“EL OTRO MURO” de Amador Montes

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El Instituto Queretano de la Cultura y las Artes,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
tienen el honor de invitar a usted
a la inauguración de la exposición

“EL OTRO MURO”
de Amador Montes

 

invitacion-amador-montes-1

 

Ahora Amador nos viene con una dimensión más universal, abarcando mucho más con su mirada profunda y nos regala El Muro, una obra que pretende, mediante juegos de intercambio y conceptos de unidad, lo que puede ser el mundo de hoy sino fuera porque está concebido por la especie humana y no por su cosmos de insectos, aves, en fin… de pequeñas cosas que habitan y conviven maravillosamente en nuestro planeta y en la mente de Amador, que esta vez, para mi gusto, ya se ha convertido en un poeta de la plástica a niveles extraordinarios.

PABLO MILANÉS

 

 

El muro es milenario, es fortaleza primigenia, en él se adhieren las historias con perseverancia, por él pasa el tiempo, el clima lo desgasta, señala el espacio, es inicio y final. Sobre un muro podemos descansar, sobre un muro pedimos perdón, soporta nuestras huellas, recibe inscripciones, es una piel pétrea en la que se graba nuestra presencia. La obra de Amador Montes investiga en un Muro mutable como soporte de su pintura y nuestra contemplación, un Muro que con lienzos reproduce la textura de esa construcción eterna que está ahí para contenernos.

LA CICATRIZ Y EL TRAZO

Amador Montes esgrafía el Muro, lo hiere, dibuja sobre la superficie con un arma, lo lastima con sus líneas, rompe las capas de pintura para dejar su propia voz, que no se escucha, se ve. Este Muro es un lienzo, es una ficción y lo llama por su nombre para que el lienzo se identifique con lo que es, escribe EL MURO, lo repite, le dice: eres eso y no otra cosa, eres el tema y la forma, el soporte y la idea. Amador dibuja sobre ese Muro y lo que hace es una confesión, se deshago sobre él, lo obliga a que cargue con sus sueños, sus dolores, sus ganas de pintar. El Muro soportó a Amador, le permitió usarlo, desgastarlo, desechar fragmentos, con furia y con delicadeza. Sobre un muro se cuelga un cuadro y Amador mete el Muro dentro del cuadro. El Muro es paciente y Amador lo martiriza para después acariciarlo con colores, con caligrafía, recuerdos, dibujos de enseres cotidianos y de pájaros, para decirle que lo ha elegido como depositario de su pintura, de lo único que él tiene para satisfacer su necesidad de manifestarse con colores, pigmentos y dibujos. Amador es su pintura y el Muro es ese libro expuesto de su vida creadora, de su propia historia.

AVELINA LESPER

 

Permanencia: 8 de enero de 2017

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“DIÁLOGOS ENTRE LUZ Y MATERIA” DE EDUARDO CHILLIDA BELZUNCE

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“DIÁLOGOS ENTRE LUZ Y MATERIA”
de Eduardo Chillida Belzunce

Invitación CHILLIDA

Eduardo Chillida Belzunce nace en San Sebastián el 15 de marzo de 1964. Hijo de el escultor Eduardo Chillida y Pilar Belzunce, es el menor de ocho hermanos.

Desde bien pequeño Eduardo muestra interés por el arte. Así, con cuatro años realiza su primera escultura con tierra que le da su padre.

Estudia en la Escuela de Artes de Deba, el Círculo de Bellas Artes de Madrid donde recibe clases del pintor Antonio López, y la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. Comienza enseguida a dedicarse primero a la escultura y posteriormente también a la pintura.

En 1985 Eduardo tiene un terrible accidente en moto que le hace permanecer en coma un mes y medio. Contra todos los pronósticos médicos, Eduardo consigue salir de ese túnel oscuro, recuperar el habla, andar, y con mucho esfuerzo, incorporarse de nuevo a la vida normal. Por culpa de la parálisis de medio lado que sufrió tras el accidente se ve obligado a volverse zurdo para poder continuar con la pintura y dejar de lado la escultura.

