DIÁLOGOS CON EL MUSEO: “EL ESPÍRITU ROMÁNTICO EN LA ERA DE LO EFÍMERO”

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro a través del Museo de Arte de Querétaro, en colaboración con la Asociación de Amigos del MAQRO, invita:

Diálogos con el Museo:
El espíritu romántico en la era de lo efímero

 

 

Participan:
Dr. Vicente López Velarde, Mtra. Andrea Avendaño,
Filósofo José María Guadalupe Cabrera Hernández y Roberto González

Miércoles 29 de Marzo 2017
19:00 h
Entrada libre

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur, Centro Histórico, Qro, Qro.
Tel.: (442) 2 12 23 57 y 2 12 35 23
http://www.culturaqueretaro.gob.mx
Horario del museo: de martes a domingo de 10:00 a 18:00 h
*Ver imagen adjunta
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“GRAN FORMATO. ALAN ALTAMIRANO”

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
le invitan a visitar la exposición

“Gran Formato”
de Alan Altamirano

ALAN ALTAMIRANO MK CABRITO
SEMBLANZA

Nacido en Oaxaca en 1988, inició su carrera artística a la edad de los 16 años, tomando clases de dibujo y pintura en la Escuela de Bellas Artes. Posteriormente ingresa a la Licenciatura en Artes Plásticas y Visuales en la Universidad Autonóma “Benito Juaréz” de Oaxaca, ahí es donde emprende su formación académica, adquiriendo conocimientos de maestros como Raúl Herrera, Claudio Sánchez y en especial del maestro Shinzaburo Takeda quien le enseña las técnicas tradicionales de grabado en madera (xilografía). Al paso de su formación como estudiante viaja a Xalapa Veracruz a una residencia en la Ceiba Gráfica donde aprende grabado en metal y las técnicas de litografía y dibujo con el maestro Per Anderson, adquiere conocimientos tomando diversos talleres como: serigrafía, fotopolímero, grabado en metal, Mezzotinta , Litografía en seco, entre otras.

A sus 28 años de edad a expuesto en países como Francia, Taiwán, Italia, Cuba, Serbia, España, Rumania, Japón, China, Estados Unidos, Argentina, y México. Tiene 17 exposiciones individuales y más de 50 exposiciones colectivas, seleccionado en concursos nacionales e internacionales en la rama de la grafica entre los que destacan: International Biennial Print Exhibit: 2016 ROC (Taiwán), Trienal Guanlan International Print Biennial a Collection of Print (China), 12.Th International Biennial of Engraving Premio Aqui (Italia), IX Trienal Internacional de Grabado Kochi (Japón) generador de proyectos como la “Carpeta Internacional de Grabado Raíces”, becario por parte de la Secretaria de las Culturas de Oaxaca. Cofundador del Taller Gabinete Gráfico 2011, fundador del Taller de Gráfica “La Chicharra” 2014, en el 2015 abre la Galería Bel y recientemente inauguró el Taller Oaxaca Gráfico.

La temática de su obra se centra en una combinación de elementos de la naturaleza, agua, fuego, aire, tierra y retratos de mujeres. MK Kabrito plasma en sus obras la pureza espiritual que percibe en las personas.

Actualmente trabaja en el Taller de Grafica la Chicharra, Oaxaca.

 

LÍNEAS INFINITAS

Dicen algunos que las líneas no existen en la naturaleza, que son una invención humana para fijar bidimensionalmente las tres dimensiones de aquello que nos rodea, para aprehender conceptualmente los volúmenes y construir nuestras limitadas comprensiones de la complejidad. Hoy parece que todas las líneas han dejado de ser claras y sencillas para tornarse redes, marañas, madejas, contextos más o menos indescifrables. El concepto de linealidad de la historia explotó hecho añicos con las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki. Hasta las líneas fronterizas, siempre interesadamente artificiosas, no dejan de ser inagotable fuente de conflictos.

