados por el fuego, la temperatura y los cambios en el vidrio, al igual que la base metalúrgica, en donde estos elementos se vuelven uno.

Inauguración: 11 de mayo de 2017, 20:00

Permanencia: 11 de junio de 2017

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DIÁLOGOS CON EL MUSEO: “EL ESPÍRITU ROMÁNTICO EN LA ERA DE LO EFÍMERO”

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro a través del Museo de Arte de Querétaro, en colaboración con la Asociación de Amigos del MAQRO, invita:

Diálogos con el Museo:
El espíritu romántico en la era de lo efímero

 

 

Participan:
Dr. Vicente López Velarde, Mtra. Andrea Avendaño,
Filósofo José María Guadalupe Cabrera Hernández y Roberto González

Miércoles 29 de Marzo 2017
19:00 h
Entrada libre

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur, Centro Histórico, Qro, Qro.
Tel.: (442) 2 12 23 57 y 2 12 35 23
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Horario del museo: de martes a domingo de 10:00 a 18:00 h
*Ver imagen adjunta
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“GRAN FORMATO. ALAN ALTAMIRANO”

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a través del Museo de Arte de Querétaro,
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“Gran Formato”
de Alan Altamirano

ALAN ALTAMIRANO MK CABRITO
SEMBLANZA

Nacido en Oaxaca en 1988, inició su carrera artística a la edad de los 16 años, tomando clases de dibujo y pintura en la Escuela de Bellas Artes. Posteriormente ingresa a la Licenciatura en Artes Plásticas y Visuales en la Universidad Autonóma “Benito Juaréz” de Oaxaca, ahí es donde emprende su formación académica, adquiriendo conocimientos de maestros como Raúl Herrera, Claudio Sánchez y en especial del maestro Shinzaburo Takeda quien le enseña las técnicas tradicionales de grabado en madera (xilografía). Al paso de su formación como estudiante viaja a Xalapa Veracruz a una residencia en la Ceiba Gráfica donde aprende grabado en metal y las técnicas de litografía y dibujo con el maestro Per Anderson, adquiere conocimientos tomando diversos talleres como: serigrafía, fotopolímero, grabado en metal, Mezzotinta , Litografía en seco, entre otras.

A sus 28 años de edad a expuesto en países como Francia, Taiwán, Italia, Cuba, Serbia, España, Rumania, Japón, China, Estados Unidos, Argentina, y México. Tiene 17 exposiciones individuales y más de 50 exposiciones colectivas, seleccionado en concursos nacionales e internacionales en la rama de la grafica entre los que destacan: International Biennial Print Exhibit: 2016 ROC (Taiwán), Trienal Guanlan International Print Biennial a Collection of Print (China), 12.Th International Biennial of Engraving Premio Aqui (Italia), IX Trienal Internacional de Grabado Kochi (Japón) generador de proyectos como la “Carpeta Internacional de Grabado Raíces”, becario por parte de la Secretaria de las Culturas de Oaxaca. Cofundador del Taller Gabinete Gráfico 2011, fundador del Taller de Gráfica “La Chicharra” 2014, en el 2015 abre la Galería Bel y recientemente inauguró el Taller Oaxaca Gráfico.

La temática de su obra se centra en una combinación de elementos de la naturaleza, agua, fuego, aire, tierra y retratos de mujeres. MK Kabrito plasma en sus obras la pureza espiritual que percibe en las personas.

Actualmente trabaja en el Taller de Grafica la Chicharra, Oaxaca.

 

LÍNEAS INFINITAS

Dicen algunos que las líneas no existen en la naturaleza, que son una invención humana para fijar bidimensionalmente las tres dimensiones de aquello que nos rodea, para aprehender conceptualmente los volúmenes y construir nuestras limitadas comprensiones de la complejidad. Hoy parece que todas las líneas han dejado de ser claras y sencillas para tornarse redes, marañas, madejas, contextos más o menos indescifrables. El concepto de linealidad de la historia explotó hecho añicos con las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki. Hasta las líneas fronterizas, siempre interesadamente artificiosas, no dejan de ser inagotable fuente de conflictos.