En 1988 realiza su primera exposición individual en Galería 16 de San Sebastián.

A lo largo de toda su carrera, Eduardo ha expuesto en numerosos lugares dentro y fuera de España como Alemania, EEUU, Finlandia, Italia, Inglaterra, México o Siria.

En 2011 retoma la escultura. Con gran esfuerzo y la ayuda de una sola mano, realiza durante ese año una docena de esculturas y en 2015 da un paso más, realizando seis grandes esculturas en bronce a escala humana.

 


Estar seguro de uno mismo nunca es malo. De lo que no hay que estar seguro nunca es de cómo va a ser el próximo cuadro.

En mis pinturas, las perspectivas y los espacios vienen muy dados. En el fondo es lo mismo esculpir que pintar. Lo mismo que da la chispa a una cosa, da la chispa a la otra.

La luz es la que con sus sombras se hace mi verdadera maestra.

 

Entre un rosa
no muy rosado y el viento,
flotan rojos, blanco y tiempo.

Entre un rosa
y otro rosa,
qué distintas maneras
de pasar el momento.

Entre un rosa
y el tiempo,
el tiempo pasa
a ser un momento.

Conversaciones entre
el rojo y el viento
polvo, sequedad
y todos los agentes
que hay en ese momento.

Conversaciones que mantenemos
solos, completamente en serio
no son sino un trazo
entre el rojo
y el sentimiento

Eduardo Chillida Belzunce

 


Jueves 3 de noviembre de 2016

Permanencia: 4 de diciembre de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“EL MISTERIO DE LA TRISTEZA. WUERO RAMOS”

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a través del Museo de Arte de Querétaro,
en colaboración con Aldama Fine Art
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“EL MISTERIO DE LA TRISTEZA. WUERO RAMOS”

Wuero Ramos email

WUERO RAMOS: EL PAISAJE COMO DECLARACIÓN DE PRINCIPIOS

El paisaje es un lugar imaginario, el paisaje no tiene una localización física, está en la mente del artista. Vivimos en un sitio, lo habitamos sin apenas conocerlo, acostumbrados a estar, dejamos de mirar el entorno, de estudiarlo, de comprender qué sucede con sus cambios y con su evolución, su constante transformación. El pintor observa, roba elementos, se los lleva en la mente, un terreno, unos árboles, el espacio urbano depredado y martirizado por la sociedad y con eso construye, crea un sitio que únicamente podemos ver en su obra. Wuero Ramos no vive el espacio ni camina por la calla, ni recuerda, como lo hacemos la gran mayoría, él está reteniendo en su mente, en su obra, los sitios que sean capaces de estar en su lienzo. Es un testigo invisible que está presente en los días después de la lluvia, en el lugar urbano que sin conocer la belleza comienza su degradación, en la hierba que crece entre las placas de concreto, en el brillo del agua estancada de un parque abandonado. La belleza del lugar no es la que determina la belleza de la obra. Las grandes perspectivas, las panorámicas de vista portentosas de la naturaleza no crean arte en un paisaje, no crean belleza con un concepto trascendental; las fotografías publicitarias de lugares paradisiacos son testimonios seductores; la pintura de paisaje va más lejos, persigue hacer de un espacio la representación de una idea de la realidad, de la forma de vivir y habitar un lugar y del significado que ese sitio ocupa en la existencia. Eso lo estudia con devoción creadora Wuero Ramos; al ver las pinturas sabemos cómo vive el espacio y cómo es capaz de abstraerlo de sí mismo para insertarlo de nuevo. La realidad de Ramos no existe ni para el espectador ni para nadie, y si la vemos es porque él la ha creado.

