“LOS DIÁLOGOS DEL COLOR” DE FERNANDO ANDRIACCI

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El  Museo de Arte de Querétaro
tiene el honor de invitar a usted
a la inauguración de la exposición

“LOS DIÁLOGOS DEL COLOR”
Obra de Fernando Andriacci

LOS DIÁLOGOS DEL COLOR

La naturaleza y el color han sido siempre detonantes de una multiplicidad de emociones y sentimientos sin importar la edad. Tomar a ésta como fuente de inspiración para llenarla de colores como gesto de expresividad, ha sido una labor inquietante y sin duda complaciente para los artistas, porque en la naturaleza encuentran la fuente de la creatividad más originaria y sofisticada, aunada al deleite del color como sello de imaginación y fantasía al representar la vida.

La obra de Fernando Andriacci, cumple todo esto, apropiándose de las firmas de la naturaleza para vestir de colores su entorno. Es a través de diferentes técnicas como la pintura, el gis, la serigrafía y la escultura, -entre las que destaca la cerámica-, que el oaxaqueño nos muestra su pasión por la vida mediante la práctica artística. De esta manera, la muestra nos enseña que en el universo onírico, retocado por una fantasía colorida, la obra se comunica de manera intuitiva con el público, encontrando cientos de formas, siempre divertidas para proyectar la naturaleza desde el arte.

Roberto Barajas
Curador


FERNANDO ANDRIACCI
SEMBLANZA

Fernando Andriacci (1972) es un Artista originario de Cuicatlán, Oaxaca, México. En su formación profesional se ha dedicado al campo del arte y sus expresiones, considerando tanto nociones prácticas como teóricas; pero, sin duda, es su participación como fundador del Taller de Artes Plásticas Municipales y Pintura Monumental Rodolfo Nieto, que le otorga el impulso necesario para definir su manera de hacer arte y marcar su trayectoria como pintor. El funcionamiento del taller se orientaba a la creación de obras, generalmente murales en espacios públicos y edificios de gobierno, por lo que gozaba de la libertad suficiente para consolidar un género propio.

En la región de Oaxaca vive y conoce un importante movimiento de renovación artística, en el que sobresalen figuras como Francisco Toledo, Rufino Tamayo, Rodolfo Nieto y Sergio Hernández entre otros. No es coincidencia que el medio natural y cultural influyera en la obra de cada uno de ellos, dejando su impronta en el Arte Mexicano. Andriacci admite, más que influencias artísticas, influencias que se derivan de compartir un contexto y espacio únicos.

Es distinguido por su trabajo en pintura, cerámica y obra mural. En su obra predominan figuras animales y vegetales, ricamente ataviadas con otras más pequeñas y con diseños que se insertan en lo decorativo. Las representaciones zoomorfas se convierten en un bestiario propio que recrea la dimensión de lo fantástico.

Crea las imágenes por la unión de líneas rectas, en zigzag, oblicua, curva que parecen haber sido trazadas con independencia del color, sin embargo, conviven en equilibrio perfecto. De igual manera, el empleo de técnicas mixtas enriquece las texturas, sin descuidar la armonía. Su trabajo ha pasado del abigarramiento a una saturación menor del espacio y una búsqueda de mayor equilibrio en las tonalidades.

La composición es un espacio lúdico que parece emerger de la misma riqueza imaginativa que sus coterráneos. Se trata de una composición relacionada con lo narrativo, que se convierte en una ventana que muestra la variedad e importancia de las tradiciones locales. Pero más que riqueza imaginativa Andriacci es poseedor y portador de la riqueza cultural que caracteriza al arte en esta región del país y con la cual trasciende al ámbito de lo universal.


Jueves 2 de agosto de 2018

Recepción: 20:00 hrs

Permanencia: 7 de octubre de 2018

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“COSTURAS DE LA MEMORIA”, DE AURA MORENO LAGUNES

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a la inauguración de la exposición

“COSTURAS DE LA MEMORIA”
Obra de Aura Moreno Lagunes

COSTURAS DE LA MEMORIA
Obra en pequeño formato resultado de residencias en Reino Unido

Y cuando la imagen pintada no es una copia
sino el resultado de un diálogo,
la cosa pintada habla si nosotros escuchamos.
John Berger

Durante los veranos de 2013 y 2016, Aura Moreno Lagunes llevó a cabo dos residencias en Berwick upon Tweed, Northumberland, Reino Unido. La obra resultado de esos ejercicios, fue mostrada al final de cada residencia en Galería 25 de Berwick bajo el nombre de Missing memories, finding recollections I y II (Perdiendo memorias, encontrando recuerdos I y II respectivamente).