Precisamente los viajes a diferentes naciones, las experiencias vividas y las personas conocidas han sido el caldo de cultivo del que surgen el conjunto de obras que componen esta exposición. Como un correlato gráfico del vuelo del avión que traza blancas y evanescentes paralelas sobre la bóveda celeste, las líneas de negra tinta siguen ocupando el protagonismo esencial del quehacer plástico de Alan Altamirano. Líneas que giran vertiginosas, sin cesar, se curvan, tensan, concentran y expanden en un juego constante de conformación de un espacio singular de profundas raíces autobiográficas y simbólicas. La presencia recurrente de la figura femenina sigue ofreciendo esa dimensión central, geológica, cósmica, matizada cada vez más por el peso de la narración que se va desplazando hacia esos fondos cargados de elementos de diversa naturaleza, analítica, geométrica, simbólica, autobiográfica, representativa, onírica… Resulta especialmente complicado, y seguramente estéril, tratar de establecer un solitario hilo discursivo, unívoco, unidireccional. Antes por el contrario, conviene desplazar sin complejos y sin ataduras nuestra visión -a buen seguro entre fascinada e hipnotizada- y seguir el juego apasionante de arabescos bellamente cincelados, de trazos orgánicos y organizados que nos conducirán por superficies de cuerpos femeninos, por selvas de cabellos poderosos y melenas de lianas trepadoras, por laberintos ópticos y composiciones siderales, por rostros soñados de arquetipos ignotos, por simetrías especulares de azogues oscuros e impenetrables.

Líneas envolventes que surcan el aire y los sueños, las aguas y las pesadillas, los montes en los que resuena el eco de cuevas abandonadas desde los albores de los tiempos. Líneas que se expanden como sonidos de arenas movedizas, líneas ensanchadas en el yunque donde se templan las mejores aleaciones. Formas, signos y palabras, se entretejen con la pericia exquisita de quien domina la técnica de la talla más allá de las herramientas, del tamaño, de las horas arrancadas a los días infatigables. Hay mucho de ritual en estas biografías imaginarias pobladas de recursos, de soluciones, de claves interpretativas, de gestos hechos huella, de energía en movimiento que nos conmueve con su vibrante contraste de luces brillantes y negros profundos como noches estrelladas. Aires de libertad, que fluyen entre los blancos del papel y los espacios vacíos que esas líneas infinitas modulan en una sorprendente escala de grises. El blanco de la pureza, de la espiritualidad oriental, enmarca unas composiciones de extraordinaria y sorprendente complejidad en las que la tinta corre por los poros a flor de piel, por las flores incontables, por los símbolos inventados, por los gestos detenidos, por los esquemas fractales. Totalidad fragmentada a cuyo abismo podemos asomarnos atónitos e impávidos.

Grabados de fuerzas elementales en los que vislumbramos el reflejo inquietante de estos hilos mágicos de fuego y aire, de plata y azabache.

Juan Bautista Peiró
Diciembre 2015

 

 

Inauguración: 23 de marzo de 2017, 20:00

Permanencia: 7 de mayo de 2017

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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“EL ECLÉCTICO DALTONISMO” DE CARLOS VIVAR

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a través del Museo de Arte de Querétaro,
le invitan a visitar la exposición

“El Ecléctico Daltonismo”
de Carlos Vivar

CARLOS VIVAR
Semblanza


Nació en 1964 en la Ciudad de México. Su obra refleja una extraña combinación de pasión y dulzura, ficción y simbolismo sobre arenas y mezclas de colores en distintas texturas llenas de emoción. Son obras que cautivan. Sus creaciones son maduras con sabor a fiesta. Vivar es pintor y escultor, autodidacta, creativo y figurativo.

A partir de los 12 años de edad inició a pintar de manera autodidacta. Posteriormente inició sus estudios en Diseño Gráfico en la Universidad Anáhuac, en la Ciudad de México. De 1985 a 1987 vivió en Europa dónde estudió una maestría en Informática, trabajando para pagar sus estudios. Cuando regresó a México es como director de una agencia de publicidad.

