CURSO: LA HISTORIA DEL ARTE. LA HISTORIA DEL MUNDO

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
le invitan a participar en el curso:

LA HISTORIA DEL ARTE. LA HISTORIA DEL MUNDO
Impartido por el
Mtro. Roberto González García
Director del MAQRO

Módulo 1: 23 y 30 de septiembre; 7 y 14 de octubre
Módulo 2: 21 y 28 de octubre; 4 y 11 de noviembre

Los días lunes
Horario: 10:30 a 12:30

Cupo mínimo para abrir los cursos: 15 asistentes
Cuota de recuperación: $1,100.00 MXN por módulo
(10% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM)

Es indispensable reservar su lugar previamente vía telefónica o correo electrónico.

Se entregarán materiales de lectura y constancia con el 80% de asistencia

Coordina: Voluntariado Docente del Museo de Arte de Querétaro

 

Informes e inscripciones:

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

De martes a domingo, de 10:00 a 16:00 hrs

Tels.: (442) 212 2357 / 212 3523 ext. 2

E-mail: cgomezv@queretaro.gob.mx

http://www.museodeartequeretaro.com

http://www.culturaqueretaro.gob.mx

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«AZAR Y COSMOS» DE KNUT PANI

La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
le invitan a la inauguración
de la exposición conmemorativa
del 31 aniversario del MAQRO

AZAR Y COSMOS
de Knut Pani

AZAR Y COSMOS

Pani actúa en el teatro de la física de partículas subatómicas, en la que las nociones de velocidad, tiempo y espacio se modifican gracias al azar como parte de su narrativa. Pani juega con estos valores y establece un nuevo orden a la materia afectando el espacio bidimensional y tridimensional. Conceptualmente, podríamos decir que es un poeta del espacio-tiempo ya que realiza una nueva creación de las formas a partir de ecos y azares que le acontecen.

Pani es un demiurgo, como se puede apreciar en esta exposición: provoca colisiones, estallamientos en los se crean posibilidades para nuevos universos; es decir, juega con el azar para producir formas y ordenar el caos. Las zonas de luz o de color son certezas de la existencia de la materia bariónica o visible que existe en nuestro universo, mientras que las zonas de oscuridad representan la energía y la materia oscura que inundan el cosmos.

Energía y materia oscura que nos recuerdan la inescrutabilidad de la Voluntad schopenhaueriana. En el desarrollo de sus ideas de voluntad y representación, Shopenhauer advierte cómo dicha voluntad acontece sin ser pensada: solo ocurre y se manifiesta. Estamos condenados al dominio de esa voluntad en el mundo: un dominio que no nos entrega a una finalidad ni a un horizonte o sentido.

El trabajo de Pani ofrece, así, sentido al páramo de la vida cotidiana. Su aproximación a la pintura abstracta fue por mediación de Mathias Goertiz quien fungió como su mentor (maestro es el que enseña con el ejemplo y con su hacer en el mundo). Esta cercanía se debió a que Pani era el editor de la revista Arquitectura/México, y Mathias colaborador y amigo de su padre, el Arq. Mario Pani, fundador de dicha revista. Su pasión por el arte y la pintura es, por tanto, genética. La pintura emocional de Goeritz y las referencias al Eco están presentes en la obra de Pani, que forman su universo de tiempo y memoria.

Mtro. Roberto González García
Director del MAQRO


 

Knut Pani, artista visual, nace en la Ciudad de México en 1956.

Su formación profesional arranca en el año 1975 al ingresar al taller de escultura del Maestro Lothar Kestenbaum en la Escuela Nacional de Bellas Artes en San Miguel Allende, Guanajuato. De 1976 a 1978 colabora con el Dr. Mathias Goeritz en su Sección de Arte, siendo editor de la revista Arquitectura/México. De 1979 a 1983, estudia la carrera de pintura en el Art Center College of Design, en Pasadena, California, obteniendo la licenciatura en Bellas Artes. Allí tiene contacto con el movimiento New Image Painting y estudia de cerca a los expresionistas abstractos, en especial a Motherwell, de Kooning y Franz Kline. En 1985 es director de Arte en el Museo Rufino Tamayo. Funda el taller de gráfica El Pez Soluble con Alejandro Arango y Franco Manterola. En la década de los 90, la expresión plástica de Pani, de características eminentemente abstractas, se vuelve más sintética y lírica cuando se muda al campo, donde diseña y construye su casa y estudio. En 1993 traslada el taller de gráfica a Tequisquiapan, Querétaro, por donde ha pasado una gran cantidad de artistas y donde continua impartiendo clínicas y talleres de grabado y dibujo. Su participación en múltiples exposiciones, individuales y colectivas, ha permitido que su obra forme parte de más de 200 colecciones, publicas y privadas, en museos e instituciones alrededor del mundo. En el 2001, la ciudad de Florencia, Italia, le otorga la medalla Lorenzo el Magnífico por su obra pictórica. Ha realizado cinco murales en la ciudad de México. Dentro del cuerpo de obra de Knut Pani, destaca la pintura expresiva de gran formato, su amplio trabajo sobre papel, entre dibujos, Libros de Artista y grabados, y los proyectos de escultura en acero que desarrolla de manera monumental. Actualmente, trabaja en su proyecto Exilio Visual y dirige, junto con Santiago Pani, La Nave Indeleble, y Art-House Holland by PAC (Plataforma de Arte Contemporáneo), centros interactivos para las artes visuales entre México y la comunidad de Madrid y la ciudad de Leiden/Leiderdorp, Paises Bajos, respectivamente, en conjunto con El Pez Soluble. Vive y trabaja entre las ciudades de Madrid, Leiden y Tequisquiapan.

 

 


 

Inauguración: Viernes 20 de septiembre de 2019, 20:00

Permanencia: 23 de febrero de 2020

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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«CHUCHO REYES. EL TIEMPO DEL COLOR» DE LA COLECCIÓN SURA ASSET MANAGEMENT

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
y en colaboración con SURA Asset Management
le invitan a la inauguración de la exposición conmemorativa
del 31 aniversario del MAQRO

“CHUCHO REYES. EL TIEMPO DEL COLOR”

CHUCHO REYES. EL TIEMPO DEL COLOR

El trabajo de Jesús Reyes Ferreira, con una esencia que es tradicional y moderna a la vez, con mucho color y de carácter popular y festivo.