La obra que se muestra en estas ocasión en éste hermoso Museo de Arte de Querétaro, es una parte de la producción total de las residencias ya que otra se ha quedado en colecciones particulares y galerías de Northumberland; se muestran aquí también trabajos realizados en los tiempos posteriores a las residencias en los que podemos apreciar la influencia de la vivencia y la persistencia de la geografía, la luz, tonalidades y la positiva libertad experimentada.

Las piezas que habitan estas dos salas alternas tienen la intención de hablar de lapsos íntimos, acompañados de silencios y tormentas, protegidos por la confianza que da el conocer diversas técnicas que aparecen cuando es el momento adecuado. Obra en pequeño formato que contiene todos los elementos de un universo alterno que busca ser descifrado tanto en su fuerza como su fragilidad, así como en el detalle y su totalidad.

 


 

Aura Moreno Lagunes

Artista visual queretana nacida en la ciudad de México en 1955. Estudió Diseño Industrial y la especialidad de diseño textil en la Universidad Iberoamericana. Llegó a Santiago de Querétaro en 1982 a una hermosa casona de la calle Hidalgo y desde entonces ha participado en la vida artística de esta dinámica ciudad.

En 2009 obtuvo la Maestría en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Querétaro (Cuerpo fragmentado y apropiación en el arte contemporáneo). Ha realizado más de 35 exposiciones individuales y cerca de 100 colectivas en Querétaro, diferentes ciudades de la República Mexicana y en el extranjero.

Aura Moreno ha tomado talleres con significativos y creativos maestros como Carla Rippey, Gabriel Macotela, Gerda Gruber, Santiago Carbonell, Irma Palacios, Byron Brauchly, Leticia Tarragó, Constantino Lameiras, entre otros.

Es una creadora versátil que se mueve libremente entre la gráfica, cerámica, pintura, instalación, arte objeto, libro de artista, curaduría, museografía, performance así como diseño y producción de escenografía y vestuario.

Su temática ha llevado un desarrollo estilístico acorde con su búsqueda de nuevas maneras y los resultados muestran un entrelazamiento de técnicas pictóricas y técnicas gráficas o textiles, ensambles de objetos e imágenes, fragilidades y evanescencias, memorias y olvidos.

 


 

“VEINTE DIÁLOGOS DE PINTORES CONTEMPORÁNEOS”

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a la inauguración de la exposición

“VEINTE DIÁLOGOS DE PINTORES CONTEMPORÁNEOS”

 

RODRIGO AYALA
ROCÍO CABALLERO
ANÍBAL CATALÁN
NACHO CHINCOYA
HUGO CROSTHWAITE
JOSÉ ANTONIO FARRERA
CURRO GÓMEZ
SAMUEL MELÉNDREZ
BRADLEY NARDUZZI
ENRIQUE OROZ
PATRICK PETTERSSON
ALEJANDRO PINTADO
IRMA SOFÍA POETER
ORFEO QUAGLIATTA
NATHALIE REGARD
DANIEL RODRÍGUEZ COLLAZO
ARMANDO ROMERO
DANIEL RUANOVA
LUIS ALFONSO VILLALOBOS
ALAN VILLAVICENCIO

 


La pintura y el tiempo

Podemos rastrear la historia de la pintura hasta los orígenes de la humanidad y entenderla, desde nuestra plataforma contemporánea, como una necesidad del hombre, incluso previa a lo que conocemos como civilización. Sin embargo, desde el lugar donde nos ha colocado el tiempo, seríamos incapaces siquiera de intuir la dirección o la forma que los pintores darán a su oficio en el futuro. En cierta forma podríamos asegurar, casi sin pudor, que la historia de la pintura, es también la nuestra, así de sencillo es que podemos enfrentarnos a estos fragmentos de realidad interpretada anticipadamente por el artista.

La pintura como disciplina ha superado innumerables desafíos resultado de la aparición de lenguajes nuevos y atrevidos que, sin éxito, han intentado desplazarla de su lugar como el objeto artístico por excelencia. No resulta gratuito que la forma (nunca mejor dicho), a través de la cual nos enfrentamos a una pintura, en la mayoría de los casos siga siendo un rectángulo, éste supone una suerte de ventana, frente a la que somos voyeur y contemplamos escenas, paisajes y toda clase de fenómenos y reacciones entre materiales que construyen una nueva realidad, a la que cada uno de los creadores en esta muestra, da un lugar en el mundo.

20 Diálogos de Pintores Contemporáneos es también un evento proyectado de manera puntual y concebido ex profeso para el Museo de Arte de Querétaro, un emplazamiento importante generador de públicos y una entidad sensible a las necesidades de una sociedad en expansión como la queretana, que demanda calidad en las propuestas de su oferta cultural.

No es un ejercicio sencillo reunir esta cantidad de artistas (más de veinte), con una obra que pone ante nuestros ojos, una suerte de catálogo de pintura contemporánea, en su mayoría de autores mexicanos, pero que no deja de lado el diálogo con creadores de otras latitudes, encontrando eco y al mismo tiempo reforzando la idea de que la producción de arte no está definida ni categorizada por las fronteras políticas.