Ha participado en más de 50 exhibiciones colectivas y 100 exposiciones individuales en galerías, museos y centros culturales de México, Estados Unidos, Suiza, Suecia, China, Italia, Inglaterra, Bruselas, Luxemburgo, Honduras, Belice, El Salvador, Costa Rica, etc.


La pintura puede afectarnos de diferentes formas: es capaz de sumirnos en una profunda tristeza, o ser provocadora, ácida y provocarnos rabia, coraje… o puede ser cálida y seducirnos de tal forma que solo tengamos ojos para ella. Sin embargo, si hay algo que caracteriza a la pintura es el color.

Y es el color uno de los principales elementos en la obra de Carlos Vivar, artista mexicano que hace confluir en su obra una paleta llena de energía, de intensidad con elementos de la vida cotidiana como toreros, bicicletas o edificios, conformando una estructura compositiva fresca y lúdica. El despliegue rítmico de las siluetas de los diferentes elementos figurativos genera un primer plano que es complementado por mezcladas capas de colores, creando una superposición de superficies que le otorgan una peculiar profundidad a las piezas.

La riqueza plástica contenida en la obra de Vivar, nos hace pensar en la riqueza cultural del artista, al integrar múltiples referencias de diferentes orígenes se genera un aspecto universal donde cualquier espectador puede encontrar un motivo para sensibilizarse con las piezas. El carácter festivo que transmite la pintura de Vivar es reflejado también en sus esculturas, donde vuelven a confluir magos, ruedas y caballos, que coquetean con la delgada línea que separa a lo real de lo surreal.

Rodrigo Luna / Crítico de Arte
Museo de Arte Moderno, Ciudad de México.

Inauguración: 16 de marzo de 2017, 20:00

Permanencia: 14 de mayo de 2017

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Curso Intensivo de Plastilina para jóvenes ilustradores-ilustrados

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro a través del Museo de Arte de Querétaro en colaboración con el Voluntariado Docente del MAQRO, invita al:

Curso Intensivo de Plastilina para jóvenes ilustradores-ilustrados

Dirigido a jóvenes interesados o con conocimiento en técnicas de ilustración, diseño gráfico, artes visuales y plastilina

Imparte: Mtro. Leonardo Mendoza Reyes 

Lunes 27 al viernes 31 de Marzo 2017

Horario: 15:00 a 20:00 h

Jóvenes de 15 a 30 años

Entrada libre, previa inscripción en taquilla del museo

No incluye el material 

“ANTIMONUMENTO アンチモニュメント” DE SHINPEI TAKEDA 竹田信平

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
en colaboración con R-Arte,
tiene el honor de invitar a usted
a la inauguración de la exposición:

アンチモニュメント
ANTIMONUMENTO

del artista japonés

竹田信平
SHINPEI TAKEDA

 

invitacion-shinpei-takeda

ANTI-MONUMENTO

La exposición Anti-Monumento del artista japonés Shinpei Takeda es un ejercicio sobre lo indecible —poderoso en su fragilidad— de la capacidad de la memoria como exploración de los alcances de la destrucción, más allá de un tiempo y espacio determinado. Su origen está en las secuelas de la explosión de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki durante el verano de 1945 que, brutalmente, llevaron a término la Segunda Guerra Mundial.

Desde 2005 el artista ha venido recuperando los testimonios de los pocos sobrevivientes de las bombas atómicas. En su obra Takeda utiliza medios múltiples (video, instalación, audio, escritura, medios digitales, documentales) y materiales diversos (tinta, hilo, papel, cartón, madera, sonido) para crear “anti-monumentos”, buscando la recuperación —fundamental pero esquiva— del recuerdo, la palabra, la voz y, finalmente, esa esencia vital que —a pesar de todo— pervive en nuestro interior y nos da la fuerza necesaria para seguir existiendo.