Avelina Lésper
(fragmento)

 

UNA CATEDRAL DE LIBROS SIN NOMBRES

El Wuero es, entre otros aspectos, un pintor de atmósferas. Lo atestiguan Catedral de libros y Librería de Viejo. Si en la primera predominan los tonos sepias en la segunda todo es rojo, como si se tratara de un fuego levemente apagado. Y se debe decir con estas palabras sin temerle al elogio ni al modo coloquial: son dos cuadros de gran formato, impresionantes, magistrales. Y son también excesivos, sí, propositiva, ritualmente excesivos, en el mejor sentido del término […] El Wuero llama a las librerías de viejo “mausoleos” y sí, son un poco eso, lugares donde los libros se ubican en el desvío perdiendo su sentido originario y penetrando en la línea gris del anonimato, de aquello que se diluye en los límites entre la vida y la muerte mientras una fina arenilla desliza del cuerpo del libro hacia la nada.


(Antes de conocer sus cuadros más recientes) yo tendía a afirmar que Miguel Ramos era un paisajista a ultranza, a excepción de los juegos de frontón y del increíble Volkswagen arrumbado contra una pared con un mendigo durmiendo en su interior… pero antes están los lienzos cuyo tema es el frontón. Éste es un conjunto que Ramos ha realizado alternando con los paisajes. Ubicada en la periferia, entre los límites sociales y geográficos de la ciudad, ahí donde la urbe come, calcina sus márgenes, la serie acciona dos elementos vertebradores: la figura humana y la presencia quieta del grafiti […] esas obras instituyen un múltiple escenario. El primero, mediante un giro metapictórico, fusiona o empalma dos categorías artísticas… el grafiti y la pintura que lo contiene. Es esta, la pintura, una primera instancia de lo real y es, al mismo tiempo, una disciplina institucionalizada. El grafiti, por el contrario, nace en la periferia y, aunque en la actualidad posee una relativa legitimación, sigue conservando su sello de origen.

 

Lelia Driben
(fragmentos)


LOS MISTERIOS DE LA TRISTEZA

Las pinturas del Wuero Ramos… son, fundamentalmente, una lograda búsqueda estética que se atreve a encontrar la belleza donde no la hay o se reconoce.

Un mundo hecho de sus imágenes o visiones existenciales… donde, como espectadores, sentimos la tentación de perdernos: explorar a solas esos parajes urbanos, escuchar los gritos ofensivos de los jugadores de frontón, andar entre las tumbas o tratar de hallar la fortuna, la felicidad y la salvación entre la basura… cobrar, en fin, plena conciencia de que día a día construimos laboriosas ruinas para habitarlas, morir (o permanecer inmóviles por un tiempo), renacer y seguir edificando la desdicha, la honda tristeza de nuestro devastado mundo interior que se materializa en ellas.

Rafael Muñoz Saldaña
(fragmento)

Previa a la inauguración de la muestra, tendrá lugar la presentación del libro “El Misterio de la Tristeza. Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos”.

Jueves 18 de agosto de 2016

Permanencia: 18 de octubre de 2016

Recepción: 19:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“ENTRE ÍNCUBOS Y PIEL” DE FEDERICO CORREA

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a través del Museo de Arte de Querétaro,
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a la inauguración de la exposición

“ENTRE ÍNCUBOS Y PIEL”
de Federico Correa

 

Invitación Federico Correa

Desde el punto de visita plástico ¿Dónde anclar el trabajo de Federico Correa?

A simple vista se antojan muchas raíces y sueños que lo sustentan y lo motivan; aunque realmente son las semillas que entran y germinan de inmediato en las referencias y los recuerdos de una memoria dormida que a todos estremece porque toca y llega.