Dicho lo anterior, es necesario señalar la importancia de que este tipo de muestras, se lleven a cabo y hacer hincapié en la oportunidad que nos brindan, en un mismo espacio y tiempo, acercándonos a un número importante y diverso de obras que dan fe de las diferentes inquietudes de un grupo de artistas, con una trayectoria probada y un lenguaje propio. Si fuera necesario enunciar un hilo conductor, más allá de la disciplina que comparten, sería, tal vez la relación y el compromiso con su tiempo y en la dificultad que afrontan para abrirse camino en el territorio de la imagen, acaparado por el movimiento, la lectura rápida y la desinformación. Estos artistas, se han dado todos a la tarea de producir verdad a través de su trabajo.

Por último, pero no menos importante, hay que resaltar el papel del facilitador (gestor promotor, curador) aquel que hace posible que iniciativas como ésta, tomen forma y lleguen a buen puerto, asumiendo un rol dinámico como intermediario entre artistas, instituciones y los consumidores de arte. Éste representa un motor para generar nuevos centros con una identidad propia y diversa en la que, tanto estudiantes de arte como los futuros profesionales de la cultura e incluso viejos y nuevos coleccionistas se encuentren y formen comunidad, lo cual resulta tan importante como urgente en un país centralizado en toda actividad.

Luis A. Orozco. 
Junio 2018


Jueves 5 de julio de 2018

Recepción: 19:00 hrs

Permanencia: 19 de agosto de 2018

 

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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DIÁLOGOS CON EL MUSEO: “EL ROL DEL ARTISTA CONTEMPORÁNEO: POSICIÓN Y PERSPECTIVAS”

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El Museo de Arte de Querétaro invita a:

Diálogos con el Museo:
“El rol del artista contemporáneo: posición y perspectiva

 

Participan:
Mtro. Roberto Rosano, Artista Visual
Mtro. Roberto González García, Director del MAQRO

Miércoles 13 de junio de 2018
19:00 h
Entrada libre

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur, Centro Histórico, Qro, Qro.
Tel.: (442) 2 12 23 57 y 2 12 35 23
http://www.culturaqueretaro.gob.mx
Horario del museo: de martes a domingo de 10:00 a 18:00 h
*Ver imagen adjunta
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“FRAGMENTOS DE HISTORIAS” DE MARCELA ROSADO

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a la inauguración de la exposición

“FRAGMENTOS DE HISTORIAS”
Obra de Marcela Rosado

FRAGMENTOS DE HISTORIAS. MARCELA ROSADO

¿Cuántas veces nos contamos historias y nos las volvemos a contar encontrando segmentos que suscitan asombro?

Las historias que nos cuenta Marcela a través de sus trazos y el armazón de volúmenes que flotan y sugieren cuentos completos, son poco predecibles y elocuentes. En Marcela, el sentido del orden convive con una acendrada rebeldía, la disciplina de las formas con el vértigo de las texturas y las formas.

En esta exposición Marcela mantiene un diálogo con el espectador que de manera irremediable se ve inmerso en esa ola de emociones que despierta la obra en sí. La imaginación vuela sola y busca mapas en donde las historias residen y muestran con gran elegancia y sencillez notas de una continuidad y búsqueda por lo real.

La mirada del espectador se vuelve no sólo mirada, sino una especie de experiencia sensorial en la que los sentidos son el vehículo para que las historias cobren vida propia y como flecha cubierta de tinta atraviesen hacia el interior de la piel.

Pareciera que la propuesta de Marcela, como un todo infraganti, atenazara al personaje que observa y lo llevara de la mano por un laberinto en el que el paseo es un espejo de esa autobiografía que nos recuerda que quedaríamos reducidos a un polvo etéreo si no fuese por las historias que nos contamos.

La obra que nos comparte Marcela en esta exposición no necesita de palabras, habla y camina sola, nos conduce a la alegría y a la pasión que mediante el uso de materiales tan diversos ella experimenta y vive.

Es evidente que la artista goza al crear, mediante signos y símbolos nos demuestra ese espíritu lúdico que la caracteriza. Marcela está en un punto de madurez en la que su obra estrecha manos con el ojo y el corazón de quien la mire. Las historias han dejado de ser segmentos para cobrar vida como si fuesen un remolino que con fuerza se unen y tocan las nubes.

 


 

MARCELA ROSADO. SEMBLANZA

Originaria de la ciudad de México, Marcela Rosado es una destacada artista plástica con formación en Diseño Gráfico por la UVM campus Querétaro, y en diversas disciplinas artísticas (pintura, escultura, alfarería y joyería) por el Instituto Allende, en San Miguel de Allende, Gto. Su obra se ha expuesto tanto a nivel nacional como en una gran diversidad de importantes espacios artísticos y culturales de países como Holanda, EUA y Suiza, por nombrar algunos.