Precisamente los viajes a diferentes naciones, las experiencias vividas y las personas conocidas han sido el caldo de cultivo del que surgen el conjunto de obras que componen esta exposición. Como un correlato gráfico del vuelo del avión que traza blancas y evanescentes paralelas sobre la bóveda celeste, las líneas de negra tinta siguen ocupando el protagonismo esencial del quehacer plástico de Alan Altamirano. Líneas que giran vertiginosas, sin cesar, se curvan, tensan, concentran y expanden en un juego constante de conformación de un espacio singular de profundas raíces autobiográficas y simbólicas. La presencia recurrente de la figura femenina sigue ofreciendo esa dimensión central, geológica, cósmica, matizada cada vez más por el peso de la narración que se va desplazando hacia esos fondos cargados de elementos de diversa naturaleza, analítica, geométrica, simbólica, autobiográfica, representativa, onírica… Resulta especialmente complicado, y seguramente estéril, tratar de establecer un solitario hilo discursivo, unívoco, unidireccional. Antes por el contrario, conviene desplazar sin complejos y sin ataduras nuestra visión -a buen seguro entre fascinada e hipnotizada- y seguir el juego apasionante de arabescos bellamente cincelados, de trazos orgánicos y organizados que nos conducirán por superficies de cuerpos femeninos, por selvas de cabellos poderosos y melenas de lianas trepadoras, por laberintos ópticos y composiciones siderales, por rostros soñados de arquetipos ignotos, por simetrías especulares de azogues oscuros e impenetrables.

Líneas envolventes que surcan el aire y los sueños, las aguas y las pesadillas, los montes en los que resuena el eco de cuevas abandonadas desde los albores de los tiempos. Líneas que se expanden como sonidos de arenas movedizas, líneas ensanchadas en el yunque donde se templan las mejores aleaciones. Formas, signos y palabras, se entretejen con la pericia exquisita de quien domina la técnica de la talla más allá de las herramientas, del tamaño, de las horas arrancadas a los días infatigables. Hay mucho de ritual en estas biografías imaginarias pobladas de recursos, de soluciones, de claves interpretativas, de gestos hechos huella, de energía en movimiento que nos conmueve con su vibrante contraste de luces brillantes y negros profundos como noches estrelladas. Aires de libertad, que fluyen entre los blancos del papel y los espacios vacíos que esas líneas infinitas modulan en una sorprendente escala de grises. El blanco de la pureza, de la espiritualidad oriental, enmarca unas composiciones de extraordinaria y sorprendente complejidad en las que la tinta corre por los poros a flor de piel, por las flores incontables, por los símbolos inventados, por los gestos detenidos, por los esquemas fractales. Totalidad fragmentada a cuyo abismo podemos asomarnos atónitos e impávidos.

Grabados de fuerzas elementales en los que vislumbramos el reflejo inquietante de estos hilos mágicos de fuego y aire, de plata y azabache.

Juan Bautista Peiró
Diciembre 2015

 

 

Inauguración: 23 de marzo de 2017, 20:00

Permanencia: 7 de mayo de 2017

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“EL ECLÉCTICO DALTONISMO” DE CARLOS VIVAR

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a través del Museo de Arte de Querétaro,
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“El Ecléctico Daltonismo”
de Carlos Vivar

CARLOS VIVAR
Semblanza


Nació en 1964 en la Ciudad de México. Su obra refleja una extraña combinación de pasión y dulzura, ficción y simbolismo sobre arenas y mezclas de colores en distintas texturas llenas de emoción. Son obras que cautivan. Sus creaciones son maduras con sabor a fiesta. Vivar es pintor y escultor, autodidacta, creativo y figurativo.

A partir de los 12 años de edad inició a pintar de manera autodidacta. Posteriormente inició sus estudios en Diseño Gráfico en la Universidad Anáhuac, en la Ciudad de México. De 1985 a 1987 vivió en Europa dónde estudió una maestría en Informática, trabajando para pagar sus estudios. Cuando regresó a México es como director de una agencia de publicidad.

Ha participado en más de 50 exhibiciones colectivas y 100 exposiciones individuales en galerías, museos y centros culturales de México, Estados Unidos, Suiza, Suecia, China, Italia, Inglaterra, Bruselas, Luxemburgo, Honduras, Belice, El Salvador, Costa Rica, etc.