El color es un elemento definitivo de su pintura, utilizando la técnica del temple que preparaba combinando anilinas con agua hirviendo y cola vegetal. Técnicas y diseños, de un colorido más estridente, ligados a ciertos aspectos de la mexicanidad.

«Chucho» Reyes que aunque en ocasiones se ha dicho que posee la influencia del arte popular mexicano, en realidad éste no fue una influencia ni un punto de partida ni una inspiración en su obra, sino que todos los gallos, los ángeles, los cristos, las «calacas» (esqueletos humanos) y los caballos que él pintó a grandes trazos espontáneos y vivísimos colores sobre papel de china, son arte popular que aspira por su propio derecho al nivel de gran arte, cargados de un contenido mítico, en la medida que representan un mundo simbólico de figuras casi extraterrenales, metafísicas y de carácter religioso. Se trata de una cosmogonía íntima y personal.

La singular obra de Chucho Reyes es la expresión de esencias mexicanas. La vivacidad del color, la espontaneidad del trazo, la figuración en un primer plano sobre fondos chillantes y la aparente trivialidad de sus motivos, son rasgos de identidad popular susceptibles de emparentarse tanto con el expresionismo europeo como con el barroco mexicano, sin inclinarse ante ninguno de los dos.

La modesta actitud de Chucho Reyes se ve reflejada en los materiales que el artista eligió para plasmar sus obras. En vez de lienzo y óleo, usó papel de china preparado por él mismo. En ocasiones el artista une dos o más papeles con el fin de alcanzar matices más idóneos para sus temas.

 


 

CHUCHO REYES. SEMBLANZA

Chucho Reyes, como comúnmente se le conocía, decía que él no pintaba, embarraba y de esa manera se liberaba de toda regla. Su consigna fue la de ser feliz, tener ilusiones y muchos pendientes. Nació en Guadalajara, Jalisco en 1880 y creció en un ambiente familiar donde se respiraba la cultura y el arte. Apenas concluyó la educación elemental, abandonó los estudios y, aunque sin necesidad económica, pues siempre gozó de una posición desahogada, se metió a aprender cómo se fundía el metal precioso y más tarde encargó trabajos en plata de sus propios diseños. También visitó carpinterías y ebanisterías en las que obtuvo las primicias de una sabiduría que luego daría sus mejores frutos cuando se convirtió en experto anticuario.

Su formación plástica la inició a partir de los 17 años, trabajando como empleado en la casa Pellandini de Guadalajara, exclusivo almacén de materiales de arte, grabados y objetos art nouveau. Aquí Chucho dio las primeras muestras de su sensibilidad y gusto a través de la ornamentación de los aparadores o escaparates.
En 1911 falleció su padre y, ese mismo año, se asoció con Alfredo «El Mago» Vázquez para el diseño de muebles que ambos produjeron además de continuar como decorador de salones de fiestas, iglesias, los tradicionales altares de Dolores y hasta plazas de toros.

Es la ciudad de Guadalajara donde se inició en el difícil oficio de anticuario y envolvía las piezas que vendía en papeles de china, donde plasmaba coloridos dibujos de su mano, que luego buscaban sus clientes y se los pedían, ya no como meras envolturas, sino como creaciones independientes. También se relacionó con los orfebres que trabajaban la plata, a los que diseñaba piezas que aún hoy día pueden admirarse. Alrededor de 1920, se formó en Guadalajara el Centro Bohemio constituido por los propios artistas de la ciudad donde estos se reunían para organizar conferencias o discutir y comentar lo que estaba en boga. Ahí se gestaron algunos conceptos que influyeron en el arte mexicano del siglo XX.

El constante contacto que tenía Chucho Reyes con el medio artístico y su propia vocación, hicieron que comenzara a expresar espontánea y naturalmente ese mundo interior que había ido cristalizando con los años.

Chucho no solo se movió en el campo del arte, su entusiasmo alcanzó también al mundo de los títeres y del circo que posteriormente ocupó un sitio relevante como tema de sus «papeles». Este mundo de payasos, caballos, leones y ecuyères, su estridente color, su ambiente festivo y estrambótico, pasó a formar parte definitiva de su quehacer artístico.

En la segunda mitad de los años treinta Chucho Reyes se estableció definitivamente en la ciudad de México donde fue huésped del magnate Francisco Iturbe en el Palacio de Iturbide y, concluidas las obras de reconstrucción en su propiedad de la calle Milán, se mudó a ésta que sería su casa definitiva, la cual siempre estuvo abierta a múltiples y célebres amigos entre los cuales se contaban los poetas Carlos Pellicer y Salvador Novo; los historiadores Justino Fernández y Edmundo O’Gorman; los pintores Juan Soriano, Raúl Anguiano, Xavier Guerrero, Diego Rivera, Frida Kahlo, Siqueiros y Juan O’Gorman entre otros; los arquitectos Barragán y Goeritz.

Reyes impulsó en gran medida el arte popular en su país y en el mundo como también la arquitectura. Se convirtió en consejero estético y sus proposiciones fueron escuchadas con gran interés. Los arquitectos admiraban de él su sentido infalible para los colores, materiales y texturas.

Según su sobrino David, Chucho nunca realizó una obra en caballete, los papeles los extendía en una mesa del patio y pintaba por el placer de hacerlo.
Cuando Chucho Reyes visitó a Marc Chagal en el Palacio de Bellas Artes, le regaló algunas de sus creaciones plásticas que llamaba humildemente «papeles». El pintor ruso las extendió y admirado agradeció el regalo y le dijo: «Tu eres el Chagal mexicano», elogio más que merecido.

Siqueiros, artista muralista, decía que «no era un pintor folklorista sino un auténtico y gran creador de raíz popular… el estilo popular le sale de adentro del cuerpo, de la emoción y no del intelecto o la cabeza. Así es Mexicano en forma integral y un ejemplo de estética para todos nosotros.»

En alguna ocasión Picasso, cuando vio un «papel» comentó: «¡Que frescura! Debe ser un artista muy joven» cuando Chucho estaba a punto de cumplir los setenta años.
Su primera exposición individual fue en 1962, en el Palacio de Bellas Artes, luego de casi medio siglo de incesante actividad. Jesús Reyes Ferreira falleció en 1977 en la ciudad de México. Su energía, tesón e intuición creativa lo catalogan como un clásico de la pintura mexicana.