 


 

Inauguración: Jueves 31 de mayo de 2018, 20:00

Permanencia: 22 de julio de 2018

Museo de Arte de Querétaro
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Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“LO QUE CHAVELA VARGAS ME ENSEÑÓ SOBRE JARDINERÍA” DE ÁNGEL RICARDO RICARDO RÍOS

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a la inauguración de la exposición

“LO QUE CHAVELA VARGAS ME ENSEÑÓ SOBRE JARDINERÍA”
Obra de Ángel Ricardo Ricardo Ríos

 

La frenética desmesura de la pintura de Ángel Ricardo proviene de dos elementos que son fundamentales en su proceso de trabajo: el primero de ellos –y no podría ser el segundo por más que intentásemos mudarle de sitio– es una asunción, cabal e íntima, de la idea de la libertad en tanto premisa básica del hecho artístico. Esta postura, cabe aclarar, se manifiesta en su obra a partir del desbordamiento incontrolado del color y las formas, las texturas y las humedades; el regodeo en lo somático. El gesto de un brochazo cualquiera deviene invitación licenciosa al núcleo mismo de la sensualidad: aquel sitio mental donde no existen las reglas, o donde las reglas se rompen con el único objeto de gozar del instante de transgresión.

La otra cuestión, estrechamente ligada a lo anterior, viene a relacionarse con la pintura, entendida por Ángel Ricardo como terreno de exploración y ensayo. En sus lienzos, lo pictórico se reinventa mil veces, se consuma y fusiona con caprichoso énfasis para luego deshacerse y volver a empezar. Es un ciclo ininterrumpido donde la realidad deriva siempre en el deleite de lo físico. El proceso constituye su coartada más socorrida, la dimensión en la que la pintura y lo pintado pueden tocarse, olerse, palparse, probarse. Ángel Ricardo se abandona al arbitrio de lo circunstancial y por ello sus lienzos se mantienen en permanente tensión, están vivos.

La muestra que nos ocupa es una continuación coherente de las obsesiones de este artista. Los grandes ejes que atraviesan su quehacer vuelven a aflorar en esta oportunidad, ahora mediados o convocados por la figura desconcertante de Chavela Vargas. La proyección de una mujer extremadamente libre, cabal en su irreverencia para con el mundo y consigo misma, de “andar sin ropas”, según apuntara el propio Ángel Ricardo, opera como brecha de entrada (convite lúdico, llamado de atención) al universo impúdico y hedonista de la más descarnada de las pinturas probables.

Chavela es motivo y pretexto, y la pintura gestual de Ángel Ricardo, el laberinto enrevesado a transitar. Hay un discurso de tono anárquico hilvanándose de una pieza a otra, una narrativa personalísima y desfachatada que recala en la insolencia estética de Manet, el carácter herético y de incómoda digestión de Jonathan Meese, la distensión expresiva de Cy Twombly, el más icónico de los referentes pictóricos de lo que puede ser y ha sido la voluntad libertaria del hombre, a saber, La libertad guiando al pueblo, de Eugène Delacroix. En esta suerte de madeja referencial se tienden conexiones insospechadas entre uno y otro artista, reflexiones endogámicas que terminan por solaparse y volverse monstruos absurdos y alucinantes. Ese será el laberinto perfecto, en el que habrá que perderse si quiere uno encontrarse al fin.

Ángel Ricardo pretende, una vez más, llevarnos al límite de lo posible, al borde de lo real y de nosotros mismos. Para ello, nos hace partícipe de la distensión y el arrojo de su pintura orgánica, de la desnudez esencial del ser humano que se inaugura en la desnudez del cuerpo expuesto. Lo correcto y lo excesivo no existen cuando median la desmesura y el deseo irrefrenable de sentirnos libres. Chavela ya lo sabía. Ángel Ricardo nos lo repite como quien reza un mantra.

Daleysi Moya


SEMBLANZA

Ángel Ricardo Ricardo Ríos (Holguín, Cuba, 1965) es un artista visual dividido entre La Habana y la Ciudad de México. Graduado de la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro en 1984, y del Instituto Superior de Arte (ISA) de Cuba en 1989, ha transitado con éxito por la escultura de base instalativa –o la instalación escultórica–, el dibujo y la pintura. Su obra, marcada durante mucho tiempo por la presencia de lo tridimensional, terminaría por recalar y expandirse indefinidamente en el desenfreno del ejercicio pictórico.