¿Qué es lo que puede recuperarse de una destrucción avasallante y qué significa esa “recuperación” para el pasado (testigo) como para el presente (público)?
¿Cómo dar resonancia a esos testimonios de sobrevivencia si no es a través del cuerpo propio en la obra de arte? ¿Qué clase de memoria es la que hoy día podemos hacer evidente, en una era dictada por el cambio incesante y la inalcanzable potencia de la velocidad que demanda el cambio —tan (in)consciente como (in)consecuente por esa propia volatilidad que somos e intentamos habitar?

Cuestionamientos como éstos han guiado la obra de Shinpei Takeda desde el proyecto Decaimiento Alfa (2010), hasta su más reciente obra, Decaimiento Beta 7 (2015), una de las piezas que en este espacio nos entrega. Las tres instalaciones que conforman esta muestra son el resultado de una búsqueda incesante, profunda, genuina y completamente dispuesta a recibir el dolor del otro —sabiendo que sólo es posible “escucharlo” desde el desnudamiento total del dolor más íntimo de quien lo recibe. Y honrar su memoria en consonancia con esa férrea fragilidad que no resuena en los majestuoso monumentos históricos —carentes, hasta la obscenidad, de sentido y lugar en el presente—, sino en el interior “anti-monumental” de cada uno, en cada instante de lucha por seguir vivos.

Marcela Quiroz Luna

 

Al escuchar las historias de esas personas, y permitirnos reverberar con sus voces, podemos, nuevamente, respirar vida al interior de una memoria congelada.

Una vez vuelta a la vida, la memoria nos guiará dándonos hilos con los que podremos, una vez más, tejer nuestro futuro, aun desconocido. Shinpei Takeda

(Cita tomada de “Anti-Monument Manifest” [Manifiesto Anti-Monumento] escrito por el artista con motivo del 70 aniversario de las dos detonaciones/devastaciones atómicas en Japón.)

www.shinpeitakeda.com

Inauguración: 26 de enero de 2017, 20:00

Permanencia: 23 de abril de 2017

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“AQUÍ Y AHORA” DE JONATÁN OLVERA

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“Atmósferas Místicas”
de Ramsés de la Cruz

 

invitacion-jonatan-olvera-1

Jonatán Olvera

Nacido en la ciudad de Santiago de Querétaro en el año 1979, es Licenciado en Artes Visuales con especialidad en Artes Plásticas por la Universidad Autónoma de Querétaro. Tiene estudios de Postgrado en los Talleres de Arte ARAUCO en Chinchón, Madrid con el maestro del realismo chileno Guillermo Muñoz Vera. Asimismo ha tomado cursos con los maestros Santiago Carbonell y Arturo Rivera.

De entre sus exposiciones individuales se pueden mencionar: Tarot de la Lucha Libre, en el Museo El Centenario de San Pedro Garza García en el 2012, Entre el Espacio y el tiempo, en el Museo de la Ciudad de Querétaro en el 2001, La persistencia de la realidad en la Galería DRT en el 2009, Junio 20, 2003 en la Galería Libertad de Querétaro, y Ahora, en la Galería Impulso en el 2016.

Ha participado en exposiciones colectivas como la Exposición de Navidad, en la Fundación ARAUCO en Chinchón, Madrid en el 2005; Homenaje a Van Gogh, en la Galería Universitaria de la UAQ en el 2003, y en Mirando Nuestro Pasado en el Centro Cultural Plaza Fátima en Garza García, Nuevo León en el 2013, entre otras.

Es catedrático de la Universidad Autónoma de Querétaro impartiendo la materia Dibujo, Análisis y Composición de Obra para la Facultad de Bellas Artes desde el año 2009; así mismo ha dirigido diversos cursos en el centro del país donde enseña la técnica del óleo en dirección hacia el hiperrealismo.
Ganador del Premio Arte Joven de Aguascalientes en su edición número XXII, Jonatán Olvera explora la pintura en torno al realismo contemporáneo, enfocando su temática hacia el paisaje, la figura, la percepción de lo que llamamos realidad y el encuentro con la realización espiritual.