 


 

 

 

«EL ETERNO MÍNIMO» DE PATRICIA ARRIOLA

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
le invitan a la inauguración de la exposición

“EL ETERNO MÍNIMO”
de Patricia Arriola

 

EL ETERNO MÍNIMO
PATRICIA ARRIOLA

 

En la pintura se congelan instantes e historias que continúan en la imaginación como sensaciones vívidas en las que aparece un juego de reflejos y de sintonías cromáticas.

Paisajes exteriores presentes en el silencio.

Espacios de libertad e introspección hacia el yo interior, donde habitan los fantasmas y los miedos.

Plasmar el instante de otra realidad me lleva a un diálogo con el tiempo y el espacio; lectura que brota desde el gozo estético que es primordial. Aplico un tema a la materia; este es tanto el objeto de mi trabajo como el vacío que se abre.

Entablo un diálogo, me pregunta y le respondo. Se da el encuentro físico y emocional. Nos fusionamos. Hago un sitio, impregno al ser plástico con imaginación.

De pronto, no dirijo la acción, ya no es acto racional, es un instinto, un estado de fluidez; se entabla un juego de vacíos y silencios entre la materia y los impulso, los deseos y las carencias. En ese instante se conjugan el encuentro, el juego y el placer.

Alcanzar momentos intemporales es eternizar la espléndida porción de presente que está ahí, la belleza encerrada en un instante, la sutileza de los matices en los mínimos espacios, lo natural, volver al origen, es buscar la esencia. Un destello eterno en el mundo de los cambios continuos, que busca el sentido de caos en la naturaleza como una reserva infinita de posibilidades y así interpretar el lenguaje de la vida.

El crear ofrece esa otra realidad que se percibe, para sugerir y provocar en el espectador esa eternidad del instante. Presentar un atisbo a esa vida que fluye sin esfuerzo, sin conflicto, de un modo perfecto, invitar a la reflexión.

Solo vemos aquello que miramos, nunca miramos solo una cosa, sino su relación con nosotros, es mucho siempre lo que sucede cuando miramos.

 


 

PATRICIA ARRIOLA
SEMBLANZA

 

Nace en la Ciudad de México el 8 de febrero de 1962.

Inició su trayectoria en artes plásticas en los años 90 en la Ciudad de San Miguel Allende, Gto. en talleres de pintura, dibujo y repujado entre otros.

En la Ciudad de Querétaro incursiona con el maestro Guillermo Puente en la pintura acrílica, acuarela, mural y dibujo con modelo.

Integró el grupo Colectivo Cuadro.

Ha participado en talleres de pintura abstracta impartidos por los maestros Esmeralda Torres, Jordi Boldó y Lucille Wong.

Participó en Taller de Cerámica Práctica de Hikidashi con los Maestros Dan Marte y Luis Batres.

Ha asistido a los talleres gráficos con los maestros Humberto Valdéz, Nunik Sauret, José Rincón, Ángeles Marcos y Knut Pani.

Ha participado en más de 30 exposiciones.

 


Inauguración: Viernes 23 de agosto de 2019, 20:00

Permanencia: 6 de octubre de 2019

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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«SANTIAGO DE QUERÉTARO, SANTIAGOS DEL MUNDO» DE GERARDO PEDRAZA

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La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro,
a través del Museo de Arte de Querétaro,
le invitan a visitar la exposición

«SANTIAGO DE QUERÉTARO, SANTIAGOS DEL MUNDO»
DE GERARDO PEDRAZA

 

SANTIAGO DE QUERÉTARO,
SANTIAGOS DEL MUNDO
GERARDO PEDRAZA MONTES

Homenaje a Lulú Montes de Pedraza

 

En verdad, en verdad os digo que todos mis caminos llegan a Querétaro, que todos los santiagueros del mundo deben acudir a este pueblo que ha sabido cuidar y venerar mi nombre a través de los siglos.

Y sí, todos los caminos de Santiago llegan a Querétaro por la “Ruta Pedraza”, establecida por el maestro fotógrafo queretano Gerardo Pedraza Montes que ha seguido los pasos de la fe en el Apóstol y cambiando vieiria por cámara fotográfica traernos imágenes de todos los lugares consagrados a Santiago en Europas, Norte y Centro América.

El Maestro Gerardo Pedraza, marcó este destino desde el momento en que la benefactora Lulú Montes de Pedraza, su madre, pusiera en sus manos una cruz de Santiago, como buena santiaguera que era; cruz que remedió males y abrió caminos, al seguir las flechas de Santiago y darse cuenta que desde el lugar de descanso eterno de esta gran mujer, se marca el camino de la flecha de la Peña de Bernal, al cielo, al cielo queretano que vio por primera vez a Santiago en día de la batalla del Sangremal hace 488 años, el 25 de julio, dicen las crónicas.

Esta flecha y esta imagen, despertaron la pasión y el apego por recorrer y retratar cada Santiago, no como un inventario o un catálogo, sino para hermanar a todos los pueblos, dejándonos conocer otras tierras, otros mundos y en la magia de su fotografía sobre algodón, reunir en este místico espacio, lo mismo a Compostela que a Mixquititlán, y tantos pueblos más porque todos los caminos de Santiago, llegan a Querétaro, en estos senderos de fe.

Luis Montes de Oca

 


 

EL MITO DE SANTIAGO APÓSTOL: DE RONCESVALLES A GALICIA

 

Los restos del apóstol Santiago el Mayor y sus discípulos Teodoro y Atanasio, fueron encontrados en un bosque cerca de Iria Flavia, antigua villa romana en Galicia. Un ermitaño llamado Pelagio avistó misteriosas luces en un lugar del bosque, dio aviso al obispo de Iria Flavia, Teodomiro, quien luego de investigar el hallazgo descubrió el sepulcro un día 25 de julio de 813.

Otra tradición, tomada del libro IV del Codex Calixtinus, cuenta que el apóstol Santiago se apareció en sueños al rey de los francos, Carlomagno, luego de la batalla de Roncesvalles en el año 778, indicándole que siguiera la luz blanca de las estrellas que el rey había advertido desde el Pirineo (la Vía Láctea) y que llegaba hasta Galicia. “La ruta de las estrellas que has visto en el cielo, significa que marcharás a Galicia, a la cabeza de un gran ejército, y que, después de ti, todos los pueblos irán allá en peregrinación hasta la consumación de los siglos”. Ahí encontraría sus restos y tendría que levantar un templo al Apóstol de Cristo, dando gloria y fuerza a esa región.

Más tarde, Alfonso II ordenó construir un templo en Compostela, para albergar los restos de los santos encontrados.