En su Catálogo de tantos años , sin morbo, sin reproducción literal de la emoción de vivir , en el dibujo de tanta calidad, las imágenes poco frecuentes de cuerpos que, mientras se desnudan , al unísono se proyectan encima de quien ejerce el derecho a mirar para deslizarse , entrar a perturbar y generar la reflexión , el asombro, la incerteza…

Muy cercano a los colores del Expresionismo Alemán, a la estridencia de aquéllas Vanguardias Europeas, a las sutilezas de Lautrec, nos recuerda , sin atrevimiento, la soltura del lápiz y el pincel de María Izquierdo , local, con sus juguetes, sombreros, circos y diversiones infantiles que sin embargo , en la paleta de Correa , mientras se evocan y expresan en un nuevo lenguaje que sueña y se atormenta en tanto acaricia su propia piel.

 

Margarita Magdaleno R.
Junio de 2016

 

FEDERICO CORREA

Nacido en Salinas, California, de una familia mexicana.

Gran parte de su trabajo es autobiográfico. Firmemente arraigado en el subconsciente, se sumerge en la hipocresía en el catolicismo y la tradición familiar.

Estudió arte Babe Shapiro, fundador de la Escuela Mount Royal de Graduados de pintura en el Maryland Institute College of Art, en Baltimore, Maryland, USA.

Sus premios incluyen el Ford Fellowship Foundation y el Museo Henry Walters Fellowship.

 

Jueves 30 de junio de 2016

Permanencia: 14 de agosto de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“UNA MIRADA AL ARTE CONTEMPORÁNEO. COLECCIÓN FEMSA”

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a través del Museo de Arte de Querétaro,
en colaboración con FEMSA
tienen el honor de invitar a usted
a la inauguración de la exposición

“UNA MIRADA AL ARTE CONTEMPORÁNEO. COLECCIÓN FEMSA” 

Invitación FEMSA email

 

El compromiso de FEMSA con el desarrollo integral de los trabajadores, de sus familias y de las comunidades donde está presente, se ha visto reflejado en la creación de iniciativas que han destacado por su trascendencia.
Una de ellas es la Colección FEMSA, reconocida como una de las colecciones de arte moderno y contemporáneo latinoamericano más importantes a nivel nacional e internacional. Fundada en 1977, actualmente reúne más de 1200 obras de distintas disciplinas que ofrecen un recorrido por el devenir artístico de América Latina desde el siglo XX hasta la fecha.
Mediante su programa de exposiciones itinerantes, FEMSA comparte su Colección con diversas comunidades en México y el extranjero, cumpliendo su objetivo de impulsar la educación en sus diferentes facetas a través de la difusión de la cultura y de la apreciación artística.
La exposición Una mirada al arte contemporáneo. Colección FEMSA muestra la obra de creadores radicados en Argentina, Brasil, Cuba, Guatemala, México y Venezuela. Al recorrer las salas de este recinto, el espectador conocerá las propuestas artísticas que involucran nuevos medios y lenguajes. La exhibición está compuesta por los núcleos temáticos Incursión a la abstracción, Historias en común y Concepto y materia.
Agradecemos al Gobierno del Estado de Querétaro y al Instituto Queretano de la Cultura y las Artes por el apoyo que nos han brindado para hacer posible la realización de esta exhibición; a Cadena Comercial OXXO, patrocinador de este proyecto, y al Museo de Arte de Querétaro, por la invaluable colaboración de su equipo de profesionales y por recibir esta muestra en sus instalaciones. Esperamos que disfruten esta exposición.

Colección FEMSA

 

Miércoles 8 de junio de 2016

Permanencia: 31 de julio de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“LA IDA” DE TERESA OLABUENAGA

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a través del Museo de Arte de Querétaro,
en colaboración con el INBA
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“LA IDA” DE TERESA OLABUENAGA

Cartel Teresa Olabuenaga email (1)

Ir hacia arriba no es nada más

                  que un poco más corto o un poco

                  más largo que ir hacia abajo

He equivocado todo o casi todo,

menos el centro.