La pintura puede afectarnos de diferentes formas: es capaz de sumirnos en una profunda tristeza, o ser provocadora, ácida y provocarnos rabia, coraje… o puede ser cálida y seducirnos de tal forma que solo tengamos ojos para ella. Sin embargo, si hay algo que caracteriza a la pintura es el color.

Y es el color uno de los principales elementos en la obra de Carlos Vivar, artista mexicano que hace confluir en su obra una paleta llena de energía, de intensidad con elementos de la vida cotidiana como toreros, bicicletas o edificios, conformando una estructura compositiva fresca y lúdica. El despliegue rítmico de las siluetas de los diferentes elementos figurativos genera un primer plano que es complementado por mezcladas capas de colores, creando una superposición de superficies que le otorgan una peculiar profundidad a las piezas.

La riqueza plástica contenida en la obra de Vivar, nos hace pensar en la riqueza cultural del artista, al integrar múltiples referencias de diferentes orígenes se genera un aspecto universal donde cualquier espectador puede encontrar un motivo para sensibilizarse con las piezas. El carácter festivo que transmite la pintura de Vivar es reflejado también en sus esculturas, donde vuelven a confluir magos, ruedas y caballos, que coquetean con la delgada línea que separa a lo real de lo surreal.

Rodrigo Luna / Crítico de Arte
Museo de Arte Moderno, Ciudad de México.

Inauguración: 16 de marzo de 2017, 20:00

Permanencia: 14 de mayo de 2017

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Curso Intensivo de Plastilina para jóvenes ilustradores-ilustrados

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro a través del Museo de Arte de Querétaro en colaboración con el Voluntariado Docente del MAQRO, invita al:

Curso Intensivo de Plastilina para jóvenes ilustradores-ilustrados

Dirigido a jóvenes interesados o con conocimiento en técnicas de ilustración, diseño gráfico, artes visuales y plastilina

Imparte: Mtro. Leonardo Mendoza Reyes 

Lunes 27 al viernes 31 de Marzo 2017

Horario: 15:00 a 20:00 h

Jóvenes de 15 a 30 años

Entrada libre, previa inscripción en taquilla del museo

No incluye el material 

“ANTIMONUMENTO アンチモニュメント” DE SHINPEI TAKEDA 竹田信平

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
en colaboración con R-Arte,
tiene el honor de invitar a usted
a la inauguración de la exposición:

アンチモニュメント
ANTIMONUMENTO

del artista japonés

竹田信平
SHINPEI TAKEDA

 

invitacion-shinpei-takeda

ANTI-MONUMENTO

La exposición Anti-Monumento del artista japonés Shinpei Takeda es un ejercicio sobre lo indecible —poderoso en su fragilidad— de la capacidad de la memoria como exploración de los alcances de la destrucción, más allá de un tiempo y espacio determinado. Su origen está en las secuelas de la explosión de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki durante el verano de 1945 que, brutalmente, llevaron a término la Segunda Guerra Mundial.

Desde 2005 el artista ha venido recuperando los testimonios de los pocos sobrevivientes de las bombas atómicas. En su obra Takeda utiliza medios múltiples (video, instalación, audio, escritura, medios digitales, documentales) y materiales diversos (tinta, hilo, papel, cartón, madera, sonido) para crear “anti-monumentos”, buscando la recuperación —fundamental pero esquiva— del recuerdo, la palabra, la voz y, finalmente, esa esencia vital que —a pesar de todo— pervive en nuestro interior y nos da la fuerza necesaria para seguir existiendo.

¿Qué es lo que puede recuperarse de una destrucción avasallante y qué significa esa “recuperación” para el pasado (testigo) como para el presente (público)?
¿Cómo dar resonancia a esos testimonios de sobrevivencia si no es a través del cuerpo propio en la obra de arte? ¿Qué clase de memoria es la que hoy día podemos hacer evidente, en una era dictada por el cambio incesante y la inalcanzable potencia de la velocidad que demanda el cambio —tan (in)consciente como (in)consecuente por esa propia volatilidad que somos e intentamos habitar?