Tras un camino recorrido que supera los treinta años de labor sistemática, Ángel Ricardo cuenta en su haber con numerosos proyectos personales y colectivos de significación. Entre los múltiples espacios que han acogido su quehacer deben mencionarse instituciones como el Museo de los Pintores Oaxaqueños, Oaxaca, el Museo Universitario del Chopo y el Museo de Arte Moderno, ambos en la Ciudad de México. El robusto despliegue exhibitivo que acompaña a su carrera como creador, unido al trabajo con galerías de diversas partes del mundo –Fernando Pradilla (Madrid), Galería El Museo (Bogotá), Juan Ruiz Gallery (Miami), Jacob Karpio (San José), Terreno Baldío Arte, Galería Nina Menocal (Ciudad de México), Galería Servando (La Habana) – se encuentra complementado con intervenciones en eventos artísticos de la talla de La Bienal de Marrakech, en 2016, y la Bienal de La Habana, en 2015 y 2009. Además de su participación en bienales y otros acontecimientos de extendido impacto cultural, Ángel Ricardo ha tomado parte en las renombradas ferias de Los Ángeles Art Show, ARCO Madrid, Art Chicago y Zona Maco.

Actualmente integra el Building Bridges Art Foundation International Art Program en Los Ángeles, California, USA.

 


Sábado 12 de mayo de 2018

Permanencia: 1º de julio de 2018

Recepción: 19:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
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Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
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“EQUILÁTERO. LOS TRES LADOS DEL ARTE” DE GABRIELA VILLANUEVA

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
le invitan a la inauguración de la exposición

“EQUILÁTERO. LOS TRES LADOS DEL ARTE”
de Gabriela Villanueva

 

El triángulo no solo como figura geométrica, sino como un símbolo lleno de significados ha estado muy presente en mi obra desde mis inicios como artista plástico.

El triángulo equilátero ha sido utilizado desde hace muchos años por distintas civilizaciones y culturas en ámbitos científicos, espirituales y artísticos.

Sus tres lados representan el número 3, representan tres pasos en el proceso de realización de cada una de mis obras: sentir, pensar y crear.

Sentir mi entorno, mi estado de ánimo y hacer caso a lo que veo, escucho y siento.

Pensar en que los colores, las líneas, las formas y las texturas convivan en armonía y equilibrio en el lienzo.

Y Crear una obra de arte con cierta subjetividad que permita al espectador interpretarla, darle un significado y experimentar distintos sentimientos.

Gabriela Villanueva


SEMBLANZA

Villanueva MG artista plástica mexicana, presenta una propuesta distinta a lo común. Sus obras son una mezcla de texturas, colores, formas y técnicas mixtas.

Su acercamiento con el arte ha estado presente durante toda su vida, llevándola a cursar estudios en diseño gráfico y la maestría en Arquitectura de Interiores en donde se graduó con mención honorífica.

Villanueva MG ha participado en diversas exposiciones, y ha apoyado activamente con su obra a fundaciones como: artistas al cubo y la fundación NPH México dedicada al desarrollo de niños huérfanos y vulnerables.

Dentro de las exposiciones mas importantes en las que ha participado se encuentran:

  • No Name. Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México
  • en Paseo de la Reforma, Ciudad de México
  • Iberoamerican Painting. Nueva York / USA
  • Mostra “EL MURO”. Puglia / Italia
  • Artistas al Cubo en el Museo del Papalote. Ciudad de México
  • Exposición individual: Espejismo Roto en la Fundación Sebastián, Ciudad de México
  • Galería The Art Corner: Exhibición permanente, Ciudad de México

 

Inauguración: Viernes 20 de abril de 2018, 20:00

Permanencia: 20 de mayo de 2018

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
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“UT PICTURA KINESIS” DE JOSÉ ANTONIO OCHOA

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
le invitan a la inauguración de la exposición

“UT PICTURA KINESIS”
de José Antonio Ochoa

JOSÉ ANTONIO OCHOA. HABITAR EL PAISAJE

Hay un tiempo para el anochecer bajo la luz de las estrellas,
un tiempo para el anochecer a la luz de la lámpara (El anochecer con el álbum de fotos)

T.S.Elliot, Cuatro Cuartetos

Volvemos, el aire de pronto nos arropa y el ojo encuentra su horizonte, el paisaje sigue ahí pero su lejanía se ha hecho palpable como al acercarnos a un cuadro del Quatroccento sus montañas azules. Reconocer los pasos, el aroma, los sueños de antiguas noches esperando nuestro descanso, los sabores, las voces de los pájaros y de la calle quizá sea una forma de habitar, súbitamente, la memoria en el presente. Otro paisaje queda atrás, para describirlo enseñamos algunas fotos que fijan nuestro recuerdo. Las imágenes han quedado impregnadas del instante, de la luz y el ruido de la ciudad, del olor del mar, y en ellas, de pronto, la emoción de haber habitado ese lugar, de seguir habitando su lejanía en el reducido espacio del papel.