Recientemente su obra Al cielo se llega con la mente abierta y las manos vacías ha sido adquirida por el MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno) de Barcelona para su colección y exhibición en sala, donde comparte espacio con los mejores pintores del realismo contemporáneo a nivel internacional.

 
Aquí y ahora son una dimensión de existencia

La naturaleza esencial de una obra de arte es la de ser una Estructura de Información, esto significa: ser un entretejido de Formas que al intersectarse con una consciencia atenta y despierta genera significados; entendida de esta manera, una obra de arte cuando es excelente, trasciende una discursividad meramente pictórica para generar un discurso complejo y simbólico que recrea significados múltiples y explora temas diversos. La obra de Jonatán Olvera inquiere sobre nuestra mundanidad posmoderna y ligera, en el sentido que da Gilles Lipovetsky a la ligereza de nuestra sociedad y también sobre el carácter líquido de nuestra naturaleza histórica contemporánea de acuerdo a Bauman, sin embargo, trasciende ambas ideas proponiendo más bien a la ligereza en el sentido de la elevación espiritual, una elevación que flota y se transmuta. Olvera se instrumenta de símbolos para recrear nuestra mitología y lenguaje, por ejemplo con la iteración de la forma femenina, que no es otra cosa que el espíritu en sí, uno que surge con fuerza y delicadeza. No usa símbolos de alguna religión en particular para exponer su idea de la elevación, la hace accesible al hombre del mundo con los símbolos de su propia cotidianidad. Esta colección dice algo, y de facto algo importante, el aquí y el ahora son una dimensión de existencia, una a la que se entra por decisión y voluntad.

Roberto Rosano Lara

Inauguración: 19 de enero de 2017, 20:00

Permanencia: 19 de marzo de 2017

Museo de Arte de Querétaro
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“ATMÓSFERAS MÍSTICAS” DE RAMSÉS DE LA CRUZ

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“Atmósferas Místicas”
de Ramsés de la Cruz

atmosferas-misticas-rc-email

 

RAMSÉS DE LA CRUZ SEMBLANZA

Con 21 años de trayectoria artística, cuenta con 10 exposiciones individuales y más de 150 colectivas a través del país y el extranjero, ha transitado por los lenguajes de la escultura, lenguajes alternos como el arte objeto, ready made, la instalación, la pintura en el tenebrismo metafísico, el realismo simbólico y actualmente el realismo trascendental.

Entre sus distinciones se encuentran el Premio Nacional “ Jovenes Creadores “ , El Premio “ Arte Joven “, el “ Premio Alejandrina a la Investigación y la Creación “ , recientemente en Julio del 2011 recibió la Presea Germán Patiño por parte del H. Ayuntamiento de Querátaro como reconocimiento a la calidad y trayectoria profesional en el aniversario de la Ciudad.

Su obra se encuentra en colecciones nacionales e internacionales, trabajando actualmente con galerías de la ciudad de México y locales, parte de su tiempo lo ha dedicado a la docencia que durante 15 años ha desempeñado, tanto en su estudio como en Institutos de Arte, Galerías y Museos.

 

RAMSÉS DE LA CRUZ. DE LA PINTURA CLANDESTINA

Juego de luces, juego de espejos, esplendor de los brillos, milagro de presencias seculares que comparecen entre sombras de luz, sombras de luz que permiten establecer la correspondencia lírica y abismal de los motivos considerados. De esta manera la pintura desata límites, corre riesgos y propone permutas; da cuenta de una ruptura de los modos convencionales de ver. Estallan perspectivas inesperadas, ajenas a toda voluntad de ordenamiento ocularcéntrico; perspectivas en picado, disparadas a todos los puntos cardinales, por arriba y por abajo, sin que falte el juego de espejos que multiplica un determinado motivo multiplicando, a la vez, en una espacie de clonación que genera diferencia, las formas potenciales contenidas. Un plus de realidad, sin duda; una organización original de la percepción del espacio pictórico que nos permite acceder a una abundancia insospechada de texturas, colores, formas, claroscuros, emplazamientos espaciales, empujes dinámicos.