 Roberto Juarroz

La ida. ¿A dónde? No lo sabemos. De lo único que podemos estar ciertos es que, durante el camino, contaremos inevitablemente con la compañía de nuestro cuerpo. En palabras de Olabuenaga, “el propio cuerpo es el origen y fin de esa experiencia breve, pero intensa, a la que llamamos vida”.

A partir de su propia vivencia de la enfermedad y la hospitalización, la artista inició un proceso reflexivo que desembocó en una propuesta creativa: “Si bien pareciera que todo problema de salud y la consecuente hospitalización pueden ser tomados como experiencias traumáticas o negativas, en mi caso fueron muy positivas y liberadoras en el sentido físico, evidentemente, pero sobre todo, en el sentido espiritual”.

No es un accidente que las piezas de esta exposición sean símbolos de verticalidad, ya que un axis mundi es ese eje, constante en diversas tradiciones mitológicas y religiosas, que desde el ámbito terrenal conecta el submundo –el origen– con el cielo –la trascendencia–.

A través del axis mundi, para cada uno de nosotros nuestro propio cuerpo vertical, vivo, efectuamos ese viaje, esa ida en la que en ocasiones ascendemos y, en otras, descendemos. El cuerpo deviene centro cósmico, espacio de tránsito que permite la vinculación con lo alto y lo bajo. Es nuestro lugar de tránsito hacia la muerte, último destino, tal vez último origen.

Cuerpo-casa-cosmos, diríamos parafraseando a Mircea Eliade, quien afirma: “la experiencia mística fundamental, es decir, la superación de la condición humana, se expresa por una doble imagen: la ruptura del techo y el vuelo por los aires”. Para el autor, la experiencia del vuelo es la del “paso de un modo de ser al otro o, más exactamente, el tránsito de la existencia condicionada a un modo de ser no-condicionado, es decir, de perfecta libertad”.

¿No es esta experiencia mística, acaso, lo que la creación artística intenta emular, la forma en que el artista evade la apatía del hombre moderno, a-cósmico? Ante la desazón de la enfermedad, Olabuenaga produce, entre otras cosas, para no perder su centro. El cuerpo es capaz de corromperse, pero también puede reconstituirse. Las 27 columnas que conforman este proyecto son, así, los pilares que sostienen el cuerpo-templo y simbolizan el paso a un modo de ser paradójico.

José Raúl Pérez, curador

 

Teresa Olabuenaga nace en la ciudad de México en 1958. Es licenciada en Comunicación por la Universidad Iberoamericana y maestra en Dirección de Centros Educativos por la Universidad Anáhuac. Desde 1982 maneja el taller ETER / El Relicario, especializado en grabado.

Viajó a Japón para aprender la técnica shifu de hechura de textil con hilo de papel hecho a mano, y el washi para la hechura de papel hecho a mano, mismas que transformaron su tratamiento del papel amate en México.

A lo largo de sus 32 años de carrera artística ha recibido diversos premios y reconocimientos. Cuenta con más de 120 exposiciones en museos y galerías en México y otros 17 países en América, Europa y Asia. Su trabajo gira en torno a tres temas base que, interrelacionados, hablan de su punto de vista en torno al mundo: la infancia, la soledad y la muerte, vectores que definen sus materiales, composiciones y estética.

 

Viernes 3 de junio de 2016

Permanencia: 31 de julio de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
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PROYECTO CERO. MUJERES FOTOPERIODISTAS

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a la inauguración de la exposición

“PROYECTO CERO. MUJERES FOTOPERIODISTAS”