Para Galicia y los reinos adyacentes era una situación privilegiada tener la tumba del Apóstol de Cristo en su territorio, ya que sus fronteras estaban muy presionadas por los sarracenos. En el año 889 Alfonso III mandó construir una catedral de mayores proporciones. Los reinos de Castilla, León, Navarra y Aragón se sumaron a los esfuerzos en construir caminos y puentes, posadas y servicios para la nueva ruta de peregrinos, ya que Santiago de Compostela sería una vía más segura y una competencia para las rutas de Roma y Jerusalén, lugares a los que se dirigían los peregrinos en la Edad Media.

En el último tercio del siglo XI, el obispo Diego Peláez ordenó la construcción del tercer templo sobre la tumba del Apóstol, que es la gran catedral románica que conocemos actualmente.

El apóstol Santiago el Mayor realizó en vida un recorrido luego de la muerte de Jesús. Primero predicó en la misma Jerusalén. Luego abordará un barco comercial rumbo a un punto mas occidental, iniciando su misión en el Sur de la península en tierras lusitanas, hasta llegar a Iria Flavia, desde donde tomará camino de regreso por Lugo, Astorga, Zaragoza y Valencia, punto desde donde regresará a Palestina. De vuelta en Jerusalén, se dedicará a predicar y esto molesta a Herodes Agripa (llamado Herodes en el libro de los Hechos de los Apóstoles) rey de Judea, quien lo mandó arrestar para después decapitarlo.

Una vez consumado el horrible castigo, el cuerpo del Apóstol fue rescatado por sus discípulos Atanasio y Teodoro, quienes se embarcaron con los restos de Santiago el Mayor rumbo a la ciudad de Iria Flavia, al norte de la península ibérica, para darle sepultura según la costumbre. La tradición, según San Jerónimo, era que los cuerpos de los apóstoles deberían descansar en el lugar en donde habían llevado el evangelio. Este hecho hizo que la ciudad de Compostela (Campo de estrellas) se convirtiera en un lugar sagrado, al que acuden desde entonces y hasta nuestros días peregrinos de los cuatro puntos cardinales del planeta.

La fama del Camino de Santiago ha hilado distintas historias: fue conocida como el Camino de las Ocas y el Camino de las estrellas, pues durante el día los peregrinos seguían las huellas de las ocas que los llevarían por el camino correcto, evitando peligros; durante la noche seguían el camino que marcaban las estrellas, es decir, la Vía Láctea que apuntaba hacia la dirección del santo lugar. También sabemos que en esa ruta tuvieron presencia la hermandad de la Orden de los Templarios, como lo demuestra la iglesia del Puente de la Reina, de origen templario: en su interior hay un crucifijo en el que la cruz tiene forma de la huella de pata de la oca, que es una de las señales que aparecen por la ruta de Santiago. Recordemos también el juego de la Oca, que hace alusión a el camino de Santiago.

El juego de la Oca es extraño y misterioso, tal vez lo jugaron los templarios en el que tenían que descifrar mensajes encriptados. La forma del tablero del juego de la Oca es la de un caracol o concha de Nautillus partido por la mitad, en donde se aparecen 63 casillas (múltiplo de nueve) la última casilla no tiene número, es la meta, la llegada al jardín de las Ocas, la puerta del lugar sagrado (el centro místico no se debe de numerar). En las casillas del juego desde el número 9 y en todos sus múltiplos se presenta una Oca. Este pájaro palmípedo que deja una huella en forma de horquilla cruzada, se conoce también como Ánsar. Las ocas han estado ligadas al mundo pagano, para los celtas eran mensajeros de otro mundo, para los romanos eran guardianes del templo (En el cristianismo se retoma esta creencia de las ocas, como ocurre en el mito de Santa Eulalia, resguardan el claustro de su iglesia 13 Ocas que representan la edad en que murió martirizada la santa barcelonesa). Se dice que la Oca es un símbolo que refleja al iniciado. Las marcas de la pata de la Oca aparecen en el camino iniciático, desde los Pirineos, la Costa cantábrica y hasta la Costa de las Rías en Galicia que desemboca hacia al Atlántico. El termino Oca se ocupaba para significar al maestro que enseña el camino del conocimiento. Por todo esto se creía que el juego de la Oca era un mapa que señalaba la ruta del Camino de Santiago a los peregrinos, para que no corrieran peligros supieran como debían recorrer las casillas e identificar los símbolos que aparecen en el trayecto.

Recorrer el Camino de Santiago nos conduce al Finisterra, lugar sagrado para los celtas, a la puerta del Atlántico la morada de Poseidón y a la tumba del Apóstol de Cristo, Santiago el Mayor, hermano de Juan Evangelista. En Querétaro la presencia de Santiago Apóstol es permanente cada vez que caminamos al cerro del Sangremal, al templo de la Santa Cruz de los Milagros.

Lic. Roberto González García
Director del Museo de Arte de Querétaro

 


 

SANTIAGO APÓSTOL

Estamos frente al mar de Galilea en las cálidas y tranquilas aguas, frente al pueblo de Cafarnaúm, donde ha llegado un joven originario de Nazaret, un hombre fascinante de palabra y de aspecto, es decir, Jesús, el hijo de José, el carpintero de Nazaret.

En su primer día, de aparición pública, sobre la rivera del mar, llena de rocas, pequeños caracoles y escasas arenas , el joven Nazareno ha hablado con los pescadores de la zona: a dos de ellos, Simón y Andrés, les ha hecho una propuesta muy novedosa: “Venid conmigo y os haré llegar a ser pescadores de hombres. Al instante, dejando las redes, lo siguieron.” (MC1,16-18).

Pero la actividad del joven Galileo, no termina ahí: “Caminando un poco más adelante, vió a Santiago el de Zebedeo, y a su hermano Juan; estaban también en la barca arreglando las redes, y al instante los llamó. Y ellos dejando a su padre Zebedeo en la barca con los jornaleros, se fueron tras él” (Mc 1,19-20).