Ramsés no pretende, ni muchos menos, reproducir una mirada unívoca, restrictiva, de los objetos, sino disponer un territorio multipolar de “posibilidades de interpretar un suceso”. Suceso, que no orden. De allí que Ramsés desmorone jerarquías, establezca correspondencias, deje en suspenso lo inabarcable en plena abundancia figurativa. Valga la paradoja, Ramsés pone en manos de la intensidad tenebrista la tarea de des-cubrir la presencia-ausencia de las cosas con miras a “lograr la iluminación”. Presencia-ausencia donde lo más insignificante se debe a lo reuniente. Cuadros vivientes en que la sombra de luz destrona a la iluminación homogénea, eidética, clasicista, racional.

Todo ello realizado en una época presidida por el desdén de lo sagrado y el silencio de los dioses. Nos explicamos, entonces, que baste una mínima emancipación de la mirada para ver, compartir y celebrar.

Jorge Juanes

Visite la página de Ramsés de la Cruz:

www.ramsesdelacruz.com

 

Permanencia: 19 de febrero de 2017

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“EL OTRO MURO” de Amador Montes

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“EL OTRO MURO”
de Amador Montes

 

invitacion-amador-montes-1

 

Ahora Amador nos viene con una dimensión más universal, abarcando mucho más con su mirada profunda y nos regala El Muro, una obra que pretende, mediante juegos de intercambio y conceptos de unidad, lo que puede ser el mundo de hoy sino fuera porque está concebido por la especie humana y no por su cosmos de insectos, aves, en fin… de pequeñas cosas que habitan y conviven maravillosamente en nuestro planeta y en la mente de Amador, que esta vez, para mi gusto, ya se ha convertido en un poeta de la plástica a niveles extraordinarios.

PABLO MILANÉS

 

 

El muro es milenario, es fortaleza primigenia, en él se adhieren las historias con perseverancia, por él pasa el tiempo, el clima lo desgasta, señala el espacio, es inicio y final. Sobre un muro podemos descansar, sobre un muro pedimos perdón, soporta nuestras huellas, recibe inscripciones, es una piel pétrea en la que se graba nuestra presencia. La obra de Amador Montes investiga en un Muro mutable como soporte de su pintura y nuestra contemplación, un Muro que con lienzos reproduce la textura de esa construcción eterna que está ahí para contenernos.

LA CICATRIZ Y EL TRAZO

Amador Montes esgrafía el Muro, lo hiere, dibuja sobre la superficie con un arma, lo lastima con sus líneas, rompe las capas de pintura para dejar su propia voz, que no se escucha, se ve. Este Muro es un lienzo, es una ficción y lo llama por su nombre para que el lienzo se identifique con lo que es, escribe EL MURO, lo repite, le dice: eres eso y no otra cosa, eres el tema y la forma, el soporte y la idea. Amador dibuja sobre ese Muro y lo que hace es una confesión, se deshago sobre él, lo obliga a que cargue con sus sueños, sus dolores, sus ganas de pintar. El Muro soportó a Amador, le permitió usarlo, desgastarlo, desechar fragmentos, con furia y con delicadeza. Sobre un muro se cuelga un cuadro y Amador mete el Muro dentro del cuadro. El Muro es paciente y Amador lo martiriza para después acariciarlo con colores, con caligrafía, recuerdos, dibujos de enseres cotidianos y de pájaros, para decirle que lo ha elegido como depositario de su pintura, de lo único que él tiene para satisfacer su necesidad de manifestarse con colores, pigmentos y dibujos. Amador es su pintura y el Muro es ese libro expuesto de su vida creadora, de su propia historia.