Cuestionamientos como éstos han guiado la obra de Shinpei Takeda desde el proyecto Decaimiento Alfa (2010), hasta su más reciente obra, Decaimiento Beta 7 (2015), una de las piezas que en este espacio nos entrega. Las tres instalaciones que conforman esta muestra son el resultado de una búsqueda incesante, profunda, genuina y completamente dispuesta a recibir el dolor del otro —sabiendo que sólo es posible “escucharlo” desde el desnudamiento total del dolor más íntimo de quien lo recibe. Y honrar su memoria en consonancia con esa férrea fragilidad que no resuena en los majestuoso monumentos históricos —carentes, hasta la obscenidad, de sentido y lugar en el presente—, sino en el interior “anti-monumental” de cada uno, en cada instante de lucha por seguir vivos.

Marcela Quiroz Luna

 

Al escuchar las historias de esas personas, y permitirnos reverberar con sus voces, podemos, nuevamente, respirar vida al interior de una memoria congelada.

Una vez vuelta a la vida, la memoria nos guiará dándonos hilos con los que podremos, una vez más, tejer nuestro futuro, aun desconocido. Shinpei Takeda

(Cita tomada de “Anti-Monument Manifest” [Manifiesto Anti-Monumento] escrito por el artista con motivo del 70 aniversario de las dos detonaciones/devastaciones atómicas en Japón.)

www.shinpeitakeda.com

Inauguración: 26 de enero de 2017, 20:00

Permanencia: 23 de abril de 2017

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“AQUÍ Y AHORA” DE JONATÁN OLVERA

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
le invitan a visitar la exposición

“Atmósferas Místicas”
de Ramsés de la Cruz

 

invitacion-jonatan-olvera-1

Jonatán Olvera

Nacido en la ciudad de Santiago de Querétaro en el año 1979, es Licenciado en Artes Visuales con especialidad en Artes Plásticas por la Universidad Autónoma de Querétaro. Tiene estudios de Postgrado en los Talleres de Arte ARAUCO en Chinchón, Madrid con el maestro del realismo chileno Guillermo Muñoz Vera. Asimismo ha tomado cursos con los maestros Santiago Carbonell y Arturo Rivera.

De entre sus exposiciones individuales se pueden mencionar: Tarot de la Lucha Libre, en el Museo El Centenario de San Pedro Garza García en el 2012, Entre el Espacio y el tiempo, en el Museo de la Ciudad de Querétaro en el 2001, La persistencia de la realidad en la Galería DRT en el 2009, Junio 20, 2003 en la Galería Libertad de Querétaro, y Ahora, en la Galería Impulso en el 2016.

Ha participado en exposiciones colectivas como la Exposición de Navidad, en la Fundación ARAUCO en Chinchón, Madrid en el 2005; Homenaje a Van Gogh, en la Galería Universitaria de la UAQ en el 2003, y en Mirando Nuestro Pasado en el Centro Cultural Plaza Fátima en Garza García, Nuevo León en el 2013, entre otras.

Es catedrático de la Universidad Autónoma de Querétaro impartiendo la materia Dibujo, Análisis y Composición de Obra para la Facultad de Bellas Artes desde el año 2009; así mismo ha dirigido diversos cursos en el centro del país donde enseña la técnica del óleo en dirección hacia el hiperrealismo.
Ganador del Premio Arte Joven de Aguascalientes en su edición número XXII, Jonatán Olvera explora la pintura en torno al realismo contemporáneo, enfocando su temática hacia el paisaje, la figura, la percepción de lo que llamamos realidad y el encuentro con la realización espiritual.

Recientemente su obra Al cielo se llega con la mente abierta y las manos vacías ha sido adquirida por el MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno) de Barcelona para su colección y exhibición en sala, donde comparte espacio con los mejores pintores del realismo contemporáneo a nivel internacional.