Es en este momento cuando aparece este hombre llamado Santiago, hermano mayor de Juan, pues siempre se le nombra primero, de aquí se deduce que es el hermano mayor. Es un hombre que forma parte de una familia de pescadores de la ciudad de Cafarnaúm, a orillas del lago Kinéret. A partir de este acontecimiento, Santiago junto con su hermano Juan y otros hombres, se hacen discípulos de Jesús, y van a formar parte de ese grupo de amigos personales del Nazareno, hombre de gran fama en toda la región. Ellos serán parte del grupo de los Doce: “Subió al monte y llamó a los que él quiso, y vinieron junto a él. Instituyó a Doce, para que estuvieran con él y para enviarlos a predicar con el poder de expulsar los demonios. Instituyo a los Doce y puso a Simón el nombre de Pedro; a Santiago el de Zebedeo y a Juan el hermano de Santiago, a quienes puso por nombre boanerges, es decir hijos del trueno, Andrés , Felipe, Bartolomé, Mateo, Tomás, Santiago el del Alfeo, Tadeo, Simón el de Cananeo y Judas Iscariote, el mismo que lo entregó”(Mc 3,13-19).

Y Santiago, conocido como el Mayor, es parte del grupo de discípulos de Jesús, aquellos que lo siguen y aprenden de él, con el viven y con él predican. Pero, en los momentos cumbres de la vida de Jesús, éste se hace acompañar de tres discípulos: es el circulo más pequeño, formado por Pedro, Santiago y Juan. Serán ellos los testigos particulares de acontecimientos que van a marcar la vida de Jesús. Tres acontecimientos, tres discípulos.

Basta recordar el momento de la muerte de la niña, la hija de Jairo, jefe de la Sinagoga. Cuando Jesús llega y oye el alboroto, los llantos y los alaridos, Jesús dice: “La niña no está muerta, está dormida”, pero en realidad la niña ya había muerto (Cf.Mc 5,21-43). “Y no permitió que nadie lo acompañara, a no ser Pedro, Santiago y Juan, el hermano de Santiago”(Mc 5,37). Santiago ha sido testigo del poder de Jesús frente a la muerte, ha visto la resurrección del ser humano que es posible para el que tiene fe. La muerte y la resurrección están en las manos de Jesús y Santiago lo ha visto con sus propios ojos.

Un segundo momento es cuando Jesús anuncia explícitamente su muerte dolorosa en Jerusalén, hecho que impactó profundamente a los discípulos, por eso, “toma Jesús consigo a Pedro, Santiago y Juan, y los lleva a ellos solos , aparte a un monte alto. Y se transfigura delante de ellos” (Mc 9,2). Con esto, Jesús les muestra su gloria , y les enseña que la muerte no es el final del hombre, que más allá del dolor y la muerte está la vida y la gloria. Santiago ha oído el anuncio de la muerte de su maestro de sus propios labios, visto ahora la gloria de Jesús, va entendiendo el misterio pascual del Maestro.

Pero cómo olvidar el tercer momento decisivo de la vida de Jesús. No podemos pasar por alto la oración de Getsemaní . “Toma consigo a Pedro, Santiago y Juan y comenzó a sentir pavor y angustia. Y les dice: Mi alma está al punto de morir, quedaos aquí y velad” (Mc 14,33-34). Santiago ve orar a Jesús en el momento cumbre de su vida , lo ve envuelto en tristeza mortal, lo ve lleno de angustia y pavor, le impacta la actitud de su maestro.

Hay otros momentos de Santiago junto a Jesús , donde lo colocan en la cercanía personal y en relación personal con otros discípulos. “Cuando salió de la Sinagoga se fue con Santiago y Juan a casa de Simón y Andrés” (Mc1-29). Ahí cura a la suegra de Simón y Santiago es testigo del poder sanador de Jesús(Cf. Mc 1,29-31).

Después de anunciar la ruina de Jerusalén , Jesús se sienta frente al templo, en el monte de los olivos “le preguntaron en privado Pedro, Santiago, Juan y Andrés. Dinos cuando sucederá eso, y cuál será la señal de que todas estas cosas están para cumplirse” (Mc 13,3-4).

Su madre, mujer de Zebedeo, se acerca con sus hijos a Jesús, es decir, con Santiago y Juan, para hacerle a Jesús una petición. “ Manda que estos dos hijos míos se sienten uno a tu derecha y otro a tu izquierda en tu reino”(Mt 20,20-23). La madre y posiblemente ellos no han entendido el sentido del reino que Jesús predica, lo piensan todavía al estilo del reino de este mundo. Pero ellos quieren estar con Jesús que es lo más importante y distinguirse de sus compañeros respecto del poder y la importancia.

Con respecto a su carácter, Jesús fue muy explícito al ponerles el sobre nombre de boanerges a los hermanos (Mc 3,16-17), que quiere decir, hijos del trueno. Pero, ¿por qué este sobrenombre? No hay del todo una claridad sobre el tema, se piensa que su voz era fuerte como el trueno, que su predicación era tan apasionada como la potencia del trueno, pero lo que más ilumina es el relato, cuando aquel pueblo de samaritanos no quiso recibir a Jesús en su camino a Jerusalén , indignados Santiago y Juan le hacen a Jesús una propuesta : “Señor, ¿ quieres que digamos que baje del cielo fuego y los consuma?(Lc 9,54) . Es indudable la poca paciencia y tolerancia que provoca fácilmente el enojo de Santiago y Juan al grado de acabar con una población por no ser hospitalario. Ellos han explotado como el trueno, su ira es sentida, tanto así, que merecen ser reprendidos por Jesús. Su carácter ha de ser moderado, tolerante, han de ser dueños de sí mismos.

Sin embargo, una vez resucitado Jesús de entre los muertos, se aparece en varias ocasiones a los once, entre ellos Santiago. La comunidad de creyentes avanza en su camino de seguimiento del resucitado, Pedro, Santiago y Juan son considerados las cabezas y columnas de la Iglesia y tienden la mano a Pablo y Bernabé en señal de comunión para que ellos fueran a los paganos, mientras el grupo de Pedro a los Judíos (Gal 2,9-10). Pero lo que lleva a Santiago a la gloria es cuando “por aquel tiempo el rey Herodes hecho mano de algunos de la iglesia para maltratarlos. Hizo morir por la espada a Santiago, hermano de Juan” (Hech 12,1-2). Convirtiéndose en el primer apóstol de Jesús en sufrir el martirio dando testimonio valiente de su fe en el Cristo muerto y resucitado .

De este modo , observamos a Santiago, pescador, llamado para ser discípulo, testigo de la vida de Jesús, predicador del resucitado, columna de la Iglesia y primer mártir de los Doce. Esta es su grandeza, su valor, su fuerza y trascendencia en la historia.