AVELINA LESPER

 

Permanencia: 8 de enero de 2017

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“DIÁLOGOS ENTRE LUZ Y MATERIA” DE EDUARDO CHILLIDA BELZUNCE

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“DIÁLOGOS ENTRE LUZ Y MATERIA”
de Eduardo Chillida Belzunce

Invitación CHILLIDA

Eduardo Chillida Belzunce nace en San Sebastián el 15 de marzo de 1964. Hijo de el escultor Eduardo Chillida y Pilar Belzunce, es el menor de ocho hermanos.

Desde bien pequeño Eduardo muestra interés por el arte. Así, con cuatro años realiza su primera escultura con tierra que le da su padre.

Estudia en la Escuela de Artes de Deba, el Círculo de Bellas Artes de Madrid donde recibe clases del pintor Antonio López, y la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. Comienza enseguida a dedicarse primero a la escultura y posteriormente también a la pintura.

En 1985 Eduardo tiene un terrible accidente en moto que le hace permanecer en coma un mes y medio. Contra todos los pronósticos médicos, Eduardo consigue salir de ese túnel oscuro, recuperar el habla, andar, y con mucho esfuerzo, incorporarse de nuevo a la vida normal. Por culpa de la parálisis de medio lado que sufrió tras el accidente se ve obligado a volverse zurdo para poder continuar con la pintura y dejar de lado la escultura.

En 1988 realiza su primera exposición individual en Galería 16 de San Sebastián.

A lo largo de toda su carrera, Eduardo ha expuesto en numerosos lugares dentro y fuera de España como Alemania, EEUU, Finlandia, Italia, Inglaterra, México o Siria.

En 2011 retoma la escultura. Con gran esfuerzo y la ayuda de una sola mano, realiza durante ese año una docena de esculturas y en 2015 da un paso más, realizando seis grandes esculturas en bronce a escala humana.

 


Estar seguro de uno mismo nunca es malo. De lo que no hay que estar seguro nunca es de cómo va a ser el próximo cuadro.

En mis pinturas, las perspectivas y los espacios vienen muy dados. En el fondo es lo mismo esculpir que pintar. Lo mismo que da la chispa a una cosa, da la chispa a la otra.

La luz es la que con sus sombras se hace mi verdadera maestra.

 

Entre un rosa
no muy rosado y el viento,
flotan rojos, blanco y tiempo.

Entre un rosa
y otro rosa,
qué distintas maneras
de pasar el momento.

Entre un rosa
y el tiempo,
el tiempo pasa
a ser un momento.

Conversaciones entre
el rojo y el viento
polvo, sequedad
y todos los agentes
que hay en ese momento.

Conversaciones que mantenemos
solos, completamente en serio
no son sino un trazo
entre el rojo
y el sentimiento

Eduardo Chillida Belzunce

 


Jueves 3 de noviembre de 2016

Permanencia: 4 de diciembre de 2016

Recepción: 20:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
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“EL MISTERIO DE LA TRISTEZA. WUERO RAMOS”

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a la inauguración de la exposición

“EL MISTERIO DE LA TRISTEZA. WUERO RAMOS”

Wuero Ramos email

WUERO RAMOS: EL PAISAJE COMO DECLARACIÓN DE PRINCIPIOS

El paisaje es un lugar imaginario, el paisaje no tiene una localización física, está en la mente del artista. Vivimos en un sitio, lo habitamos sin apenas conocerlo, acostumbrados a estar, dejamos de mirar el entorno, de estudiarlo, de comprender qué sucede con sus cambios y con su evolución, su constante transformación. El pintor observa, roba elementos, se los lleva en la mente, un terreno, unos árboles, el espacio urbano depredado y martirizado por la sociedad y con eso construye, crea un sitio que únicamente podemos ver en su obra. Wuero Ramos no vive el espacio ni camina por la calla, ni recuerda, como lo hacemos la gran mayoría, él está reteniendo en su mente, en su obra, los sitios que sean capaces de estar en su lienzo. Es un testigo invisible que está presente en los días después de la lluvia, en el lugar urbano que sin conocer la belleza comienza su degradación, en la hierba que crece entre las placas de concreto, en el brillo del agua estancada de un parque abandonado. La belleza del lugar no es la que determina la belleza de la obra. Las grandes perspectivas, las panorámicas de vista portentosas de la naturaleza no crean arte en un paisaje, no crean belleza con un concepto trascendental; las fotografías publicitarias de lugares paradisiacos son testimonios seductores; la pintura de paisaje va más lejos, persigue hacer de un espacio la representación de una idea de la realidad, de la forma de vivir y habitar un lugar y del significado que ese sitio ocupa en la existencia. Eso lo estudia con devoción creadora Wuero Ramos; al ver las pinturas sabemos cómo vive el espacio y cómo es capaz de abstraerlo de sí mismo para insertarlo de nuevo. La realidad de Ramos no existe ni para el espectador ni para nadie, y si la vemos es porque él la ha creado.