Se habla de un arte de la lejanía[1], de una manera de hacer conectada con
la dimensión emocional de la contemplación del paisaje. Habitar un paisaje es entrar de algún modo en lo espiritual. La presencia del paisaje que veo y la presencia del paisaje que rememoro en imágenes puede ser equivalente cuando está condicionada por la emoción. Reconozco entonces el presente habitado de memoria y también la experiencia estética revisitada.

Querétaro recibe la obra de José Antonio Ochoa abriéndole las puertas al Museo de Arte, MAQRO, y la presenta en sus paredes recién llegada de Valencia, España, donde el artista ha terminado su formación académica en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos. Atrás queda el diverso paisaje europeo, desde las playas del mediterráneo a las brumas y bosques de Suecia o las montañas de Finlandia. La exposición Ut Pictura Kinesis. Silencios de cine. Pinturas de celuloide presenta su proyecto artístico en torno al paisaje cinematográfico de resonancias pictóricas. Conceptos como belleza y silencio son claves para disponerse como espectadores a la contemplación de las obras. El misterio del paisaje es el núcleo del tema. Además del disfrute de un trabajo de rigor técnico se nos invita a compartir una actitud ante la vida.

Se trata de una obra joven y arriesgada, joven porque el horizonte de su impulso es a la vez claro y utópico, de riesgo porque para alcanzar ese horizonte José Antonio Ochoa lleva a la pintura a convivir con otros lenguajes de representación contemporáneos -el cine en este caso-, y reclama la naturaleza dialéctica de la imagen con la intención de herirnos. José Antonio es un artista que ha trabajado y expuesto sus pinturas con anterioridad en torno a la figura humana y el paisaje, ha definido su interés por la mirada del pintor y el espectador en la bella serie Domingo en el Art Institute (2015), donde aparecen por primera vez sus figuras de espaldas, y en esta ocasión su obra se mueve en equilibrio entre la representación de la pintura figurativa más tradicional -por sus temas y su tratamiento-, y el engarce conceptual de la misma en su contexto intertextual: esa cualidad y capacidad de transmisión cognitiva y emocional de la imagen que el artista utiliza para presentarnos su propia mirada sobre el mundo. De ahí la herida que nos llega de la belleza y el silencio de sus paisajes –y anteriormente sus retratos-, en contraposición a la así llamada “rueda del mundo” de la que todo y nada le interesa. Juventud, decía, pero templada y madura por el buen oficio de la pintura, por la consciencia de que a través de ella se puede señalar y desvelar el misterio de las cosas, eligiendo del mundo lo que impulsa la vida y desdeñando el imperativo cultural que nos ciñe y limita. De ahí el riesgo que apuntábamos, su valiente posicionamiento frente a la inercia del sistema artístico. Ochoa pinta por tanto movido por la belleza, por la serenidad, la armonía y la paz, pero desde esta belleza, serenidad, armonía y paz nos advierte e increpa, haciendo uso de esta forma de pintura elaborada capa a capa, callada y resistente a modas y espectáculos, incuestionable arma de materia pictórica arrojada silenciosamente al espectador.

En las paredes del Museo vamos a encontrarnos de nuevo con el paisaje y la figura. Diríamos mejor con el paisaje y, tal vez, la figura que lo habita, pues los personajes de estos cuadros entran en el paisaje vacío o lo contemplan desde su pequeño tamaño individual donde la casa, el animal, el coche, el árbol y la hierba baja tienen su pequeño sitio. Ochoa ahonda y dilata el espacio de la naturaleza, la distancia entre el individuo y el horizonte se agranda mediante esta escala de representación y apunta a sensaciones de trascendencia. No creemos hacer una sobre-interpretación al decir que su obra trata de la conmoción de reconocer la vastedad inabarcable de un paisaje sublime que señala ese otro paisaje interior de cada uno, en el que adentrarse, y habitarlo tal vez.

Ut pictura kinesis, silencios de cine, pinturas de celuloide [2], es una exposición que tiene su origen en el cine, en las películas de cineastas como Andrei Tarkovski, Alexander Sokurov, Terrence Malick o Zhang Yimou, y en la capacidad documental del cine frente a la naturaleza subjetiva de lo pictórico. Este elemento documental y su contenido preceden el trabajo al óleo y configuran su esencia conceptual. Los fotogramas detenidos que José Antonio renueva e intensifica al pintarlos convocan la presencia del paisaje desde la naturaleza artificiosa de la imagen fílmica. Con ello crea una posmoderna visión romántica del paisaje en plena efervescencia del poder de los media con la que el artista denuncia lo raquítico de la uniformización del pensamiento dominante. Es esa visión que ya no será nunca inocente la que nos increpa y nos hiere suavemente primero, hondamente después cuando al contemplar los cuadros de esta instalación se nos revela esa pérdida ¿irreparable? para el individuo que ya no puede habitar una visión original. Sin embargo, pese a esto, el artista invita a contemplar sus cuadros de paisajes lejanos desde la distancia imprecisa de la ventana de una casa, el borde de un camino, la esquina del cuadro, o la butaca del espectador de cine. Los cuadros Mist, Railroad o Mar de niebla son ejemplo de ello: “porque para nosotros el cine ya ha construido esa imagen y toda su secuencia en la atmósfera de una pintura que se hubiera puesto en movimiento”[3].