Invitación Mujeres fotoperiodistas email

Proyecto Cero tiene como objetivo acercar el trabajo fotoperiodístico a la ciudadanía, así como resaltar la inclusión de las mujeres en los medios de comunicación, en especifico en el ámbito fotográfico. Cada día más mujeres entran al mercado laboral, desempeñando una variedad de trabajos; los paradigmas, el acceso a la educación, los roles, están en constante cambio y el reflejo de ello es el número, cada vez mayor, de mujeres en todos los campos profesionales.
La fotografía de prensa es el lado visual de los medios de comunicación, los cuales configuran la visión que tiene la sociedad del mundo, de ahí que el acto de fotografiar sea nuestro punto de partida: la fotografía por sí misma produce sentido y da significación a las cosas.
Es importante reflejar estos cambios que se están dando en nuestra sociedad, y con ello generar conciencia en la ciudadanía de que las mujeres buscan su autonomía, libertad e igualdad ante las leyes. En el caso de Querétaro las mujeres profesionistas perciben diferentes ingresos que los hombres, datos del INEGI señalan que hasta un 50% menos. Dicha exposición ofrece al espectador un reflejo de cómo las mujeres contemporáneas dan lectura a la realidad, y cómo el uso de la herramienta fotográfica permite captar hechos y momentos que contienen un amplio valor comunicativo.
Proyecto Cero esta conformado por trece fotoperiodistas de diferentes medios de comunicación en el Estado de Querétaro:
Alejandra López Beltran Ana Lilia Rosales Ana Lucía Alvelais Loyo
Eréndira Lumbreras González
Fernanda Ortiz Gabriela Zúñiga
Giovanna Tron
Karina Camacho
Martha Flores
Martha Zamora
Miriam Martinez
Yolanda Longuino
Yunuen Calixto

 

Jueves 19 de mayo de 2016

Permanencia: 26 de junio de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
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“GEOMETRÍA”, OBRA DE YAZMÍN SALDAÑA

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“GEOMETRÍA”
Obra de Yazmín Saldaña

Yazmin Saldaña -  Geometría

Grabar es la acción de incidir, rayar, marcar, horadar por diferentes medios, una superficie con el objeto de producir profundidades gráficas que se rellenan con tinta que luego se transfiere por presión a un papel. Esta es una técnica cuyo principal objetivo es la reproducción de la imagen cierto número de veces.

Un grabado se refiere a la placa trabajada con la cual se hace la impresión, grabado es también, el papel con la imagen transferida en su superficie. Dos momentos de creatividad importantes en esta técnica gráfica son: el grabar la placa mediante diferentes técnicas y la impresión sobre todo cuando es con colores y diferentes placas.

Gráfica expandida es un término que puede ser utilizado en obras gráficas que se salen de de la convención en la manera de hacer la placa, pero sobre todo en la forma de impresión. Algunas piezas de Yazmín se colocan en éste apartado al integrar papeles impresos, escritura, soportes extras, diferentes placas y costuras en el papel.

Yazmín Saldaña presenta en esta ocasión unas piezas producto de un trabajo minucioso y limpio durante todo el proceso. La geometría, tema central de su lenguaje, va desde la finura aterciopelada de las líneas en la punta seca del cono y esfera, hasta la inquietante negrura de un rectángulo en que la impresión de la placa es el tema. La artista ha abordado el grabado de una manera inquisitiva encontrando diferentes opciones a cada placa y su impresión.

Aura Moreno Lagunes

 

Geometrías de Yazmín Saldaña

Hacer arte abstracto en pleno siglo veintiuno es algo más que adoptar una estética. Casi un siglo después de su encumbramiento, el abstraccionismo sigue siendo una postura arriesgada y expuesta a la reprobación.

¿Por qué cuesta tanto entender la pintura abstracta? ¿por qué para algunos resulta tan difícil aceptar el lenguaje puro del color, la materia y las formas esenciales?. ¿Por qué se repiten los mismos comentarios de siempre —anacrónicos y puritanos— sobre esta tendencia? No es sólo por ignorancia, también por la mala fe de algunos apologistas del dogma formalista de la representación, y, últimamente, por la malicia de varios precursores de la moda contemporánea que sólo confunden a la gente y cierran opciones de reconocimiento a la pintura, a la que no quieren darle continuidad histórica, y a la que rara vez conceden un valor suficiente.