Avelina Lésper
(fragmento)

 

UNA CATEDRAL DE LIBROS SIN NOMBRES

El Wuero es, entre otros aspectos, un pintor de atmósferas. Lo atestiguan Catedral de libros y Librería de Viejo. Si en la primera predominan los tonos sepias en la segunda todo es rojo, como si se tratara de un fuego levemente apagado. Y se debe decir con estas palabras sin temerle al elogio ni al modo coloquial: son dos cuadros de gran formato, impresionantes, magistrales. Y son también excesivos, sí, propositiva, ritualmente excesivos, en el mejor sentido del término […] El Wuero llama a las librerías de viejo “mausoleos” y sí, son un poco eso, lugares donde los libros se ubican en el desvío perdiendo su sentido originario y penetrando en la línea gris del anonimato, de aquello que se diluye en los límites entre la vida y la muerte mientras una fina arenilla desliza del cuerpo del libro hacia la nada.


(Antes de conocer sus cuadros más recientes) yo tendía a afirmar que Miguel Ramos era un paisajista a ultranza, a excepción de los juegos de frontón y del increíble Volkswagen arrumbado contra una pared con un mendigo durmiendo en su interior… pero antes están los lienzos cuyo tema es el frontón. Éste es un conjunto que Ramos ha realizado alternando con los paisajes. Ubicada en la periferia, entre los límites sociales y geográficos de la ciudad, ahí donde la urbe come, calcina sus márgenes, la serie acciona dos elementos vertebradores: la figura humana y la presencia quieta del grafiti […] esas obras instituyen un múltiple escenario. El primero, mediante un giro metapictórico, fusiona o empalma dos categorías artísticas… el grafiti y la pintura que lo contiene. Es esta, la pintura, una primera instancia de lo real y es, al mismo tiempo, una disciplina institucionalizada. El grafiti, por el contrario, nace en la periferia y, aunque en la actualidad posee una relativa legitimación, sigue conservando su sello de origen.

 

Lelia Driben
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LOS MISTERIOS DE LA TRISTEZA

Las pinturas del Wuero Ramos… son, fundamentalmente, una lograda búsqueda estética que se atreve a encontrar la belleza donde no la hay o se reconoce.

Un mundo hecho de sus imágenes o visiones existenciales… donde, como espectadores, sentimos la tentación de perdernos: explorar a solas esos parajes urbanos, escuchar los gritos ofensivos de los jugadores de frontón, andar entre las tumbas o tratar de hallar la fortuna, la felicidad y la salvación entre la basura… cobrar, en fin, plena conciencia de que día a día construimos laboriosas ruinas para habitarlas, morir (o permanecer inmóviles por un tiempo), renacer y seguir edificando la desdicha, la honda tristeza de nuestro devastado mundo interior que se materializa en ellas.

Rafael Muñoz Saldaña
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Previa a la inauguración de la muestra, tendrá lugar la presentación del libro “El Misterio de la Tristeza. Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos”.

Jueves 18 de agosto de 2016

Permanencia: 18 de octubre de 2016

Recepción: 19:00 hrs

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

www.museodeartequeretaro.com

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