 

Mons. José Martín Lara Becerril
Vicario General
Diócesis de Querétaro

 


 

GERARDO PEDRAZA MONTES
CRONISTA FOTOGRÁFICO
SEMBLANZA

Gerardo Pedraza Montes es originario de Santiago de Querétaro. Nació el 12 abril de 1964. Realizó sus estudios fotográficos en la escuela Activa de Fotografía, plantel Querétaro.

Desde el año de 2008 se ha dedicado a inmortalizar en fotografía diversas estampas de su Estado natal, principalmente sus Pueblos Mágicos, sus Patrimonios de la Humanidad y  los personajes más emblemáticos de su historia, como San Junípero Serra; a quien dedicó un proyecto que lo llevó a exponer en España 2015 y Vaticano en 2016 y en el museo de Arte de Querétaro, así mismo fueron plasmadas esas imágenes, tomadas con su muy particular percepción artística, en el libro “Voces Junípero Santo”; de igual manera, el proyecto de su autoría que protagoniza la figura histórica de Maximiliano I de México, con el título de “Querétaro, Fin del Viaje Imperial”, ha tenido espacios importantes de exposición en Viena Austria, Querétaro, Veracruz y Ciudad de México, en donde se mostró dentro del museo Nacional de Historia “Castillo de Chapultepec” 2017-2018, el cual es uno de los museos más importantes de México y America.

En el 2018 sus fotografías recrean dos libros: “Una Basílica y Cuatro Santuarios de la Madre de Dios” y el libro “Querétaro Baluarte de la Fe Católica” obras literarias de gran aporte cultural para su estado.

Del 2012 al 2019 ha realizado 8 exposiciones colectivas, 28 exposiciones individuales, de las cuales son 7 de carácter internacional, en España, Austria, Colombia e Italia y 7 publicaciones.

 


 

Permanencia: 1 de septiembre de 2019

Museo de Arte de Querétaro
Allende 14 sur,
Centro Histórico,
Querétaro, Qro.
CP 760000

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FELIX BELTRÁN. ETAPAS CREATIVAS

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FÉLIX BELTRÁN. ETAPAS CREATIVAS

 

La vida de un artista se mide a través de sus obras. Es en su contenido donde permanecerá lo más íntimo del creador. En cada composición están los mensajes que trascenderán.

En esta exposición se desenvuelve la identidad de Félix Beltrán, quien nos invita a conocer sus múltiples trayectorias, experiencia y deseos. En sus obras geométricas hay un despliegue de la potencialidad de figuras cotidianas. Beltrán trae al presente el debate por la objetividad, como hicieron los suprematistas, y actualiza la discusión sobre la posibilidad de reducir a la realidad formas simples que, al mismo tiempo contienen los principios complejos que construyen lo que somos y nos rodea.

Sus rostros, como una sala de espejos, son un recorrido entre expresiones, sensaciones y emotivos diálogos visuales.

De la misma forma lúdica que Paul Klee rescató la inocencia de los trazos prehistóricos, Félix Beltrán presenta una multiplicidad de caras en las que el espectador se inserta en medio de lo que parece un festival de máscaras.

La exposición de Beltrán es una experiencia que permanecerá en la memoria de las y los espectadores como si fuera una conversación directa con el artista.

Natalia Stengel

 


 

FÉLIX BELTRÁN
SEMBLANZA

Félix Beltrán es un artista, diseñador, escritor y docente latinoamericano. Nació en La Habana, Cuba, el 23 de junio de 1938; actualmente es ciudadano mexicano por naturalización. En 1956, viajó a los Estados Unidos de América, donde se tituló tanto en la School of Visual Arts como en la American Art School, ambas situadas en Nueva York. Asimismo, estudió en el Art Students League de Nueva York y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Fue becario de la New School for Social Research, Nueva York, del Graphic Art Center-Pratt Institute, Nueva York, y del Council for International Exchanges of Scholars, Washington, D.C.

Su obra artística y diseños se encuentran en la colección de 53 museos, han participado en 66 exposiciones individuales y en 456 exposiciones colectivas junto a artistas como Josef Albers, Marc Chagall, Carlos Cruz-Diez, José Luis Cuevas, Max Ernst, Manuel Felguerez, Fernand Léger, Julio Le Parc, Gabriel Macotela, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, René Portocarrero, Robert Rauschenberg, Vicente Rojo, Antonio Saura, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo y Francisco Toledo, entre otros.

Es profesor titular en la Universidad Autónoma Metropolitana, Ciudad de México, conservador de la Galería Artis y del Archivo de Diseño Gráfico Internacional –que lleva su nombre–, en la misma Institución donde también es Profesor Distinguido. Entre sus alumnos más destacados se encuentran Jorge Carol, Nelson Domínguez, Roberto Fabelo, Enrique Martínez, Manuel Monroy, Pedro Pablo Oliva, entre otros. Asimismo, ha sido invitado como profesor de varias instituciones educativas de nivel superior nacionales como internacionales.

Desde 1966, ha ofrecido conferencias y cursos en eventos nacionales e internacionales. Ha escrito 4 libros. Sus artículos y entrevistas se han publicado a nivel nacional e internacional. Sobre su obra, se han publicado 3 libros. Es autor del primer libro sobre diseño gráfico en América Latina: Desde el Diseño, La Habana, 1970 y del primer libro sobre tipografía en América Latina: Letragrafía, La Habana, 1973.

Ha recibido 137 premios en diversos eventos, entre los cuales se encuentra la Orden Nacional por su contribución a la cultura, conferida por el Consejo de Estado de Cuba. Ha recibido tres Doctorados Honoris Causa: de la International University Foundation, Delaware y de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí, San Luis Potosí; asimismo, es Honorary Doctor in Letters del International Biographical Center, de Cambridge. Ha participado como jurado en 121 eventos nacionales e internacionales.

 


 

Inauguración: Viernes 5 de julio de 2019, 20:00

Permanencia: 11 de agosto de 2019

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«ENLAZADAS POR EL ARTE» DE ENRIQUE GALLART

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CARLOS OVIEDO. OBRA RECIENTE

ENRIQUE GALLART GALLEGOS
SEMBLANZA

Nace en la Cd. de México el 26 de julio de 1948. Estudia fotografía y Pintura por su cuenta con libros y practica en su Estudio y laboratorio.

Estudia Fotografía Digital en 1990 en el centro de capacitación de Kodak de Rochester, New York.

En el laboratorio Customcolor de 1980 hasta 2001 práctica y trabaja diferentes técnicas químicas y digitales por las noches con la guía del Ing. Mario Peynetti.