Honestamente, no creo que siempre sea necesario tener que explicar la pintura, y menos el arte abstracto. Para muchos, sería de gran alivio desentenderse de rollos e interpretaciones literarias, y empezar a vivir sin prejuicios la extraordinaria experiencia del asombro y el desconcierto que produce el “no-saber” frente a la obra. En pocas palabras: creo que para apreciar el arte sólo hay que dejarse llevar.

Y sigo haciéndome preguntas mientras contemplo la serie Geometrías de Yazmín Saldaña, a quien hay que agradecer su férrea decisión de practicar el abstraccionismo con un compromiso apasionado y sincero, y por entregarnos una nueva propuesta, que sin quererlo, es ambiciosa.

A través de un simple simbolismo establecido por ella misma —donde el círculo, el triángulo y el cuadrado devienen, respectivamente, en universo, equilibrio y cuatro elementos (aire, tierra, agua y fuego)—, Yazmín nos reafirma en la convicción y vigencia de la pintura abstracta. Su obra no sólo entabla un atractivo diálogo con las preocupaciones propias del expresionismo abstracto, sino que, además, nos brinda una emotiva experiencia visual que da cuenta de su capacidad creativa. La gracia de su pintura deriva de los ricos incidentes visuales que genera; gestos y texturas entrelazadas que sugieren misteriosas disposiciones espaciales y estructurales que parecen estar en constante transformación. Su obra es sobria por la reducción de su paleta que mantiene un sutil equilibrio tonal, iluminado sólo por pequeños destellos de color, y por el buen tratamiento de la superficie pictórica a través de goteos, manchas, lavados, velos, restregados, estarcidos y accidentes que se combinan para crear una sensación espacial profunda.  

Con esta serie, Yazmin Saldaña confirma el alto grado de compromiso que ha alcanzado. Su trabajo sigue empujando hacia nuevas direcciones y no se conforma con los logros obtenidos. Geometrías es una visión atrevida y abierta que demuestra las posibilidades de la práctica contínua y la osadía de buscar nuevos caminos.

Jordi Boldó

 

Jueves 14 de abril de 2016

Permanencia: 22 de mayo de 2016

Recepción: 20:00 hrs

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CURSO INTENSIVO DE PLASTILINA PARA JÓVENES ILUSTRADORES-ILUSTRADOS

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Instituto Queretano de la Cultura y las Artes,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
invita a participar en el:

Curso intensivo de Plastilina
para jóvenes ilustradores-ilustrados.

Curso Intensivo de Plastilina

Imparte:
LDI Leonardo Mendoza Reyes

Del 4 al 8 de abril de 2016
Horario: 10:00 a 18:00 hrs
(con receso de 14:00 a 16:00 hrs)

Edades: 18 a 30 años

Para jóvenes interesados o con conocimiento en las técnicas de ilustración, diseño gráfico, diseño industrial, o artes visuales.

Curso gratuito
(No incluye material)

Realizado con el apoyo del Programa de Estímulos a la Creación y el Desarrollo Artístico (PECDA)

Cupo limitado

 

Informes e inscripciones:

MAQRO
Allende 14 sur, Centro Histórico
Querétaro, Qro.
Tels.: 212 2357 y 212 3523 ext. 3

maqeducativos@gmail.com

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“PINTANDO EN PRIMAVERA”. CURSO PARA NIÑOS

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El Instituto Queretano de la Cultura y las Artes,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
en colaboración el Voluntariado Docente del MAQRO
invitan al curso para niños:

PINTANDO EN PRIMAVERA

 

Pintando en Primavera

 

Imparte: Laura Cortés Flores
Marzo 22, 23, 29, 30, 31
Abril 1º

Edades: 4 a 13 años
Horario: 10:00 a 13:00 hrs

Donativo: $800.00 MXN

Descuento a hermanos

Informes e inscripciones:

MAQRO
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Querétaro, Qro.
Tels.: 212 2357 y 212 3523 ext. 3

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