Un paisaje extraído de una película pasado después a imagen impresa y finalmente al óleo sobre un papel, ¿qué nos dice? En esta exposición José Antonio Ochoa ha realizado un proyecto artístico que apuesta con claridad por la construcción de imágenes llenas de belleza y emoción por el paisaje de tierras lejanas a cuyo través alienta del presente y de su trascendencia, y se sitúa en una sensibilidad común a la obra de otros artistas contemporáneos como Olafur Eliasson o James Turrel, cuyas instalaciones The weather Project (2003) o Skyspaces (2005), respectivamente, admira, pues coinciden en invocar el concepto de lo sublime y actualizar su sentido en nuestros días. Su actitud como artista supone un posicionamiento de resistencia a la Cultura de producción y consumo, y su inercia deshumanizadora. Resistencia y propuestas de cambio es el poso que queda al mirar con detenimiento estos cuadros ligeros y cuidados, sosegados y cargados de profundidad que señalan en la dirección opuesta al paradigma que nos engulle. Con ello, como sabiamente reflexionaba Paul Valery, quizá se pueda devolver su rasgo de inutilidad al arte y con ello su carácter sagrado. Así también el proyecto Ut Pictura Kinesis bebe de un arte de la imagen que en España tiene entre sus artistas más señalados a Chema López, Alain Urrutia, Hugo Alonso o Simeón Saiz. La naturaleza dialéctica de la imagen, su vínculo irrefutable con la memoria iconográfica y la construcción del pensamiento visual están en la investigación plástica e intelectual del proyecto de José Antonio, a la vez que en su impulso vital. Cine y pintura han intercambiado autoridad documental y estética hasta hermanarse, como en estos bellos fotogramas pintados.

“Recurrimos al cine no sólo por la pasión que sentimos por el séptimo arte, más aún, porque las imágenes que hemos encontrado en el cine nos han cautivado hasta el punto de querer suspenderlas en el tiempo, para poder disfrutar de ellas fuera de su movimiento, tiempo y espacio; para poder contemplarlas –a diferencia de cómo se podría contemplar el cine– en pausa y en silencio.(…) Otro motivo para tener como referente al cine y no a la naturaleza, es la capacidad del cine de contar historias con imágenes, la narración, el misterio y sus personajes; todos estos aspectos han sido esenciales en la realización de este proyecto” [4]

El cine se ralentiza en la obra de Ochoa para mostrar la dimensión emocional que puede asemejarse a la contemplación in praesentia. Pérdida y belleza se unen en estas pinturas repletas de una nostalgia anunciada. El paisaje reencontrado y vuelto a perder para volverlo a reencontrar en la experiencia estética del arte. Podría parecer paradójico tal vez esta distopía de un paisaje construido como objeto simbólico y el individuo que lo contempla como índice metonímico, así como la experiencia de la presencia mediante la experiencia del arte, pero es que a fuerza de naturalizar la imagen en la sociedad globalizada que malvivimos, a punto de constreñirse un imaginario común sin vestigios de individualidad posible, esta contradicción es en sí el hecho que al artista inquieta, porque tal vez el arte crea en nuestros días un simulacro ya estetizado que es la única fuente de la posibilidad de dar con la emoción, frente a la fuente viva de un mundo que pierde a grandes pasos su capacidad de ser refugio.

Rosa Martínez-Artero

Valencia, 23 de enero de 2017

 

[1] El Tratado de la lejanía de Antonio Prete ha tenido gran peso en el desarrollo de este proyecto.

[2] El título del proyecto proviene del cineasta español José Luis Guerín, quien da un nuevo giro a la frase del poeta Horacio Ut pictura poesis (cómo la pintura así la poesía) y la transforma en Ut pictura kinesis. La sentencia horaciana, con origen en Simónides de Ceos: “la poesía es pintura que habla y la pintura poesía muda”, equipara a ambas artes, tanto por su capacidad de producir goce estético como por su cualidad de representar lo visible. Se puede entender con la frase de Guerin “como la pintura así el cine” que el cine ha tomado la experiencia estética y el testigo de representar lo visible; ahora es quien documenta la vida; Sí, la pintura ha dejado de ser exclusivamente una representación de lo visible, pero eso no significa que haya perdido dicha facultad; precisamente porque aún es capaz de hacerlo, en este proyecto podemos tratar, desde la misma pintura, su relación con el cine. Remitiéndonos a la frase de Simónides, podríamos decir que: “el cine es pintura en movimiento y la pintura cine suspendido en el tiempo”, en este sentido decimos Ut Pctura Kinesis. (Ochoa C, José Antonio, Ut Pictura Kinesis: Silencios de cine. Pinturas de celuloide, Trabajo Final de Máster, Universidad Politécnica de Valencia, p. 7)

[3] Ochoa C, José Antonio, Ut Pictura Kinesis: Silencios de cine. Pinturas de celuloide, Trabajo Final de Máster, Universidad Politécnica de Valencia, p. 48

[4] Ibídem, p.14.