Estudia composición con el maestro Sergio López Orozco y conocimiento de los materiales con el maestro Erik Valdez.

Estudia Grabado con el Maestro Luis Miguel Valdez.

Dedicado a la fotografía, obra gráfica y pintura desde 1968.

Presidente de la Sociedad de Autores de Obras Fotográficas S.G.C. 2000-2009

Miembro de la Sociedad Mexicana de Artes Plásticas.

Impartido platicas en Universidades en México, Ciudad de México y interior de la Republica.

Exposiciones Internacionales en Europa Alemania Francia España Y Holanda. Norte de África Marruecos Argelia. En Norte América EE.UU. New York Chicago Miami New Jersey.


 

Hablar de la pintura de Enrique Gallart es sentirla. Por medio de los materiales, logra transmitir al espectador diversos estados emocionales representados por un torrente de colores que se amalgaman con ritmo, convirtiéndose en una sinfonía plástica visual de variaciones y fuerza.

Sí, Enrique Gallart plasma sentimientos. Su pintura se adentra en los mundos internos del ser humano, se convierte en un puente que comunica al espectador con su sentir más profundo.

La pintura de Enrique Gallart se percibe por los sentidos, pero va más allá, invitando a la reflexión y a un viaje por los sentimientos y emociones.

Arq. Julio Dávila

 

“La fijeza es siempre momentánea”. Un gran concepto de Octavio Paz, tomado de su libro “El Mono Gramático”, marca adecuadamente la conceptualización de la fotografía como expresión íntima del fuero interno. Aunado a ello, la también afortunada letanía del gran Edward Weston “la fotografía es hacer visible lo invisible”, hacen mancuerna para vislumbrar un apoteótico encuentro con imágenes limpias, bien pulidas en expresión y magistralmente ejecutadas con una técnica cada vez menos vista en esta época del “todos son fotógrafos”. Muchos ven, pero no observan, lo cual, si bien producirá en la más democrática práctica expresiva contemporánea alguna obra de mérito, no existe recoveco para la dedicación y la pasión verdadera por el entorno y la introspección que conducen al nivel de lo que observamos en la fotografía del Maestro Enrique Gallart.

Ahora bien, el “santo” del algunos fotógrafos, Ansel Adams, parece haber vacunado la expresión de luz del Maestro Gallart, ya que parte de su temática es el gran paisaje de nuestro mundo, desde la Patagonia hasta el norte y con una disposición cromática abundante. Uno de sus dichos fueron: “No se toman fotografías, se hacen” y “No hay reglas para una buena fotografía, sólo existen buenas fotografías”

También apunta su cámara a las calles, en la tradición más extendida de la fotografía, desde los europeos Cartier-Bresson. Doisneau y Kertesz hasta los americanos Eugene Smith, Walker Evans y Steve McCurry. En pocas palabras, aquí tenemos a alguien muy versátil y comprometido con el gran ofico-profesión de la fotografía. Y habría que recordar que toda fotografía de valor es la suma de pensamientos, creencias, vivencias, destrezas y observaciones que se encendieron y apagaron ahí, en el momento del “click”.

Aquí no hay silencio, existe un grito armónico de libertad de la expresión humana… y ¡mucho oficio”

Gerardo J. Beretta
Fotógrafo

 


 

Permanencia: 23 de junio de 2019

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CARLOS OVIEDO. OBRA RECIENTE

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CARLOS OVIEDO. OBRA RECIENTE

CARLOS OVIEDO. SEMBLANZA

Artista mexicano nacido en Puebla, Puebla (1970), con una trayectoria activa que sobrepasa los veinticinco años, Carlos Oviedo ha expuesto de manera individual en reconocidas galerías de arte en diversos países, ferias de arte internacionales y ha participado en muestras colectivas. La obra producida forma parte de diversas colecciones privadas en México, Estados Unidos, Centro y Sudamérica.

El trabajo de Carlos Oviedo gira en torno a su inquietud por diversos temas, el interior del ser humano y su figura, el uso del lenguaje del “Pop art” y las conclusiones derivadas del análisis del artista sobre la física cuántica, adquiriendo forma desde su propia imaginación y contemplación, y como disciplinas la pintura y la escultura.

Su obra ha sido acogida por varios museos de México: Museo de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla en dos ocasiones, Museo Metropolitano de Monterrey, Museo de la Ciudad de Cuernavaca, Museo de la Universidad Popular Autónoma de Puebla, Museo de Arte San Pedro en la ciudad de Puebla, Museo La Tallera Siqueiros en la ciudad de Cuernavaca, y el Museo de Arte Virreinal en Puebla.

También en ferias de arte internacionales en diversos países tales como, FIA Caracas, LA Art show, Shanghai Art Fair, Affordable Art Fair Mexico, Arteaméricas Miami, Fl.

También ha particiado en subastas públicas y privadas como: SACA (Society Advancement of Contemporary Art) Dallas TX. Morton Meyerson Symphony Center, MOMA Live auction September 23rd. Dallas TX., Fundación Comamos y Crezcamos con alegría A.C., entre otras.


 

Inauguración: jueves 7 de marzo de 2019, 20:00

Permanencia: 28 de abril de 2019

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«ME AGRADEZCO Y PUEDE QUE…» DE VICKY GARCIADIEGO

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“ME AGRADEZCO Y PUEDE QUE…”
de VICKY GARCIADIEGO

 

 

VICKY GARCIADIEGO
SEMBLANZA

Vicky Garciadiego Cano nació en la Ciudad de México el 30 de octubre de1962.

Egresada de la Escuela Activa de Fotografía plantel Coyoacán, CDMX 1983 -1985.

Al inicio de su carrera trabajo en la agencia de publicidad Arouesty y Asociados, posteriormente se muda a la ciudad de los Ángeles, CA. donde trabajo en el laboratorio Photography by Winer 1987-1990. Regresa a su país natal ejerciendo la docencia en el arte fotográfico en universidades y escuelas.

En 1998 abre las puertas como co-fundadora de la Escuela Activa de Fotografía en la Ciudad de Querétaro. Tras diez años de éxito en 2009 da vida a Estudio 30, donde imparte clases y se realizan trabajos fotográficos en diversas modalidades.

La experiencia de Vicky Garciadiego Cano como fotógrafa incluye la promoción y coordinación de exposiciones y eventos fotográficos en diferentes espacios incluyendo y dando oportunidad a nuevos talentos de mostrar sus obras. Ha colaborado en diversas exposiciones fotográficas colectivas e individuales, en México y en el extranjero como Nueva York, EUA y Madrid, España.