 
Aquí y ahora son una dimensión de existencia

La naturaleza esencial de una obra de arte es la de ser una Estructura de Información, esto significa: ser un entretejido de Formas que al intersectarse con una consciencia atenta y despierta genera significados; entendida de esta manera, una obra de arte cuando es excelente, trasciende una discursividad meramente pictórica para generar un discurso complejo y simbólico que recrea significados múltiples y explora temas diversos. La obra de Jonatán Olvera inquiere sobre nuestra mundanidad posmoderna y ligera, en el sentido que da Gilles Lipovetsky a la ligereza de nuestra sociedad y también sobre el carácter líquido de nuestra naturaleza histórica contemporánea de acuerdo a Bauman, sin embargo, trasciende ambas ideas proponiendo más bien a la ligereza en el sentido de la elevación espiritual, una elevación que flota y se transmuta. Olvera se instrumenta de símbolos para recrear nuestra mitología y lenguaje, por ejemplo con la iteración de la forma femenina, que no es otra cosa que el espíritu en sí, uno que surge con fuerza y delicadeza. No usa símbolos de alguna religión en particular para exponer su idea de la elevación, la hace accesible al hombre del mundo con los símbolos de su propia cotidianidad. Esta colección dice algo, y de facto algo importante, el aquí y el ahora son una dimensión de existencia, una a la que se entra por decisión y voluntad.

Roberto Rosano Lara

Inauguración: 19 de enero de 2017, 20:00

Permanencia: 19 de marzo de 2017

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“ATMÓSFERAS MÍSTICAS” DE RAMSÉS DE LA CRUZ

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
le invitan a visitar la exposición

“Atmósferas Místicas”
de Ramsés de la Cruz

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RAMSÉS DE LA CRUZ SEMBLANZA

Con 21 años de trayectoria artística, cuenta con 10 exposiciones individuales y más de 150 colectivas a través del país y el extranjero, ha transitado por los lenguajes de la escultura, lenguajes alternos como el arte objeto, ready made, la instalación, la pintura en el tenebrismo metafísico, el realismo simbólico y actualmente el realismo trascendental.

Entre sus distinciones se encuentran el Premio Nacional “ Jovenes Creadores “ , El Premio “ Arte Joven “, el “ Premio Alejandrina a la Investigación y la Creación “ , recientemente en Julio del 2011 recibió la Presea Germán Patiño por parte del H. Ayuntamiento de Querátaro como reconocimiento a la calidad y trayectoria profesional en el aniversario de la Ciudad.

Su obra se encuentra en colecciones nacionales e internacionales, trabajando actualmente con galerías de la ciudad de México y locales, parte de su tiempo lo ha dedicado a la docencia que durante 15 años ha desempeñado, tanto en su estudio como en Institutos de Arte, Galerías y Museos.

 

RAMSÉS DE LA CRUZ. DE LA PINTURA CLANDESTINA

Juego de luces, juego de espejos, esplendor de los brillos, milagro de presencias seculares que comparecen entre sombras de luz, sombras de luz que permiten establecer la correspondencia lírica y abismal de los motivos considerados. De esta manera la pintura desata límites, corre riesgos y propone permutas; da cuenta de una ruptura de los modos convencionales de ver. Estallan perspectivas inesperadas, ajenas a toda voluntad de ordenamiento ocularcéntrico; perspectivas en picado, disparadas a todos los puntos cardinales, por arriba y por abajo, sin que falte el juego de espejos que multiplica un determinado motivo multiplicando, a la vez, en una espacie de clonación que genera diferencia, las formas potenciales contenidas. Un plus de realidad, sin duda; una organización original de la percepción del espacio pictórico que nos permite acceder a una abundancia insospechada de texturas, colores, formas, claroscuros, emplazamientos espaciales, empujes dinámicos.

Ramsés no pretende, ni muchos menos, reproducir una mirada unívoca, restrictiva, de los objetos, sino disponer un territorio multipolar de “posibilidades de interpretar un suceso”. Suceso, que no orden. De allí que Ramsés desmorone jerarquías, establezca correspondencias, deje en suspenso lo inabarcable en plena abundancia figurativa. Valga la paradoja, Ramsés pone en manos de la intensidad tenebrista la tarea de des-cubrir la presencia-ausencia de las cosas con miras a “lograr la iluminación”. Presencia-ausencia donde lo más insignificante se debe a lo reuniente. Cuadros vivientes en que la sombra de luz destrona a la iluminación homogénea, eidética, clasicista, racional.

Todo ello realizado en una época presidida por el desdén de lo sagrado y el silencio de los dioses. Nos explicamos, entonces, que baste una mínima emancipación de la mirada para ver, compartir y celebrar.

Jorge Juanes

Visite la página de Ramsés de la Cruz:

www.ramsesdelacruz.com

 

Permanencia: 19 de febrero de 2017

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Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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