 


 

Biografía

José Antonio Ochoa nace en México D.F. en 1990. Es en la ciudad de Querétaro donde vivirá hasta comenzar sus estudios universitarios. Desde muy temprana edad surge en él un interés por el arte, en especial por la pintura. En 2009 obtiene la Beca que le permitirá realizar sus estudios en Arte. En 2010 viaja a Chicago (EEUU) para participar en distintos cursos en la American Academy of Art. En 2011 se traslada a Sevilla para comenzar la carrera de Bellas Artes. Es en la capital andaluza donde recibe una sólida formación académica. En 2013 es acreedor a una Beca SICUE y se traslada a Valencia para continuar sus estudios en la Universidad Politécnica de Valencia, graduándose en Bellas Artes dos años después en esta Facultad. En 2017 termina el Máster en Producción Artística también en la Universidad Politécnica de Valencia. Si bien se ha dedicado con mayor atención a la Pintura, en los últimos años ha comenzado a trabajar en el ámbito de la Escultura, trabajando con diferentes materiales, como piedra, metal, resina o madera.

Ha realizado diversas exposiciones en Londres, Edimburgo, Helsinki, Sevilla, Valencia, Zaragoza, Logroño, Madrid, Chicago, Ciudad de México y Querétaro, . También ha sido seleccionado en distintos certámenes de pintura, como el PB Portrait Award, Premio de Pintura BMW, el Premio de Pintura de la Fundación Mainel o el Premio de Pintura Joven IberCaja, entre otros.

Actualmente tiene obra en el Museo Europeo de Arte Moderno (Barcelona), así como en colecciones particulares de México, Canadá, Israel, Nigeria, Finlandia, EE.UU. y España.


Inauguración: 9 de febrero de 2018, 20:00

Permanencia: 1º de abril de 2018

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CURSO “ARTE, MITOLOGÍA Y RELIGIÓN”

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro a través del
Museo de Arte de Querétaro y el Voluntariado Docente del MAQRO, invita al:

Cipariso fue un joven nacido en la ciudad de Quíos. Fue adorado por el dios Apolo quien le brindó la compañía de un hermoso ciervo sagrado con la punta de sus astas de oro. Un mal día Cipariso por error lanzó una jabalina que atravesó y mató a su amado ciervo, causándole tal dolor que decidió llorar por siempre su luto.

El dios Apolo se compadeció de su querido amigo y lo convirtió en el árbol del Ciprés, para que desde su copa mirara al cielo y de su erguido tronco brotaran sus lágrimas. (resina) Por ello el árbol del Ciprés se consagra al luto por los muertos, y en la tradición latina en los campo santos se siembran cipreses, como un símbolo de la tristeza y el dolor por la pérdida de los seres queridos. ( Ovidio, Las metamorfosis)


Imparte: Mtro. Roberto González García

Dirigido a jóvenes y adultos

Periodo: Lunes. Del 12 de febrero al 30 de abril de 2018 (2 Módulos)

Módulo 1: 12, 19, 26 de febrero / 5 de marzo

Módulo 2:  9, 16, 23, 30 de abril

Horario: 10:30 a 12:30 h

Cupo mínimo para abrir los cursos: 15 asistentes.

Donativo: $1000.00 por módulo (10% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM)

Es indispensable reservar su lugar previamente vía telefónica o correo electrónico.

Se otorgará constancia con el 80% de asistencia.

Informes e inscripciones:
Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur, Centro Histórico, Querétaro, Qro.

Tel.: (442) 2 12 23 57 y 2 12 35 23 ext.3

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Taller experimental de pintura infantil “El renacuajo”

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro a través del
Museo de Arte de Querétaro y el Voluntariado Docente del MAQRO, invita al:

Taller experimental de pintura infantil: EL RENACUAJO
Pintura y creatividad para los grandes pintores

Imparte: Laura Cortés Flores
Edades de 4 a 12 años
Todos los sábados del mes (taller permanente)
Dos horarios: de 10:00 a 12:00h y de 12:30 a 14:30h
Donativo: $600 mensuales / Descuento a hermanos / Incluye material

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