La fotógrafa ha participado en libros como “Instantes” publicado por Grupo Valverde y “Querétaro caminando con la Catrina” de Erik de Luna. En 2016 una de sus obras es elegida para ser publicada en NAT GEO Travelers en la edición noviembre 2016.

Con 35 años de experiencia en el la docencia y desarrollo de nuevos fotógrafos, estudios fotográficos, eventos culturales, deportivos y sociales, ahora la artista nos explica como la acción fotográfica que significa “pintar con luz” ha sido la herramienta perfecta para transmitir un ser más íntimo, auténtico y su propia percepción de su mundo interior, que ahora nos comparte en cada una de sus fotografías, un caleidoscopio de imágenes que nos llevan a viajar por un mundo de sensaciones mágicas.

Vicky Garciadiego Cano actualmente se descubre con la visión de invitarnos a través de su obra a conectar con una perspectiva de la fotografía simbólica en formas e imágenes armónicas que nos lleven a relacionarnos con la emoción del pensar y el sentir del agradecimiento con lo que somos y poseemos.

Gracias hermana.

Mónica Garciadiego Cano

 


 

Para subir al cielo se necesita…

Se necesita mirar arriba y dejar que el alma se desdoble, el espíritu se multiplique y la voluntad permita el disfrute… La luz, el aire que allí están.

El cielo es la metáfora de la felicidad… se mira con calma… se respira en paz… acoge en armonía a quien sabe mirar. Saber mirar es justamente lo que nos reclama el espíritu, nos permiten las pupilas y lo que más llena al corazón.

Todo estaá en el mundo para nuestro placer y recompensa por vivir.

La muestra fotográfica de Vicky Garciadiego Cano es un deleite para el alma de quien, sabiendo mirar, encuentra paz para el pensamiento y placer para la belleza, la luz y el respiro hondo que es lo que está buscando.

El recorrido placentero, concatena además, la mundanal belleza con la mágica geometría y los secretos del corazón.

Esta muestra es composición geométrica, energía oculta, luz atrapada, ganas de respirar profundo y volver a mirar…

Margarita Magdaleno R.
Querétaro 2019

 


Inauguración: Viernes 25 de enero de 2019, 20:00

Permanencia: 24 de febrero de 2019

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«HEMISFERIOS» MAURICIO DE LA VEGA, una retrospectiva

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“HEMISFERIOS”
MAURICIO DE LA VEGA, una retrospectiva

 

Hemisferios es una exposición que muestra reflexiones y cuestionamientos que el artista descubre y enfrenta desde su propio interior.

Hemisferios compone dos ideas opuestas de un mismo concepto y a veces de un mismo hecho.

La línea que nace desde los festejos y asombros a la vida misma y que transmutando en el pasar de los años, llegan a ser la versión contraria de su propio nacimiento.

Mauricio de la Vega, artista sin reservas, pregunta y responde con nuevas interrogantes para poder discernir entre alguna de sus verdades. Verdades personales que en algún tiempo cambian para interrogar nuevamente.

Como en toda retrospectiva, en algunos puntos de su trayecto, se asoman los manifiestos que al pasar del tiempo, generan el crecimiento del artista, del autor, de la persona. Así, las simplezas y trivialidades de un momento determinado pueden, paulatinamente, transformarse en las complejidades y profundidades de otro.

Desde sus primeras fotografías y hasta ahora, Mauricio de la Vega, investiga a partir del interior de un pensamiento (su pensamiento) hasta llevarlo al otro lado, al hemisferio contrario. De la noche al día, de la abundancia a la estrechez, de la sed a la saciedad, de la libertad a la prohibición y de la vida a la muerte; pero nunca está conforme con calcar sólo un lado de la moneda; insiste en cuestionar y atrapar los dos con la capacidad de observarlos, asumirlos y sobre todo, expresarlos para compartir y hacer un llamado al diálogo desmesurado de ideas, puntos de vista y lacerar los absolutismos del pensamiento flojo y descuidado.

En conclusión, esta línea de imágenes comprende la trayectoria del artista en su vida productiva y a su vez, propone un discurso sobre algunos de los temas más apasionantes con los que ha trabajado como fotógrafo.

 

Luis Javier Beltrán Miranda

 


MAURICIO DE LA VEGA. UNA SEMBLANZA

Mauricio de la Vega, nace en la ciudad de Querétaro en octubre de 1966, de madre proveniente de la hoy Ciudad de México y padre queretano.

Mauricio comienza su andar artístico a los 18 años de edad en la escuela de Diseño de Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Querétaro, en donde, entre otros, tuvo como profesor al fotógrafo Arturo Pérez y Pérez con quien, en poco tiempo, entabla una gran amistad y un gusto compartido por esta disciplina artística.

Ahí mismo, Mauricio, es profesor de fotografía y paralelamente en el Tecnológico de Monterrey, Plantel Querétaro.

En algún momento de su trayectoria como artista independiente, gana la beca a jóvenes creadores que otorgaba el entonces Consejo Estatal para la Cultura y las Artes, y una vez concluida, decide hacerse camino a la ciudad de Nueva York en donde tiene el acierto de asistir a los ya consagrados fotógrafos Marco Glaviano, María Robleda y Barry O ́Rourke.

A su regreso a esta ciudad, comienza retratar familias, recién casados, empresarios, artistas, bodas, y en general a una gran sector de la sociedad queretana, convirtiéndose rápidamente en uno de los más conocidos y cotizados fotógrafos del estado.

Junto a ello, mantiene un gusto desbordante por las artes en general, influenciado por sus padres y por su mismo ADN; incursiona en la música, la pintura y por supuesto la fotografía como su más natural y cómodo medio de expresión. Jamás abandona su trabajo artístico, expresivo y autoral; en la actualidad trabaja de manera constante la pintura con acrílico, óleo y pastel, entre otros.

De esta manera Mauricio expone y muestra su trabajo fotográfico en todas y cada una de las galerías y museos de Querétaro ; así destacan las exposiciones tituladas “Sensualidad” en este mismo Museo de Arte, y “Retrospectiva” en el Museo de la Ciudad y en el extranjero destaca su participación en la galería alemana “Photographie Malerei Editionen” con quien comparte la sala con la pintora Monika Kaiblinger en un homenaje plástico a Frida Kalho.


Permanencia: 13 de enero de 2019

Museo de Arte de Querétaro
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